viernes, 5 de junio de 2026

Entrevista a Yolanda Trancho por Amor DiBó

 

Yolanda Trancho

Conferenciante | Ex Policía Nacional · Suicidio policial, violencia y pederastia · Formo equipos de RRHH y docentes que salvan vidas desde el conocimiento real


"Como escritora especializada en temas de denuncia social, he dedicado parte de mi trabajo a visibilizar realidades que con frecuencia permanecen ocultas o silenciadas, violaciones, pederasta, víctimas nunca nombradas de ETA. 

La problemática del suicidio en las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad, es una cuestión que considero de enorme relevancia humana y social".


Entrevista a Yolanda Trancho por Amor DiBó 


Hace algún tiempo comencé una investigación sobre los suicidios laborales en Francia. El punto de partida fueron varias noticias que me impactaron y que estaban relacionadas con funcionarios, policías y otros colectivos profesionales sometidos a una fuerte presión psicológica. Como suele ocurrirme, una pregunta llevó a otra.

Buscando comprender mejor este fenómeno encontré documentales, películas y reportajes franceses que abordaban el sufrimiento laboral, la soledad profesional y, en algunos casos, el suicidio como desenlace trágico. El cine, una vez más, me ofrecía una puerta de entrada para entender una realidad compleja.

Sin embargo, al trasladar la mirada a España descubrí algo que llamó poderosamente mi atención. Mientras en Francia existen obras audiovisuales que se atreven a explorar estas cuestiones, en nuestro país la presencia de este tema en el cine y el documental parece mucho más limitada. No es que el problema no exista. Las noticias demuestran que existe. La pregunta es otra: ¿por qué apenas lo vemos reflejado en nuestras pantallas?

Esa inquietud me llevó hasta Yolanda Trancho, ex Policía Nacional, conferenciante y divulgadora en materia de suicidio policial, violencia y prevención. Una reciente publicación suya en redes sociales, en la que denunciaba el impacto de varios suicidios entre agentes de las fuerzas de seguridad, me animó a contactar con ella.

Lo que inicialmente iba a ser una simple consulta terminó convirtiéndose en una conversación profunda sobre el silencio, el estigma, la salud mental y la dificultad de pedir ayuda en profesiones donde la fortaleza parece una obligación permanente.

Pero esta entrevista también deja abierta una cuestión más amplia que trasciende el ámbito policial y se adentra en el terreno cultural: ¿por qué determinados sufrimientos sociales encuentran representación en el cine mientras otros permanecen prácticamente invisibles?

Quizá esa sea una de las preguntas más importantes de todas. Porque las películas hablan de aquello que una sociedad decide mirar. Y sus silencios, a veces, hablan de aquello que todavía no se atreve a mirar.


¿Quién cuida al que está acostumbrado a cuidar de los demás? ¿Por qué cree que la sociedad

conoce tan poco esta realidad?


Nadie, o muy pocos, por desgracia, solo se habla cuando en una unidad alguien decide quitarse la vida.

El agente aprende desde el primer día a ser el que resuelve, el que protege, el que aguanta, el que guarda su malestar. Mostrar vulnerabilidad se percibe como una fisura en esa armadura. Ningún agente dice estar mal, o que una intervención le ha dejado marcado. Y la sociedad no lo conoce porque nosotros mismos lo ocultamos. Nos han enseñado a ser fuertes, a ser invulnerables. Hemos construido un relato del agente invulnerable que nos ha terminado atrapando a todos.

Continúa la entrevista... 

lunes, 1 de junio de 2026

PARLANChINES. Marilyn Monroe . 100 años de una Leyenda con Anna Bayón

 


PARLANChINES. Marilyn Monroe . 100 años de una Leyenda con Anna Bayón

MARILYN MONROE . 1926–2026
100 AÑOS DE UNA LEYENDA @cine_anabayon & @amordibo #marilynmonroe #normajean
No parece un simple homenaje a Marilyn Monroe, sino una especie de "encuentro cinematográfico" entre tres generaciones de amor por el cine: . Marilyn, como mito eterno de Hollywood.
. Anna Bayón, representando la nueva generación de divulgadores y comunicadores cinematográficos.
. Amor DiBó, con esa mirada crítica que siempre busca la historia detrás de la historia.

domingo, 31 de mayo de 2026

Espectadores Zombi. Teoría de Amor DiBó

 

"La metáfora del espectador zombi ya ha sido utilizada en ámbitos académicos. En 2013, Landi Raubenheimer la empleó para analizar la paradoja de la interactividad digital. En el artículo Spectatorship of screen media; land of the zombies? Fue publicado en 2013 en la revista académica Image & Text.

Landi Raubenheimer, profesora e investigadora de la Facultad de Arte, Diseño y Arquitectura de la University of Johannesburg. Habla del espectador digital, interactividad, teoría estética, pasividad disfrazada de actividad. Y yo hablo de algo más cotidiano y cinematográfico. El espectador interrumpido, la pérdida de escucha, el móvil durante la proyección, la incapacidad de habitar una historia, y el entretenimiento para no ser abandonado.  


El Espectador Zombi

No como insulto. No como alguien estúpido. Sino como alguien que ha sido entrenado para consumir sin habitar. No es un público ignorante. Es un público con una atención tan fragmentada que ha hecho de la interrupción un hábito. 

Porque el cine nació precisamente de un pacto. “Apagamos nuestras luces individuales para mirar juntos una misma historia." Y ahora la película está proyectándose en una pantalla de veinte metros. Y, sin embargo, el espectador mira una pantalla de quince centímetros.

En el aquí y ahora ya hay un círculo perfecto y bastante inquietante.  El entretenimiento zombi necesita espectadores zombis. Y los espectadores zombis terminan pidiendo entretenimiento zombi. 


sábado, 30 de mayo de 2026

Entertainment Zombi. Teoría de Amor DiBó

 
Entertainment Zombi. Teoría de Amor DiBó
Jugada Maestra (How to Make a Killing) John Patton Ford

El 11 de mayo de 2026 acudí al pase de la película. How to Make a Killing (Jugada Maestra) de John Patton Ford. Película de UK. Remake de la película de 1949 “Kind Hearts and Coronets” (“Ocho sentencias de muerte”). 


La vi en versión original en ingles y mientras leía los subtítulos tenía la sensación de que el guion tenía el todo perfil, de que se había hecho con IA. 


¿Estoy en lo cierto ó estoy equivocada? 


Voy a analizar la película con algo tan cotidiano como la alimentación. Tiene la etiqueta de saludable respetando  los protocolos de seguridad alimentaria pero no quiere decir que sea sano. A a película Jugada Maestra podría ponerle la etiqueta de “Entertainment Zombi". Parecen películas vivas, pero enseguida sabemos que hay algo que, ó está muerto ó camino de encefalograma plano. 


¿Puede que te choque mi razonamiento? 


Es algo que muchos espectadores empiezan a percibir.  Y la metáfora funciona, porque no hablo de películas malas. Hablo de otra cosa más inquietante: productos audiovisuales que aparentan estar vivos, correctos, fluidos, entretenidos, incluso técnicamente brillantes, pero que no dejan un “residuo humano”. 


Es como comer una  ultra-procesada hamburguesa “Saludable”: tiene proteínas, vitaminas añadidas, diseño apetecible… sin embargo el cuerpo nota que falta algo orgánico. El paladar emocional detecta una ausencia.


Mi sensación, no depende necesariamente de que los guiones hayan sido escritos literalmente con IA. A veces basta con que estén escritos como si una IA hubiera optimizado el resultado.


jueves, 28 de mayo de 2026

Una pistola, una bala y un oso panda de Oriol Cardús


FICHA TÉCNICA

Una pistola, una bala y un oso panda es una película española dirigida y escrita por Oriol Cardús.
Se trata de una comedia negra con elementos de thriller psicológico y surrealismo existencial.

El reparto principal está formado por Alain Hernández, José Troncoso y Teresa Ferrer.
Completan el elenco Patricia Conde, Petra Martínez, Emma Ozores, Carles Martínez, Francesc Ferrer, Dafnis Balduz y Mar Ulldemolins.

La fotografía es de Daniel Losada, la música de Dani Trujillo, el montaje de Joan Solsona y la dirección artística de Maite Sánchez.
La producción corre a cargo de Sin Parpadear S.L.
Duración aproximada: 1h 25 min.
Rodada en diferentes localizaciones de Cataluña.

Sinopsis

Saúl es un director de cine hundido emocionalmente: abandonado por su pareja, sin trabajo y encerrado en casa como un náufrago doméstico que ya ni discute con el despertador porque directamente ha firmado la rendición.

Todo cambia cuando aparece en su rellano un misterioso paquete con un revólver, una bala y una nota enigmática. A partir de ahí, acompañado de sus amigos Raúl y Maite, inicia una deriva delirante donde la realidad, los sueños, los traumas y el absurdo empiezan a mezclarse como si Woody Allen hubiese tomado café con Hayao Miyazaki después de una noche especialmente rara.


Anécdotas del rodaje, actores y director


La película supone el primer largometraje de ficción de Oriol Cardús tras una larga trayectoria en publicidad, documentales y cortometrajes.

Cardús estudió en la ESCAC y también pasó por la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, en Cuba. Antes de lanzarse al cine había dirigido cerca de doscientos anuncios publicitarios para marcas internacionales.

El rodaje se desarrolló durante siete semanas en múltiples localizaciones catalanas: Barcelona, Hospitalet, Igualada, Mataró, Tarrassa, Begues o la Cerdaña.

El director explicó que combinaron rodaje digital y analógico, algo poco habitual en una ópera prima de este presupuesto.

El film contó con financiación íntegramente privada y un presupuesto cercano a los 5 millones de euros. Una rareza casi exótica en el cine independiente español actual: encontrar dinero privado para una comedia existencial con panda metafísico tiene algo de milagro administrativo.

El oso panda funciona como una proyección simbólica del subconsciente del protagonista. Según materiales promocionales, pasa de presencia onírica a “materializarse” dentro de la aventura.

Las influencias citadas por el propio entorno de producción van desde Martin Scorsese hasta los Hermanos Marx, pasando por Miyazaki o incluso Winnie the Pooh. Cuando una película te menciona a Scorsese y un oso panda filosófico en la misma frase, sabes que la lógica ha pedido una excedencia.

José Troncoso interpreta al contrapunto cómico “freaky y entrañable” de la historia, mientras que Teresa Ferrer ejerce como brújula moral del grupo.

Hablando de la película… 

STOMACH IT de Peter Klausner


El tema que me ha despertado STOMACH IT es muy interesante porque toca un subgénero discreto pero muy potente. Los limpiadores de escenas de muerte, vaciado de pisos, “special cleaning”, limpieza de suicidios, kodokushi (muertes solitarias) y trabajadores que gestionan los restos materiales de una tragedia. En Japón esto tiene incluso nombre profesional: tokushu seisō gyōsha (empresas de limpieza especial). Y sí, el daño colateral psicológico aparece. Absorber las historias de los objetos, las habitaciones y las ausencias.

STOMACH IT efectivamente la película gira precisamente alrededor de un limpiador de escenas traumáticas y la imposibilidad de “digerir” emocionalmente esos restos humanos y simbólicos.


Japón

Departures (Okuribito, 2008)
No son limpiadores de escenas, sino preparadores mortuorios (nokanshi). Un violonchelista acaba trabajando con cadáveres. Habla de la dignidad de la muerte y del peso emocional del oficio. Ganó el Óscar a película internacional. El equivalente elegante y humanista al universo que roza STOMACH IT.

Room Laundering (Jiko Bukken: Kowai Madori / Room Laundering, 2018)
Aquí sí entramos en tu terreno. Una joven trabaja “limpiando” pisos donde hubo suicidios o muertes, para que vuelvan al mercado inmobiliario. El término japonés jiko bukken designa precisamente esos inmuebles estigmatizados.

The Projects (Tokyo Kodoku – documental / reportajes varios sobre kodokushi)
Hay documentales japoneses sobre empresas que vacían apartamentos de personas fallecidas solas. Más documental que ficción, pero muy reveladores.

The Mourner (The Mourner, de Shinzo Arai)
No trata limpieza, pero sí personas que viven alrededor de la muerte y del recuerdo de desconocidos.


Corea del Sur

Move to Heaven
Esta seguramente te gustará. Un joven con síndrome de Asperger y su tío trabajan en una empresa que limpia y ordena pertenencias de fallecidos (trauma cleaners). Cada episodio reconstruye una vida a través de objetos. Humanísima y muy sensible.

Cleaning Up
No va de muertes sino de limpiadoras, pero conecta con la idea de personas invisibles que observan vidas ajenas desde los restos.


Tailandia / Asia

The Medium
No es exactamente limpieza, pero sí el impacto psicológico de convivir con restos simbólicos y espacios contaminados por el trauma.

The Housemaid
Más social y psicológica: la casa absorbe secretos y heridas.


Documentales y realidad japonesa


Documentales sobre kodokushi (“muertes solitarias”) y empresas de vaciado de apartamentos. Busca términos como: Japan lonely deaths cleaning apartments”, “kodokushi cleaners”, “special cleaning Japan”. Hay varios trabajos televisivos y reportajes muy duros.


Fuck The Polis de Rita Azevedo en Caixa Forum

Acabo de ver a través de la plataforma Caixa Forum, https://caixaforumplus.org/v/fuck-the-polis Fuck The Polis, un documental 

Sinopsis: El anuncio de una enfermedad fatal lleva a Irma a Grecia, el reino de la claridad, donde emprende un viaje dictado por el dios Apolo y guiado por sus lugares sagrados. Unos veinte años más tarde, Irma vuelve a recorrer ese camino apolíneo. Entre el relato corto de João Miguel Fernandes Jorge (basado en un testimonio personal de aquel viaje) y la experiencia de la directora, 'Fuck the polis' nos transporta a las islas griegas, entre voces y mares, piedras y danzas, vientos y templos, ruinas y dioses corroídos… Es una película sobre una profunda conexión con el mundo, sobre un intento intenso de mirar lo que nos rodea, donde la historia convive con el presente y nuestros recuerdos y sentimientos subjetivos bailan con la objetividad de la realidad que nos circunda. Dirección: Rita Azevedo Gomes Portugal, 2025


Hablando del documental… 

martes, 26 de mayo de 2026

PARLANChINES. Estrenos de Películas. 29 de mayo de 2026

 

PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,
participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 29 Mayo 2026
1. Un Mundo Frágil Y Maravilloso . Cyril Aris (Adso Films) 2. ¿Qué Te Dice Esa Naturaleza? . Hong Sang-soo (Atalante Cinema) 3. Conoce A Los Bárbaros . Julie Delpy (Carácter Films) 4. A La Cara . Javier Marco (Sideral) 5. Mallorca Confidencial . David Ilundáin (Filmax) 6. Fleak . Jens Møller (VerCine) Fleak: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/fleak-de-jens-mller.html ¿Qué Te Dice Esa Naturaleza?: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/what-does-that-nature-say-to-you-que-te.html The Drama: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/the-drama-de-kristoffer-borgli-en-mooby.html https://agoradeideas.blogspot.com/2026/04/the-drama-la-nueva-pelicula-de.html Mallorca confidencial: https://www.bcnfilmfest.com/es/seccion-oficial/2026/mallorca-confidencial La Quinta Portuguesa: https://agoradeideas.blogspot.com/2025/05/bcn-film-fest-2025-una-quinta.html La Desconocida: https://agoradeideas.blogspot.com/2023/04/bcn-film-fest-2023-la-desconocida-pablo.html
#unmundofragilymaravilloso #quetediceesanaturaleza #conocealosbarbaros #alacara #mallorcaconfidencial #bcnfilmfest2026 #fleak


Fleak de Jens Møller


La película comienza con una voz en off, que dice lo siguiente: No estamos solos en éste Universo. Un Universo con innumerables caminos que podemos recorrer a lo largo de la vida. Puede que seáis como ésta pequeña y curiosa criatura, Fleak que viaja entre distintas dimensiones en busca de nuevos amigos. Pero, a veces nos podemos perder y alejarnos de todo lo que conocemos como dos mundos lejanos que se separan poco a poco. Sin embargo, estos dos mundos pueden estar tan cerca que es posible viajar de uno a otro.

¿Es demasiado metafísico este inicio para una película infantil?. ¿Ya nos hablan de un tal Fleak y no sabemos  quién es?. 


Me  parece un inicio ambicioso y con riesgos. Entra directamente por la puerta de la  metafísica para una película dirigida a un publico de 10-12 años. Está colocando piezas simbólicas antes de que aparezca el conflicto físico de Thomas. Esto es lo que oigo en el prólogo sin saber nada de la historia:

“No estamos solos en este Universo”. Apertura cósmica. El niño deja de ser “solo un niño lesionado”. Pasa a formar parte de algo mayor.

“Innumerables caminos que podemos recorrer”. Aquí ya aparece el tema de la película: los caminos posibles de la vida. Y precisamente Thomas acaba de perder uno, caminar. 

“Podemos perdernos y alejarnos de todo lo que conocemos”. Esto ya suena menos a ciencia ficción y más a discapacidad, duelo y aislamiento. El accidente lo separa de su mundo anterior.

“Dos mundos que se separan poco a poco”. Mundo antes del accidente y el mundo de después. Niño que camina, niño que no camina. Realidad, fantasía. Incluso cuerpo, sombra.

“Es posible viajar de uno a otro”. La fantasía aparece como puente terapéutico. Fleak no sería solo criatura fantástica: podría funcionar como mediador psicológico.

Mi intuición es de que “¿no empieza demasiado arriba?”. Mientras el guion habla de universos, dimensiones y separación de mundos, el niño espectador, quizá solo quiera saber: “¿Quién es el bicho peludo y qué aventura vamos a vivir?”.

Hay películas infantiles que entran por la emoción y luego elevan la reflexión. Aquí parece que Jens Møller empieza al revés: primero la idea filosófica y luego el cuento. Mi sospecha es que no estamos ante una película “sobre un niño discapacitado que vuelve a caminar”, sino sobre aceptar la pérdida del yo anterior. Y ahí la metáfora de las dimensiones puede tener mucho sentido.

domingo, 24 de mayo de 2026

¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra?

 ¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra? 

Qué gran pregunta, y además muy pertinente después de ver la película ¿Qué te dice esa naturaleza? (What Does That Nature Say To You). Esa idea de "ser profeta en tu tierra" aplica perfectamente al caso de Hong Sang-soo. Y la respuesta corta es: no, no lo es. Es un caso fascinante de un director que es un gigante en el extranjero pero que en casa vive una realidad mucho más modesta y compleja.


Basándome en la información que he podido recopilar, la respuesta tiene dos caras muy claras: el inmenso respeto de la crítica internacional y los festivales, versus la fría indiferencia del público y las polémicas internas en Corea del Sur.


El Profeta en el Mundo: Un Rey de Festivales


Aquí, la ecuación es clara. Su éxito fuera de Corea es incuestionable y te lo resumo con datos. Habitual de los grandes certámenes. Es un asiduo de los festivales más prestigiosos del mundo como Cannes, Berlín y San Sebastián. Su última película, What Does That Nature Say To You, no fue una excepción al competir en la Berlinale 2025. Palmarés abrumador. Su currículum está repleto de premios internacionales de primer nivel. Solo algunos ejemplos:

    Premio Un Certain Regard en Cannes por Hahaha (2010) .

    Leopardo de Oro en Locarno por Right Now, Wrong Then (2015) .

    Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastián por Lo tuyo y tú (2016) .

    Oso de Plata (Gran Premio del Jurado) en Berlín por The Novelist's Film (2022) y de nuevo en 2024 por A Traveler’s Needs.

Los críticos y la cinefilia más exigente lo adoran. Se le considera una voz única, que conecta la tradición del cine moderno occidental (como Rohmer) con la de maestros orientales (como Ozu), creando un estilo narrativo completamente personal basado en la repetición, el azar y el alcohol como detonante de la verdad.


En su Tierra (Corea del Sur): Taquillas Frías y una Sombra Personal


Aquí la historia cambia radicalmente. El consenso general es que sus películas no cosechan grandes éxitos comerciales en Corea del Sur . Y la magnitud de esa indiferencia se puede medir con números.

Por ejemplo, tomemos su película En lo alto (2022). Circuito de festivales pasando por Toronto, San Sebastián y Busan. 

Estreno comercial en Corea del Sur: Se estrenó el 3 de noviembre de 2022 en 57 salas y fue vista por 6,134 espectadores. Recaudó el equivalente a unos 43,000 dólares. Para que te hagas una idea, cualquier producción comercial surcoreana media vende cientos de miles de entradas solo el fin de semana de estreno. Su impacto en taquilla es prácticamente testimonial. Pero el dato más revelador, y el que creo que es la clave para entender por qué no es un "profeta", no es solo comercial, sino personal y social.


La relación extramatrimonial de Hong con su musa, la actriz Kim Min-hee, fue un escándalo mayúsculo en Corea del Sur en 2016-2017. Esto dañó seriamente su reputación en un país con valores sociales todavía bastante conservadores en estos aspectos. Aunque su esposa se negó a concederle el divorcio, él ha mantenido su relación con Kim Min-hee de forma pública. Este factor, sin duda, influye en cómo el gran público coreano percibe su figura. Mientras Occidente celebra su cine como el de un "autor", en Corea una parte importante de la audiencia lo ve a través del prisma de ese escándalo personal.

What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?) de Hong Sang-soo


FICHA TÉCNICA 

Título original: Geu jayeoni nege mworago hani (그 자연이 네게 뭐라고 하니)
Título internacional: What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?)
Año: 2025
País: Corea del Sur
Duración: 108 minutos
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Producción: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Montaje: Hong Sang-soo
Productora: Jeonwonsa Film Company
Reparto: Ha Seong-guk (Dong-hwa), Kwon Hae-hyo (padre de Jun-hee), Cho Yun-hee, Kang So-yi, Park Mi-so. La película compitió en la Berlinale 2025.

Sinopsis:

Dong-hwa, un poeta de treinta y tantos años, acompaña a su novia a la casa familiar de ella. Lo que debía ser una visita breve acaba convirtiéndose en una jornada entera de conversaciones, comida, alcohol y observación mutua.

La familia lo examina. Él observa la naturaleza, la casa, los árboles y el silencio. El padre de la novia lo estudia como quien evalúa una inversión de riesgo. Y poco a poco surge la pregunta incómoda: ¿es un hombre libre… o simplemente alguien que ha huido del mundo?


ANÉCDOTAS DEL RODAJE, ACTORES Y DIRECTOR

Es la película número 33 de Hong Sang-soo. Una filmografía que ya parece un diario filosófico filmado. 

Como es habitual en él, Hong vuelve a ejercer casi todos los oficios: director, guionista, productor, músico, fotógrafo y montador. Hace cine como quien cocina solo en casa: abre la nevera y dice “veamos qué hay hoy”.

La producción estuvo supervisada por Kim Min-hee, colaboradora habitual y directora de producción en esta ocasión. No aparece delante de cámara.

La película fue seleccionada en competición oficial de la Festival Internacional de Cine de Berlín 2025, siendo una nueva presencia del director en el certamen. 

El cine de Hong sigue usando su estética habitual: planos largos, zooms discretos, conversaciones aparentemente casuales y alcohol como reactivo químico de la verdad. Si alguien bebe en una película suya… conviene prepararse porque la sinceridad suele llegar unos vasos después.

Hablando de la película... 

5 ESCENAS CLAVE

sábado, 23 de mayo de 2026

The Drama de Kristoffer Borgli en MOOBY Gran Sarrià Club

MOOBY Gran Sarrià Club

¿A que ahora tienes curiosidad de qué encontré, al volver a ver The Drama 

en menos de un mes?. 

The Drama la nueva película de Kristoffer Borgli protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson


Casi diría yo que hice trabajo de campo cinematográfico con reincidencia voluntaria. Me fijé en el libro que es motivo de contacto entre los protagonistas The Damage de Haper Ellison. No es un libro real sino una obra ficticia creada específicamente para la película de Kristoffer Borgli. Borgli ha dicho que The Damage es en realidad un proyecto en el que ha estado trabajando como su propia película. Eso es muy interesante porque   el libro deja de ser atrezo y pasa a ser semilla narrativa.


Si The Damage no existe y Borgli ha dicho que en realidad es un proyecto suyo, entonces la película hace algo muy curioso: mete una película futura dentro de una película presente. Una especie de muñeca rusa creativa.Y el título ya es una pista enorme, The Damage, El Daño.


El daño.

Porque en The Drama el tema no es realmente el secreto de Zendaya. El tema es: ¿qué hace una verdad perturbadora al vínculo? ¿Qué daño deja? ¿Cómo deforma la imagen ideal del otro? Y mira qué bonito queda simbólicamente. El libro une a la pareja al primer contacto. El contenido (el daño) separa a la pareja. Es casi una premonición escondida a plena vista. Además, conociendo a Borgli y su gusto por los dobles niveles (Dream Scenario ya jugaba con identidad, fama y proyecciones), no me extrañaría que The Damage fuera una idea que él todavía esté “incubando” y la haya dejado aquí como huevo cinematográfico. Además si el libro aparece varias veces, habría que recordar quién lo sostiene en cada momento. Porque en cine los objetos viajan. Y cuando cambian de manos, cambian de significado.


Bueno el siguiente punto que he valorado precisamente es una cuestión de valor moral, valga la redundancia. Cuatro personajes que cometen una maldad inconfesable hasta ese momento que se encuentran degustando el menú de la boda, antes de que ésta suceda. Cuatro historias inconfesables y que hablan de la maldad humana. La primera, el protagonista que se esconde detrás de su novia porque son atacados por un perro y la utiliza de escudo humano. La segunda, la protagonista, encierra un niño en un cajón de armario de una caravana en medio del bosque, se va a su casa, hay alarma en el pueblo de que el niño ha desaparecido, ella está presente en cómo reacciona la gente, no dice nada y a la mañana siguiente las personas encuentran al niño. La tercera persona hace mobbing online a un niño y la cuarta persona, que es el personaje de Zendaya, explica que en su adolescencia pensó coger el fusil de su padre y entrar en el colegio para hacer una masacre. Tres protagonistas están moralmente tranquilizados porque el delito (no consumado) de Zendaya es el más fuerte. Esta conclusión me pareció muy perturbadora. El futuro marido al final de la película comprende la motivación de su esposa porque él es inglés y opina que en el colectivo americano asumen, cualquiera que pueda entrar en un colegio y hacer una masacre. La película organiza una mesa de confesiones sobre la maldad humana, delitos sin consumación o sin castigo.


Los cuatro personajes no son asesinos. No son criminales condenados. Son personas normales que cargan con una sombra:

Primero: supervivencia egoísta → usa a su pareja como escudo ante el perro. Segundo: crueldad pasiva → provoca un daño y observa el sufrimiento colectivo sin intervenir. Tercero: violencia digital → el daño moderno, sin contacto físico. Zendaya: violencia imaginada → el crimen que nunca sucedió. Los otros tres quedan moralmente absueltos porque aparece una culpa/daño “más grande”. “Lo mío no fue tan grave…” Y hay otra capa interesante, ninguno consumó el acto extremo.


La película no está juzgando crímenes. Está juzgando la posibilidad del mal. ¿Qué hacemos con alguien que pensó algo terrible y no lo hizo?. Lo definimos ¿Por la intención, por la acción, por el arrepentimiento?


La interpretación del personaje de Pattinson (británico frente al imaginario estadounidense) me parece interesantísima porque él acaba desplazando la pregunta: No piensa tanto “¿mi futura esposa es peligrosa?” sino “¿Y si ésta fantasía no es solo  suya? ¿Y si forma parte de una ansiedad colectiva americana?”. Y ahí el personaje deja de verla como monstruo individual para verla como síntoma. Eso no la absuelve. Pero cambia el foco. “The Drama no habla de una mujer con un secreto. Habla de cuatro personas que sobreviven moralmente comparando sus sombras.” La película propone una inquietante bolsa de valores ética: cuando aparece una culpa gigantesca, las pequeñas dejan de cotizar.


Y finalmente se plantea la fascinación de la adolescencia por las amas, su estética, ese querer conocer que es la muerte. Propia de la ignorancia al rito de paso adolescente.


El encuentro temprano con la violencia como parte del crecimiento humano. The Drama toca algo parecido. La confesión de Zendaya no habla necesariamente de una asesina frustrada. Puede leerse como una adolescente fascinada por el poder, la muerte y el límite. La adolescencia hace preguntas peligrosas porque aún no conoce el peso real de las respuestas.Hay una edad donde la muerte todavía es una idea estética, abstracta,  cinematográfica. No tiene rostro. No tiene ataúd. No tiene padres llorando. Y quizá Borgli plantea precisamente eso: ¿Qué hacemos con los pensamientos monstruosos de la adolescencia?. Las armas tienen una estética. Han tenido fascinación visual desde la espada medieval hasta el revólver del western o el fusil moderno. Poder, rito, identidad, transformación. “A cierta edad las armas parecen objetos; después descubres que siempre apuntaban a personas.”

Amor DiBó @amordibo
Fotógrafo: Ton Fabregat @fabregatgrau