La Grazia de Paolo Sorrentino

FICHA TÉCNICA

Título original: La Grazia
Año: 2025
Duración: 133 min.
País: Italia
Dirección: Paolo Sorrentino
Guion: Paolo Sorrentino
Fotografía: Daria D'Antonio
Compañías: Fremantle, The Apartment, Numero 10, PiperFilm
Género: Drama, comedia política

Reparto:  Toni Servillo como Mariano De Santis (Presidente). Anna Ferzetti como Dorotea (Confidente e hija). Orlando Cinque como Colonnello Labaro. Massimo Venturiello como Ugo Romani. Milvia Marigliano como Coco Valori. Giuseppe Gaiani como Lanfranco Mare. Linda Messerklinger como Isa Rocca. Vasco Mirandola como Cristiano Arpa

Sinopsis ampliada: 

Mariano De Santis, presidente ficticio de la República italiana, encarna una figura que parece salida de otro tiempo: culto, profundamente católico, defensor de valores humanistas… y, precisamente por eso, condenado a una crisis interior cuando el presente le exige tomar decisiones que su conciencia no puede simplificar.

La aprobación de una ley de eutanasia, convertida en el eje moral del relato, actúa como detonante de una grieta que no es solo política, sino espiritual. Lo que en otros sería un cálculo parlamentario, en De Santis se transforma en un calvario íntimo.

Sorrentino construye un viaje donde el poder se vuelve un espacio casi claustrofóbico: salones majestuosos, pasillos silenciosos y miradas que pesan más que cualquier discurso. A medida que el presidente se enfrenta a asesores, religiosos, médicos y ciudadanos, la película revela algo incómodo: el poder no decide, el poder es decidido por las dudas que uno no logra resolver.

Y ahí aparece la “Grazia” del título: ¿es redención, debilidad o simplemente el último refugio de alguien que ya no cree en su propio papel?

Claves visuales y tono sorrentiniano

Sorrentino vuelve a su terreno: lo ceremonial convertido en espectáculo existencial. Cámaras flotantes. Espacios palaciegos casi irreales. Silencios que dicen más que los diálogos

Aquí no hay prisa. Hay contemplación y cierto sarcasmo elegante.

Anécdotas y curiosidades

Sobre el director

Paolo Sorrentino vuelve a explorar el poder tras Il Divo, pero con un enfoque más íntimo y menos caricaturesco.

Ha declarado en entrevistas que esta película nace de su fascinación por “los hombres que dudan cuando todos esperan certeza”.

Introduce un tono más contenido que en La grande bellezza, casi ascético.

Sobre el rodaje

Parte del rodaje se realizó en palacios históricos italianos, lo que aporta una autenticidad casi documental al entorno político.

La directora de fotografía Daria D'Antonio trabajó con luz natural en muchas escenas para reforzar la sensación de realidad frente al artificio del poder.

Se evitó el uso de música en momentos clave para dejar al espectador “solo” con la conciencia del protagonista.

Hablando de la película con spoilers... 

Buena suerte, pásalo bien, no mueras de Gore Verbinski (Good Luck, Have Fun, Don't Die)

“Buena suerte, pásalo bien, no mueras” título irresistible… parece un consejo de las madres antes de salir de casa, con amenaza existencial.

FICHA TÉCNICA

Título original: Good Luck, Have Fun, Don't Die
Título en español: Buena suerte, pásalo bien, no mueras
Dirección: Gore Verbinski
Guion: Matthew Robinson
Género: Ciencia ficción / Thriller / Acción
País: Estados Unidos
Año: 2025. Estreno: 2026
Duración: 134 minutos
Producción: Universal Pictures, Blind Wink, WAM Films, 3 Arts Entertainment, Constantin Film, Robert Kulzer Productions. 

Música: Geoff Zanelli es un colaborador habitual de Gore Verbinski (ha trabajado con él en Piratas del Caribe: en el fin del mundo, The Lone Ranger y A Cure for Wellness). Su música suele tener una mezcla de orquestación clásica con texturas electrónas inquietantes, algo que casa con ese mundo inestable que mencionas.

Reparto: Sam Rockwell (el hombre del futuro), Haley Lu Richardson (Ingrid), Michael Peña (Mark), Zazie Beetz (Janet), Juno Temple (Susan) y Asim Chaudhry (Scott)

Sinopsis: Una noche oscura. Un restaurante abarrotado. Un hombre con un detonador irrumpe proclamando que viene del futuro. Es la 117.ª vez que regresa con la misma misión. Antes de que se acabe el tiempo, debe reclutar a un grupo de clientes del restaurante claramente no cualificados para detener el inminente apocalipsis de la inteligencia artificial y salvar a la humanidad de los peligros de las redes sociales. ¿El problema? Todo está en su contra, desde extraños escépticos y adolescentes con el cerebro podrido hasta monstruosidades algorítmicas que escapan a su control. Pero si este grupo lo consigue, el mundo podría salir adelante.

Anécdotas y curiosidades

Hablando de la película con spoilers... 

D'A 2026. Érem una Gran Família de Cristina Roselló. La "Leni Riefenstahl a la catalana de Vic".

 

FICHA TÉCNICA

Dirección: Cristina Rosselló

Guion: Cristina Rosselló

Con: Cristina Rosselló, Pattet Fiter, Carmen Riera Fiter, Griselda Riera Fiter

Producción: LaCima Producciones, Red Collision Studios

Distribución: Begin Again Films

País: España, Colombia

Año: 2026

Formato: DCP

Duración: 80 min

Idioma: Catalán, Español

Subtítulos: Español, Inglés

Sinopsis: 

Las grabaciones caseras de un matrimonio y su hijo entre 1942 y 1999 son el centro de un relato cotidiano que Cristina Rosselló transforma en una crónica monumental y oculta de la España del siglo XX. Una familia próxima a los poderes del Estado, una cámara que va pasando de mano en mano, una dictadura que se transformaba en democracia y unas imágenes, en definitiva, llenas de aspiraciones, contradicciones y sueños de cambio.

Érem una gran família, de Cristina Rosselló, se estrenará en el Festival D’A de Barcelona, que tendrá lugar del 19 al 29 de marzo de 2026. La cinta ha sido seleccionada en la sección Talents, dedicada a novísimos directores y directoras con un máximo de dos largometrajes en su filmografía.

Se trata de la ópera prima de su directora, de la que es también montadora (AMAE). Produce LaCima Producciones (España), en coproducción con Red Collision Studios (Colombia) y 3Cat (España). Distribuye Begin Again Films. La película cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Cataluña y del Ayuntamiento de Vic, con una ayuda a la producción del ICAA y del ICEC, así como la ayuda a la producción de Ibermedia y la

participación de 3Cat.

La película ha estado seleccionada, entre otros, en Cannes Docs, en Zinebi Networking donde obtuvo premio, y en VdR-Industry, donde también fue premiada. La película además pasó por Abycine y Ventura.

Una película que es memoria, imagen y testimonio a través de found footage magnético y película fotoquímica (16mm y super 8) donado a la Filmoteca de Cataluña, que permite a la audiencia vislumbrar la historia de España en las seis últimas décadas del siglo XX. Al igual que la historia de la familia y del franquismo, la película también transmite transición y evolución con los distintos formatos de imagen. Érem una gran família es cine como manifestación política, cine que ayuda a соnocer el pasado, a entenderlo, a descifrarlo, al tiempo que permite dejarse fascinar por las imágenes, su naturaleza y su mera existencia, cargada de significados completamente actuales. Un material que necesitaba ser encontrado y mostrado al mundo, en el que privilegio, familia como institución y Estado marcan el curso de lo que sucederá a la saga de los Riera Fiter y sirven como metáfora de la historia de un país.

Hablando de la película con spoliers... 

D'A 2026. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake

"Una película sobre cómo el lenguaje y el encierro descomponen quiénes somos”

“Viajar para dejar de ser quien ya has escrito”

Acabo de ver en el Festival D'A la película: Two Seasons, Two Strangers (2025) de Shô Miyake y dado que en 2025 vi varias películas y conocí la literatura tan especial de Kōbō Abe, me ha recordado ésta historia a la temática a una película. 

¿He acertado con mi intuición? Vamos a ver esa resonancia. Probablemente la película The Face of Another (basada en la novela de Kōbō Abe)

El eco de Kōbō Abe en Two Seasons, Two Strangers

Aunque el director Shō Miyake no adapta directamente a Abe, hay un aire de familia muy claro en términos existenciales y de identidad.

La identidad como algo inestable

En The Face of Another, un hombre desfigurado adopta otra cara descubre que cambiar de rostro implica cambiar de moral. En Two Seasons, Two Strangers, los personajes parecen desplazados, como si no terminaran de habitar su propia identidad. Eso es puro Abe: no somos quienes creemos ser, sino una construcción frágil dependiente de la mirada ajena.

Hablando de la película... 

D'A 2026. El Amor que Permanece de Hlynur Pálmason

FICHA TÉCNICA

Título Original: Ástin sem eftir er 

Dirección: Hlynur Pálmason 

Guion: Hlynur Pálmason Con: Saga Garoardsottir, Sverrir Gudnason, Ida Mekkin 

Producción: Arte France Cinéma 

Distribución: Elastica Films 

País: Islandia 

Año: 2025 

Formato: DCP 

Duración: 109 min 

Idioma: Islandés 

Subtítulos: Español. 

Sinopsis: 

Una pareja con tres hijos decide separarse. A lo largo de un año, estructurado por el transcurso de las estaciones, cada miembro de la familia reacciona de manera distinta al proceso de ruptura. Después de films tan celebrados como Godland (2022) o Un blanco, blanco día (Premio Talents D’A 2020), Hlynur Pálmason ofrece un relato íntimo y luminoso sobre las relaciones familiares, donde la creación artística dialoga con los imponentes paisajes islandeses.

Hablando de la película con Spoiler... 

D'A 2026. Juana de Arco de Hlynur Pálmason (Jóhanna af Örk)

“Hay películas que inventan historias y otras que se atreven a filmar lo que ya existe. Jóhanna af Örk pertenece a las segundas: no construye, revela… y en esa revelación hay algo incómodamente verdadero.”

FICHA TÉCNICA

Título original: Jóhanna af Örk

Dirección y guion: Hlynur Pálmason

Reparto: Ida Mekkin

País: Islandia

Año: 2025

Duración: 62 minutos

Formato: DCP

Idioma: Islandés (subtítulos en español)

Producción: Maneki Films

Distribución: Elastica Films

Pálmason no rueda historias, filma estados del alma en paisaje abierto. Ya me impresionó en 2022 cuando vi su película Godland que podéis leer y ver en Ágora de ideas y Youtube

Con ese título Juan de Arco, inevitablemente evoca a una Juana de Arco desplazada a Islandia, ya nos está colocando en terreno simbólico, aunque hay  un matiz lingüístico y simbólico muy jugoso: Jóhanna = figura de fe / pureza / resistencia. Örk (arca) = refugio, salvación, pero también aislamiento

En el título original: Jóhanna af Örk,  Örk no es “arco (arma)”. Se acerca mucho más a “arca” (como refugio, contenedor, lugar cerrado) Entonces… ¿por qué se traduce como Juana de Arco? Porque entra en juego algo distinto: no es una traducción literal, sino una traducción cultural.

Referencia inevitable: Juana de Arco “Juana de Arco” es un nombre histórico fijado. Es un topónimo francés (Orléans / Domrémy / d’Arc), no un objeto. Es decir: La traducción busca que el espectador entienda la referencia aunque traicione el sentido literal del islandés.

Traducida como Juana de Arco, la película sugiere épica donde en realidad hay encierro. Porque ‘Örk’ no remite al arma, sino al arca: no a la lucha, sino al aislamiento. Y ahí, Pálmason no filma a una heroína… sino a alguien que ha quedado a salvo del mundo, o quizás fuera de él.

Claves del cine de Pálmason

D'A 2026. Rose of Nevada de Mark Jenkin

 

En un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el viejo puerto. La Rosa de Nevada, perdida en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: La Rosa de Nevada debe volver a hacerse a la mar: quizá entonces cambie la suerte del devastado pueblo. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su joven familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.

Rose of Nevada. Año: 2025. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Mark Jenkin

Para situarnos bien es una historia con destino circular, memoria colectiva e identidad absorbida por el relato del pasado. Compuesta por un Barco fantasma que regresa, eco del pasado que no ha terminado de morir.  Un Pueblo devastado, comunidad estancada, casi maldita. Un Viaje que funciona, la ilusión de que todo puede arreglarse. El Regreso con salto temporal con ruptura de toda lógica. 

La película como tablero de investigación

D'A 2026. Un arbre és un arbre de Carlos Marques-Marcet y Aleix Plademunt

"Si mirar es colonizar, ¿qué hace la cámara durante 90 minutos sino mirar (y, por tanto, colonizar) para luego sermonearme sobre cómo no debo colonizar?"

Vamos a viajar de la filosofía poscolonial al pensamiento ecológico profundo. ¿Vale la pena?. La película no quiere ser entendida de forma convencional y es por ello que vamos a desentrañarla, quitando capas.

¿Qué es realmente Un arbre és un arbre? No es una película narrativa. Es un ensayo fílmico experimental. No hay historia “clara”, ni personajes que te lleven de la mano. La sinopsis ya lo advierte. Es una reflexión sobre la naturaleza y cómo la percibimos. Cuestiona si, al mirar y nombrar el mundo, ya lo estamos colonizando. Y va más lejos: El espectador no observa la película… es observado por ella. Las imágenes son el “sujeto” y el espectador ed el “objeto". 

La película no cuenta, cuestiona. No quiere que entiendas algo. Quiere que dudes de cómo la entiendes. Plantea algo bastante incómodo: Creemos que vemos la realidad. Pero en realidad vemos una versión filtrada por lenguaje, cultura y ego humano. 

El ser humano como colonizador (incluso al mirar). Nombrar un árbol, ya es imponer una categoría. Fotografiarlo, ya es apropiárselo. Analizarlo, ya es diseccionarlo. Incluso mirar la naturaleza es una forma de dominarla. !Que bonito! verdad pues no!. 

¿Porqué me he sentido perdida y resistiendo hasta el final? 

Una hija en Tokio de Guillaume Senez (Une part manquante, A Missing Part)

"Conducir sin llegar: El taxi como metáfora de Japón en 'Una hija en Tokio'"

FICHA TÉCNICA

Título original: Une part manquante 

Título internacional: A Missing Part 

Título en español: Una hija en Tokio

Dirección: Guillaume Senez 

País: Francia - Bélgica 

Año: 2024 

Duración: 98 minutos 

Género: Drama 

Idioma original: Francés 

Guion: Guillaume Senez y Jean Denizot 

Fotografía: Elin Kirschfink 

Música: Olivier Marguerit 

Reparto principal: Romain Duris como Jay. Judith Chemla como Jessica. Mei Cirne-Masuki como Lily 

Distribución en España: A Contracorriente Films 

Fecha de estreno en España: 20 de marzo de 2026 

Sinopsis:

Jay es un hombre francés que vive en Tokio y trabaja como taxista. Desde hace nueve años, su única misión es recorrer la ciudad con la esperanza de encontrar a su hija, Lily, a quien perdió la custodia tras un divorcio y una férrea legislación familiar que discrimina a los padres extranjeros . Su vida es una rutina solitaria y disciplinada, adaptada a las costumbres japonesas, pero siempre con el vacío de su hija.

Justo cuando Jay está a punto de rendirse y regresar a Francia, el destino le da una oportunidad inesperada: Lily se sube a su taxi. Sin embargo, el reencuentro es amargo, ya que ella no lo reconoce . Este momento crucial desencadena en Jay una lucha desesperada por intentar conectar con su hija, rompiendo con su propia naturaleza reservada y enfrentándose a las estrictas normas sociales y legales de un país donde siempre será un extranjero, un gaijin .

Anécdotas del Rodaje y Curiosidades

La información sobre el rodaje es limitada, pero podemos destacar algunos datos relevantes:

Hablando de la película...

ECLÉCTICA. Del 1 al 13 de junio de 2026 en el Círculo Ecuestre. Barcelona . Capital Mundial de l'Aquitectura 2026

Barcelona 2026: la casa ideal… o cómo habitar una idea

Barcelona ha decidido ponerse seria y hermosa a la vez. No es poca cosa eso de ser Capital Mundial de la Arquitectura 2026, un título que no solo presume de fachadas, sino que invita a pensar cómo queremos vivir. Porque la arquitectura, cuando es honesta, no construye edificios: construye formas de estar en el mundo.

Y en ese contexto aparece Ecléctica Barcelona, una propuesta que no se limita a decorar espacios, sino que parece querer interrogarlos.

Una casa que no es una casa

Del 1 al 13 de junio de 2026, el Círculo Ecuestre se transformará en algo casi cinematográfico: una casa imaginada, construida a doce manos (o más bien a muchas cabezas). Arquitectos, interioristas y creadores de otras disciplinas dialogan para levantar la “casa ideal”. Pero cuidado: no es una casa para vivir… sino para pensar cómo vivimos.

Doce estancias, doce relatos. Cada una fruto de un encuentro improbable: diseñadores dialogando con cineastas, escritores o músicos. Una especie de cadáver exquisito arquitectónico donde cada habitación es una pregunta:
—¿Qué es un salón cuando lo mira el cine?
—¿Qué es una biblioteca cuando la piensa un novelista?

Y ahí, entre todas esas miradas, aparece un nombre que me seduce especialmente: Isabel Coixet. Porque si el cine entra en una casa, ya no hablamos de decoración, hablamos de atmósfera.

Cuando las mujeres toman el plano

Hay algo que flotaba en la presentación —y que no siempre se dice—: la presencia de muchas mujeres liderando el discurso. Arquitectos, interioristas, creadoras. Barcelona, históricamente tan marcada por nombres masculinos en su relato arquitectónico, parece ahora ensayar otra narrativa: más transversal, más sensorial, menos obsesionada con el gesto monumental y más atenta al detalle cotidiano. Quizá la verdadera revolución no esté en el edificio… sino en la mirada que lo habita.

El lujo de pensar el espacio

Ecléctica no es solo una exposición: es una experiencia que mezcla arquitectura con literatura, cine, música o gastronomía. Y eso, en el fondo, es lo interesante. Porque durante años hemos pensado la vivienda como un problema técnico (metros, luz, distribución). Pero aquí se plantea como un problema casi existencial:
¿qué tipo de vida cabe en un espacio? En una ciudad como Barcelona, donde la vivienda se ha convertido en campo de batalla, imaginar “la casa ideal” tiene algo de provocación elegante.

Una invitación

Salí de la presentación con una sensación ambigua, que es siempre la mejor señal.

Por un lado, entusiasmo: pocas veces la arquitectura se abre así, se mezcla, se contamina de otras disciplinas, se vuelve narrativa. Por otro, una pequeña sospecha: ¿y si la casa ideal solo existe cuando dejamos de intentar poseerla? Quizá Ecléctica no va de diseñar el hogar perfecto. Quizá va de asumir que el hogar, como el cine, como la literatura, es siempre una construcción inacabada.

Y aquí entra mi parte menos pudorosa... la que mira como los toreros.

Porque una cosa es la idea… y otra cómo se cuenta.

Asistí a la presentación con curiosidad genuina, y agradecimiento a Sílvia Maristany por la invitación. Pero a los cincuenta minutos, tuve una sensación difícil de ignorar: estaba teniendo algo parecido a un coma diabético, pero en discurso. Como si me hubieran alimentado exclusivamente a base de palabras como maravilloso, único, extraordinario, emocionante. Una nube de azúcar rosa. Muy bonita. Poco nutritiva. Y aquí aparece un problema que no es menor: la arquitectura no solo se construye, también se cuenta. Y si no se cuenta bien, se diluye.

Cuando el entusiasmo sustituye al contenido

Ecléctica propone algo interesante: doce espacios, doce miradas, un cruce entre disciplinas donde incluso participa la cineasta Isabel Coixet. La idea es potente. Pero la presentación no estuvo a la altura de la idea.

Faltó algo esencial: lenguaje. Lenguaje concreto. Lenguaje técnico. Lenguaje que permita al espectador imaginar, comprender, anticipar. Porque decir que algo será “increíble” no lo hace más comprensible. Solo lo hace más sospechoso.

Elitismo sin traducción

El evento se perfila como una experiencia de alto nivel, y no hay nada de malo en ello. Pero cuando un proyecto roza lo elitista, tiene una responsabilidad añadida: explicarse mejor, no peor. No basta con invocar lo sensorial o lo emocional. Hay que dar herramientas: ¿Cómo se van a intervenir los espacios? ¿Qué materiales, qué conceptos, qué narrativa concreta hay detrás de cada estancia? ¿Qué diferencia esta “casa ideal” de otras propuestas similares?

Salí sin esas respuestas. Y eso, en arquitectura, es como salir de una película sin saber qué has visto.

Arquitectos que no cuentan cuentos

Aquí va una idea incómoda: A veces se es muy buen arquitecto… pero no se sabe contar un cuento. Y la arquitectura, como el cine, necesita relato. No para simplificarse, sino para compartirse. Porque un espacio sin relato es solo volumen. Y un proyecto sin discurso es solo intención.

La paradoja de la casa ideal

Quizá lo más interesante de Ecléctica no está en lo que promete… sino en lo que deja en evidencia. Que seguimos sin saber explicar bien cómo queremos vivir. Y que, a veces, en el intento de elevar el discurso, lo volvemos inaccesible. O peor: vacío. La “casa ideal” no necesita más adjetivos. Necesita mejores preguntas. 

Amor DiBó

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