miércoles, 4 de noviembre de 2026

SEMINCI 2026. La violinista . Ervin Han y Raúl García


FICHA TÉCNICA 

Título original: The Violinist
Año: 2026
Países: Singapur, España e Italia
Duración: 114 minutos
Género: Drama histórico y musical
Técnica: Animación 2D dibujada a mano y animación por ordenador
Dirección: Ervin Han y Raúl García
Guion: Ervin Han y Jordan K. See
Música: Ricky Ho e Isabel Latorre
Voces en la versión de SEMINCI: Lucía Aránega, María José Montesinos, Imma Sancho, Nelo Gómez, Enrique Arce, Pau Ferrer, Cristina Rodríguez y Marta Aparicio
Versión: Original en español y japonés, subtitulada en español e inglés
Producción: Robot Playground Media, TV ON Producciones y Altri Occhi.

Sinopsis: 

Un periodista español investiga el origen de un antiguo violín y descubre la historia de Fei y Kai, dos jóvenes músicos unidos por la amistad, la música y el amor. En 1941, la invasión japonesa de Malaya durante la Segunda Guerra Mundial separa sus caminos. Kai se incorpora a la Resistencia y promete regresar, pero desaparece. Fei continúa su carrera como violinista y recorre distintos escenarios durante las dos décadas siguientes, sin renunciar a la esperanza de volver a encontrarlo.


Anécdotas y Curiosidades

La película nació de The Violin, un cortometraje de 16 minutos escrito y dirigido por Ervin Han en 2015. Aquella historia fue creciendo hasta convertirse en un largometraje, en un proceso de desarrollo que duró más de una década. 

La animación reunió a unas 400 personas de distintos países. El equipo trabajó para reconstruir el Singapur de época y documentar sus espacios, arquitectura y personajes. Ervin Han explicó que dedicó alrededor de dos años a leer libros, consultar testimonios orales y reunir material histórico. 

Animar las manos de los personajes al tocar el violín fue un reto especial: el equipo dedicó aproximadamente 18 meses a esas secuencias, aunque ninguno de sus integrantes tocaba el instrumento. 

Raúl García había trabajado como animador en películas de Disney como Aladdin, El rey león, Pocahontas y Hércules. En esta película codirige con Han, cuya idea original estaba vinculada a la historia y la memoria de Singapur. 

La violinista ganó el Cristal al mejor largometraje y el premio SACEM a la mejor música original en el Festival de Annecy de 2026. 


Hablando de la película… 

SEMINCI 2026. Aquí . Tiago Guedes


FICHA TÉCNICA

Título: Aquí
Año: 2026
Países: Portugal y Francia

Duración: 205 minutos
Idioma: español
Dirección: Tiago Guedes
Guion: Tiago Guedes y Luís Araújo

Reparto: Manolo Solo, Patricia López Arnaiz, Álex Peláez, Hugo Encuentra, Daniel Elías, Lambert Wilson, Sergi López, Camille Decourtye, Ángela Molina, Itsaso Arana, Fernando Trueba y Albano Jerónimo
Basada en: la Trilogía de Jesús, de J. M. Coetzee
Fotografía: Daniela Cajías
Dirección de arte: Meral Aktan
Producción: Paulo Branco
Productoras: Leopardo Filmes y Alfama Films, con la participación de otras productoras, entre ellas Los ilusos
Estreno mundial: Festival de Cannes, sección Cannes Première
Estreno en España: Obtuvo la Mención especial de la Sección Oficial Internacional de la Seminci 2026

Sinopsis: 

En un lugar donde las personas comienzan una nueva vida sin recuerdos de su pasado, Simón se hace responsable de David, un niño al que conoce durante el viaje hacia ese territorio desconocido. Convencido de que el chico necesita una madre, encuentra en Inés a la mujer adecuada. Ella acepta y los tres forman una familia poco convencional.

Pero David no se adapta con facilidad a las normas de la sociedad que los rodea. Su imaginación y su resistencia a ser moldeado ponen en cuestión las ideas de familia, educación y pertenencia. Simón intenta comprenderlo y acompañarlo, aunque la relación entre ambos abre preguntas para las que quizá no hay una respuesta sencilla.

La película adapta las tres novelas de Coetzee —La infancia de Jesús, Los días de Jesús en la escuela y La muerte de Jesús— y conserva un mundo deliberadamente extraño, sin coordenadas precisas de tiempo o lugar.


Anécdotas y curiosidades del rodaje

Una trilogía de unas 900 páginas condensada en una película. Guedes contó que el primer guion tenía unas 190 páginas y lo redujeron a unas 150 antes del rodaje. El primer montaje duraba cuatro horas y cuarenta y cinco minutos. Aunque se plantearon reducirlo a tres horas, decidieron conservar el montaje final, de algo más de tres horas.

El personaje de David lo interpretan dos jóvenes. Álex Peláez y Hugo Encuentra llegaron en la primera tanda de pruebas y el director pronto los consideró los candidatos adecuados. Guedes explicó que quiso que ambos se influyeran durante los ensayos para que el mismo personaje resultara creíble en distintas etapas de su vida.

Parte del baile de David nació de la improvisación. El bailarín improvisaba y los coreógrafos seleccionaban movimientos. Aunque filmaron la secuencia desde varios ángulos, el montaje utiliza un único plano, porque al director le pareció que bastaba para conservar la fuerza del movimiento.

La película se rodó en español. Guedes explicó que el idioma surgió de forma natural y que ser portugués le permitía acercarse al relato desde la posición de alguien de fuera, algo que conectaba con sus personajes, extranjeros que intentan adaptarse a un mundo nuevo.

El territorio parece indefinido, pero se construyó con localizaciones concretas. Cannes explica que Guedes buscó lugares en España para recrear ese “no lugar” de la novela. En otra entrevista, el director habló de espacios poco conocidos de Portugal —incluidos lugares de Oporto y Lisboa— que se combinaron para borrar las referencias geográficas.

El título se relaciona con el presente. En la rueda de prensa de la Seminci, Guedes contó que propuso el cambio de título a Coetzee. Para el director, Aquí remite al momento que viven los personajes: no tienen recuerdos y el futuro es incierto. Sergi López bromeó con que podría llamarse “aquí y ahora”, pero que en la película ese presente parece durar para siempre.

La danza funciona como otro modo de expresión. El material de prensa la presenta como un lenguaje para aquello que las palabras no consiguen explicar. La frase «Las palabras son débiles. Por eso bailamos» resume esa propuesta, aunque en tu lectura podremos explorar qué efecto producen realmente esas secuencias dentro de la película.


Hablando de la película… 

martes, 3 de noviembre de 2026

SEMINCI 2026. Películas que he visto...


My Notes on Mars . Lili Horvát



Queen at Sea . Lance Hammer



Woman Unknown . May el-Toukhy



Rose . Markus Schleinzer



Aquí . Tiago Guedes



La violinista . Ervin Han, Raúl García



A Good Little Soldier . Stéphane Brizé



Talento para matar . Anton Corbijn



The Weight . Padraic McKinley



El arte del engaño . Pierre Salvadori



Everytime . Sandra Wollner





SEMINCI 2026. Rose . Markus Schleinzer


FICHA TÉCNICA 

Título original: Rose

Dirección: Markus Schleinzer

Guion: Markus Schleinzer y Alexander Brom

Países: Austria, Alemania y Francia

Año: 2026

Duración: 94 minutos

Género: Drama histórico

Idioma original: Alemán

Fotografía: Gerald Kerkletz

Música: Tara Nome Doyle.

Diseño de vestuario: Doris Bartelt.

Producción: Johannes Schubert, Philipp Worm, Tobias Walker y Karsten Stöter.

Reparto: Sandra Hüller (Rose), Caro Braun (Suzanna), Godehard Giese, Robert Gwisdek, Maria Dragus, Augustino Renken, Annalisa Hohl y Maurice Leonhard.

Narración: Marisa Growaldt.

Festivales y premios: Estrenada mundialmente en la competición de la Berlinale 2026, donde Sandra Hüller obtuvo el Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista. Seminci 2026 Premio del Público Sección Oficial. 

Sinopsis:

A comienzos del siglo XVII, un misterioso soldado llega a una pequeña comunidad protestante de Alemania y asegura ser el legítimo heredero de una granja abandonada.

Su rostro marcado por una cicatriz, su carácter reservado y su pasado desconocido despiertan inicialmente la desconfianza de los habitantes. Sin embargo, su dedicación al trabajo, su disciplina y su respeto por las costumbres religiosas le permiten integrarse progresivamente en la comunidad.

Pero detrás de aquella aparente normalidad existe un secreto que amenaza con alterar su vida y la de quienes le rodean.

Ambientada en una sociedad profundamente condicionada por la religión, las jerarquías y los privilegios masculinos, Rose plantea una reflexión sobre la identidad, la libertad individual y el precio de desafiar las normas establecidas.


Anécdotas y curiosidades

Markus Schleinzer 17 años eligiendo actores. Antes de dirigir sus propias películas, trabajó durante 17 años como director de casting. Colaboró con Michael Haneke, Jessica Hausner y Ulrich Seidl. En La cinta blanca (2009), incluso ayudó a dirigir a los niños durante el rodaje. Rose es su tercer largometraje, después de Michael (2011) y Angelo (2018).

Sandra Hüller: el personaje fue escrito pensando en ella. Schleinzer ya tenía a Hüller en mente mientras escribía. Habían trabajado juntos como intérpretes en Sisi & Ich (2023). El director volvió a ver numerosas películas suyas para comprender mejor sus recursos interpretativos. La actriz, conocida internacionalmente por Anatomía de una caída, La zona de interés, además de la divertida Este/Oeste. 

Caro Braun: un casting de más de 700 mujeres. Para encontrar a la intérprete del segundo personaje femenino principal, Suzanna, se realizaron pruebas a más de 700 mujeres. Schleinzer ha explicado que muchas de las aspirantes manifestaron cuánto había influido Sandra Hüller en su formación y desarrollo como actrices.


Otras cuatro curiosidades especialmente interesantes

El origen fue una llamada de cumpleaños. Una amiga historiadora llamó a Schleinzer para felicitarlo. Estaba leyendo un expediente criminal sobre una mujer ejecutada exactamente 250 años antes, en esa misma fecha. Aquella coincidencia despertó el interés del cineasta por estas historias.

La historia se construyó a partir de documentos judiciales. Los guionistas investigaron varios casos de mujeres que adoptaron identidades masculinas. El personaje de Rose reúne elementos de diferentes experiencias históricas.

El blanco y negro no es solamente una elección estética. Schleinzer quería evitar que la espectacularidad del vestuario y los decorados históricos distrajera de los personajes. Según explicó, eliminar el color permite concentrar la atención en los gestos, las heridas y los conflictos humanos.

Sandra Hüller tuvo un desafío físico e interpretativo muy particular. La actriz explicó que debía conseguir que Rose resultara convincente como hombre ante los demás personajes, sin perder la tensión interior de alguien que teme ser descubierto. 


Hablando de la película… 

A partir de aquí analizo acontecimientos y decisiones de los personajes que forman parte del desarrollo de la historia. Si todavía no has visto Rose, te recomiendo regresar a este apartado después de disfrutarla.

lunes, 2 de noviembre de 2026

SEMINCI 2026. A Good Little Soldier . Stéphane Brizé

FICHA TÉCNICA

Título original: Un bon petit soldat

Título internacional: A Good Little Soldier

Dirección: Stéphane Brizé

País: Francia

Año: 2026

Duración: 101 minutos

Género: Drama social, thriller psicológico y laboral

Reparto principal: Alba Rohrwacher, Vincent Lindon, David Talbot, Adrien Bobinet, Sharif Andoura, Philippe Pollet-Villard, Alexandra Clert y Yasmine Malek.

Sección: Sección Oficial, SEMINCI 2026. Estreno en España.

Guion: Stéphane Brizé, Coralie Amedeo y Olivier Gorce.

Fotografía: Antoine Héberlé.

Música: Bertrand Blessing.

Producción: Sidonie Dumas.

Productoras: Gaumont y France 3 Cinéma.

Distribución española: BTeam Pictures.

Sinopsis

Carla Moretti es una ejecutiva de 43 años que ha dedicado buena parte de su vida a construir una carrera profesional de éxito, sacrificando en el camino aspectos importantes de su vida personal y familiar.

Cuando asume la dirección de Recursos Humanos de una importante compañía de seguros francesa, recibe una misión aparentemente conciliadora: recuperar la confianza de los trabajadores, mejorar su bienestar y demostrar que una empresa puede ser humana sin renunciar a sus objetivos económicos.

Sin embargo, pronto descubre que las exigencias de la dirección contradicen los principios que oficialmente defiende la compañía.

La aparición de un caso de gestión laboral tóxica obliga a Carla a enfrentarse a una sucesión de decisiones que comprometen tanto su responsabilidad profesional como sus convicciones personales.

A medida que aumenta la presión, la protagonista queda atrapada entre la obediencia a sus superiores, la protección de los empleados y la necesidad de conservar su posición dentro de la empresa.

Stéphane Brizé construye así un relato sobre los mecanismos de poder, la obediencia corporativa y el precio humano de un sistema que exige resultados mientras proclama su preocupación por las personas.


Curiosidades y anécdotas del rodaje

He encontrado una entrevista especialmente valiosa con el director de fotografía, Antoine Héberlé, publicada por la Asociación Francesa de Directores de Fotografía. Contiene detalles que nos permiten comprender algunas decisiones narrativas.

El encierro de Carla fue una decisión deliberada. En versiones anteriores del guion aparecían escenas en el domicilio de Carla, en un gimnasio y en otros espacios exteriores. Brizé decidió eliminarlas casi todas. Brizé quería que la protagonista permaneciera prácticamente encerrada en la empresa. Su vida privada solo aparece mediante conversaciones telefónicas y videollamadas. Es decir, la empresa no solamente ocupa su jornada laboral, termina invadiendo su existencia.

El rodaje duró 24 días. Se utilizaron espacios de oficinas en La Défense e Issy-les-Moulineaux, en la región parisina. Parte de la filmación tuvo lugar en la planta 25 de una torre de aproximadamente cincuenta pisos.

Se utilizaron trabajadores y participantes no profesionales. Junto a los intérpretes principales participaron personas sin formación actoral profesional que aportaban experiencias próximas a sus propios entornos laborales. Brizé les proporcionaba situaciones y argumentos, pero no necesariamente diálogos cerrados. Esto permitía obtener reacciones espontáneas.

Algunas tomas superaban los veinte minutos. Se emplearon hasta tres cámaras simultáneas, especialmente durante las reuniones. Una seguía a Vincent Lindon, otra a Alba Rohrwacher y una tercera recogía las reacciones de los participantes.

El director no quería una fotografía excesivamente fría. Aunque la historia transcurre en oficinas impersonales, Brizé pidió evitar una imagen demasiado gélida. Consideraba que el propio argumento ya resultaba suficientemente inquietante.


Los actores principales

Alba Rohrwacher — Carla Moretti

La actriz italiana interpreta a una directiva aparentemente segura de sí misma, pero profundamente vulnerable. Para preparar el papel, Brizé le pidió mejorar su dominio del francés y trabajó con testimonios de personas del mundo empresarial. Su personaje es especialmente interesante porque no es únicamente víctima, también participa en el funcionamiento del sistema que la perjudica.

Vincent Lindon — Arnaud Boronat

Interpreta al poderoso dirigente de la compañía. Lindon, que había encarnado a trabajadores sometidos a situaciones de injusticia en anteriores películas de Brizé, representa ahora a la autoridad empresarial. El director buscaba un personaje inteligente, carismático y autoritario, cuya influencia continuase pesando sobre Carla incluso cuando no apareciera en pantalla.

Otros personajes importantes son Étienne, el responsable de actividades de bienestar empresarial, interpretado por Sharif Andoura; Olivier, interpretado por David Talbot; y Louis, el hijo de Carla, interpretado por Adrien Bobinet.


El director Stéphane Brizé

Stéphane Brizé (Rennes, 1966). Director y guionista francés cuya filmografía mantiene un interés constante por los conflictos entre el individuo, el trabajo y las estructuras de poder. Antes de dedicarse al cine estudió electrónica, se formó en arte dramático y trabajó como técnico de televisión. Tres películas anteriores resultan fundamentales para comprender su trayectoria: La ley del mercado (2015), la precariedad laboral y los dilemas morales del trabajador. En guerra (2018), la resistencia colectiva ante las decisiones empresariales y el cierre de una fábrica. Un nuevo mundo (2021), la presión que sufren los altos directivos cuando deben ejecutar políticas de reestructuración.

Una declaración del director que merece nuestra atención. En una entrevista concedida durante el Festival de Venecia de 2026, Brizé relacionó su película con el concepto de la banalidad del mal, de Hannah Arendt, personas corrientes que, por obediencia y ambición, terminan participando en mecanismos de dominación. También explicó que quería mostrar cómo la violencia del trabajo contamina la vida privada, incluso la relación de Carla con su hijo.

En una entrevista publicada el 21 de octubre, Brizé defendía que el bienestar laboral no se consigue contratando a un entrenador de felicidad, sino ofreciendo condiciones dignas, reconocimiento y salarios adecuados. También planteaba que abandonar un sistema destructivo puede representar una decisión heroica, aunque implique un enorme coste social. 


Ahora sí, hablemos de Francia y como el director Brizé nos presenta su película. 

SEMINCI 2026. Woman Unknown . May el-Toukhy


FICHA TÉCNICA 

Título original

Kvinde ukendt

Título internacional

Woman Unknown

Año

2026

País

Dinamarca

Dirección

May el-Toukhy

Guion

May el-Toukhy y Maren Louise Käehne

Duración

126 minutos, según ficha de exhibición

Fotografía

Jasper J. Spanning

Música

Mikkel Hess

Género

Drama histórico y psicológico

Protagonista

Mathilde Arcel

La película participó en la competición oficial del Festival de Venecia de 2026, donde obtuvo el León de Oro y la Copa Volpi a la mejor actriz para Mathilde Arcel.

Sinopsis:

Dinamarca, mayo de 1945. La Segunda Guerra Mundial acaba de finalizar y las calles de Copenhague celebran la liberación de la ocupación alemana. Sin embargo, bajo la euforia colectiva comienza a manifestarse una violencia alimentada por el resentimiento, la venganza y la necesidad de señalar a quienes colaboraron con el enemigo.

Marie es una joven empleada doméstica que trabaja en la residencia de Christian, un acomodado viudo con quien está a punto de contraer matrimonio. La boda representa para ella la posibilidad de abandonar su condición de criada y alcanzar una posición social privilegiada.

Pero Marie oculta un pasado peligroso: durante la ocupación mantuvo una relación sentimental con un soldado alemán. En una sociedad que castiga públicamente a las mujeres acusadas de confraternizar con el enemigo, la revelación de ese secreto podría destruir su futuro.

Mientras intenta proteger su nueva identidad y conservar la seguridad que tanto desea, Marie se enfrenta a una creciente amenaza que la obliga a tomar decisiones moralmente comprometedoras.

La película plantea así un conflicto entre la supervivencia individual, la culpa y la violencia de una sociedad que, tras recuperar su libertad, parece dispuesta a negar la libertad de determinadas mujeres.


Anécdotas y curiosidades

Aquí vienen algunos datos especialmente interesantes: 

Copenhague se reconstruyó en Riga. Aunque la historia sucede en Dinamarca, buena parte del rodaje tuvo lugar en Riga, capital de Letonia. Sus calles y edificios permitieron recrear la Copenhague de 1945.

La directora era extraordinariamente exigente con los decorados. El productor Mikael Rieks contó que May el-Toukhy podía detener el rodaje porque una cortina no colgaba exactamente como ella quería. Este perfeccionismo visual resulta interesante en una película donde el orden doméstico tiene tanta importancia.

La historia transcurre en solamente cinco días. La directora decidió concentrar la acción en cinco jornadas de mayo de 1945. Buscaba transmitir simultáneamente la euforia de la liberación y el peligro que se extendía por las calles.

Marie no representa a una mujer real concreta. El personaje nace de una investigación sobre mujeres que mantuvieron relaciones con soldados alemanes durante la ocupación. Muchas de aquellas mujeres fueron humilladas públicamente, golpeadas y rapadas. Algunas conservaron el anonimato durante toda su vida. La directora descubrió que incluso décadas después muchas supervivientes seguían sin querer hablar de lo ocurrido.

La directora quiso evitar una película histórica convencional. May el-Toukhy no quería limitarse a reproducir vestuarios y ambientes de los años cuarenta. Pretendía contar una historia psicológica que pudiera interpelar también al espectador contemporáneo.

El contexto histórico: las llamadas «colaboradoras horizontales». Este punto es fundamental para comprender la película. Al terminar la ocupación alemana, en distintos países europeos se produjeron represalias contra mujeres acusadas de mantener relaciones sentimentales o sexuales con soldados alemanes. El término despectivo colaboración horizontal reducía aquellas relaciones a una supuesta traición nacional. Lo paradójico es que, mientras algunas mujeres eran castigadas públicamente por sus relaciones personales, otras formas de colaboración económica con los ocupantes podían recibir un tratamiento muy diferente. La propia directora ha señalado esa hipocresía: el cuerpo femenino convertido en un territorio donde una sociedad pretende recuperar su honor nacional.


Hablando de la película..