jueves, 21 de mayo de 2026

MOOBY Gran Sarrià Club


 MOOBY Gran Sarrià Club

📍 Ubicación: Ronda General Mitre 38-44, Barcelona.

“Del cine de masas al cine-salón: ¿el futuro del espectador?”


Durante décadas el cine compitió con la televisión. Después con las plataformas de streaming. Ahora quizá compita con otra cosa: la necesidad humana de reunirse. Tal vez el futuro no sea una pantalla más grande, sino volver a crear lugares donde compartir historias.


El dato técnico es que son 417 butacas para 8 salas significa una media de 52 plazas por sala. Es casi micro-cine premium.

El modelo de negocio lo ordenaría así:

1. Cine tradicional → Cine-experiencia → Cine-club social

El Mooby Gran Sarrià Club parece moverse hacia la proyección + restauración + encuentro + exclusividad. No tanto “vendo entradas”, sino vendo permanencia y experiencia.

Porque si una entrada son 11–13 € y añades: refresco + aperitivo: 8–12 € ó algo más elaborado: 15–20. La sesión puede ir fácilmente a 25–35 € por persona. Ahí ya compite menos con las plataformas y más con: cine + cena + salida socialEl espectador solo ve el artículo final; detrás hay un pequeño ecosistema funcionando.

2. Empresas y eventos privados

Con salas de 30–75 plazas tienes escalas ideales para presentaciones corporativas, lanzamientos de producto, reuniones de inversión, pases privados, escuelas de negocio, congresos pequeños, cinefórum, aniversarios, cumpleaños cinéfilos

CINESA ya explora esto, pero aquí el tamaño pequeño juega a favor: una sala de 40 personas se llena rápido y crea sensación de exclusividad.




3. Sarrià como ecosistema social

Un tema muy “barcelonés”. Sarrià tiene perfil de barrio donde funcionan las cafeterías de autor + librerías + restaurantes + espacios tranquilos + público familiar y profesional.

El cine puede convertirse en punto de reunión “quedamos en el Mooby” y no solo “vamos a ver una película”.

4. Restaurantes con cine

Recordé dos modelos históricos. Cines-restaurante / dinner theaters de EE.UU y cine de verano con mesa, bebida y conversación lenta. Porque el cine a la fresca nunca fue solo película. Era, película + comunidad + verano + encuentro. Quizá Mooby intenta traer eso… pero con aire acondicionado y reclinación eléctrica 😄

¿Estamos creando un cine premium… o estamos domesticando el cine hasta convertirlo en un salón?

Porque el cine nació colectivo, luego se hizo masivo… y ahora parece regresar a algo íntimo. Como los antiguos cine-clubes. Solo que cambiamos las sillas plegables por sofás motorizados y el coloquio por nachos gourmet.


¿Para qué públicos funciona este formato?

1. Público adulto / cinéfilo silencioso es Ideal.

Yo corroboro la frase “no voy al cine a escuchar masticar palomitas, oler ni oír sorbidos” representa a mucha gente que dejó de ir. El problema: el cine moderno a veces parece: Película + ASMR involuntario de nachos + sorbidos Dolby Atmos. Si el aforo baja, el espacio aumenta y el público paga un poco más,  ¿podemos llegar a pensar que aparecer un filtro natural: menos ruido y más atención?.

2. Parejas y público +40 / +50 / +65

Creo que aquí Balañá ha olido mercado. Hay mucha gente que ama el cine pero no quiere la butaca estrecha, rodillas pegadas, salir con la espalda doblada, sesión abarrotada. El sofá reclinable convierte la salida al cine en una experiencia más lenta y cómoda.

3. Público joven “experiencia”

Puede funcionar si lo viven como evento: “Vamos al cine premium”. Competir hoy con Netflix, sofá de casa y pantallas gigantes obliga a ofrecer algo que en casa no existe.

Durante años el cine quiso parecerse al salón de casa (sofás, reclinables, comida). Ahora intenta volver a vender silencio y atención, que precisamente es lo que hemos perdido en casa.

#MoobyCinemas #MoobyGranSarriaClub




Amor DiBó

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viernes, 15 de mayo de 2026

BCN FILM FEST 2026. Un Taxi en Tokio. Pizza Movies. Mi postre favorito con Daniel Padilla


BCN FILM FEST 2026. Un Taxi en Tokio. Pizza Movies. Mi postre favorito con Daniel Padilla

1. Un Taxi en Tokio . Yôji Yamada 2. Pizza Movies . Carlo Padial 3. Mi postre favorito . Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha #bcnfilmfest2026 #Untaxientokio #pizzamovies #mipostrefavorito

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Daniel Padilla
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jueves, 14 de mayo de 2026

PARLANChINES. Estrenos de Películas 16 de Mayo 2026

 


PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,
participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 16 Mayo 2026
1. Couture . Alice Winocour (ALTA COSTURA) 2. Hugo24 . Luc Knowles (CARAMEL FILMS) 3. El Amigo Inesperado . Fabienne Godet (SURTSEY FILMS) 4. Gigante . Rowan Athale (FLINS Y PINICULAS) 5. El Beso de la Mujer Araña . Bill Condon (SONY) 6. La Chica del Coro . Urška Djukić (ATALANTE) 7. Un Hijo . Nacho La Casa (FILMAX) 8. Serás Farruquito . Santi Aguado, Reuben Atlas, Héctor Muniente, Mario Aranguren
#couture #hugo24 #elamigoinesperado #gigante #elbesodelamujeraraña #lachicadelcoro #unhijo #serasfarruquito

El amigo inesperado (Le Répondeur) de Fabienne Godet. La externalización de nuestra presencia emocional

El amigo inesperado. Una voz prestada en tiempos de identidades alquiladas

FICHA TÉCNICA

Título original: Le Répondeur
Título en español: El amigo inesperado
Dirección: Fabienne Godet
Guion: adaptación de la novela Le Répondeur de Luc Blanvillain
Género: Comedia dramática / reflexión contemporánea sobre identidad y comunicación
País: Francia
Año: 2025
Duración: Aproximadamente 1h 40 min
Basada en: la novela Le Répondeur
Reparto principal: Salif Cissé,  Denis Podalydès, Aure Atika, Clara Bretheau

Sinopsis

Un escritor agotado emocionalmente, incapaz de gestionar su vida personal y profesional, encuentra una solución insólita: contratar a un imitador vocal para responder llamadas y mensajes en su nombre. Lo que comienza como una ayuda práctica acaba convirtiéndose en una invasión silenciosa de su propia identidad. El sustituto no solo aprende a copiar la voz, también las emociones, las dudas y las relaciones del original. Poco a poco, la frontera entre ayudar… y ocupar el lugar de otro empieza a desaparecer.


5 escenas clave

1. La primera llamada “perfecta”

El imitador responde una llamada íntima y nadie detecta el engaño. La escena funciona como una bofetada suave: comprendemos que la identidad moderna ya no depende del cuerpo, sino de la voz y de la gestión emocional.


2. El escritor descubre que “su copia” lo hace mejor que él

Uno de los momentos más incómodos y brillantes de la película. El sustituto logra resolver conflictos familiares y laborales con más empatía que el original. Ahí aparece el miedo contemporáneo: ¿y si nuestra versión artificial resulta más eficiente que nosotros?


3. La seducción a través del oído

La película recuerda algo que el siglo XXI parecía haber olvidado: una voz puede enamorar. Como en la radio clásica o en Cyrano de Bergerac, las palabras viajan directamente a la imaginación. No hace falta presencia física para provocar deseo, ternura o dependencia emocional.


4. El momento en que el impostor empieza a disfrutar demasiado

La copia deja de ser un trabajador y comienza a saborear la vida ajena. La película entra aquí en terreno casi psicológico: asumir otra identidad puede convertirse en una droga emocional.


5. El descubrimiento final

Cuando la verdad amenaza con salir a la luz, la película plantea una pregunta inquietante: ¿nos molesta el engaño… o nos molesta descubrir que necesitábamos ese engaño para sentirnos acompañados?


Anécdotas del rodaje y curiosidades

Fabienne Godet ya había trabajado anteriormente temas relacionados con la fragilidad emocional y la identidad contemporánea. Aquí mezcla comedia y reflexión tecnológica sin caer en la ciencia ficción dura.

La película adapta la novela Le Répondeur, escrita antes de la explosión masiva de la IA conversacional actual. Lo curioso es que hoy parece casi una predicción social.

El trabajo vocal fue fundamental en el rodaje. Los actores tuvieron que trabajar ritmos, silencios y respiraciones para que la imitación resultara creíble incluso sin apoyo visual.

Denis Podalydès, actor veterano de la Comédie-Française, aporta una mezcla muy eficaz de vulnerabilidad intelectual y ego herido.

Parte de la gracia de la película está en que evita el gran dramatismo tecnológico. No habla de robots futuristas, sino de algo mucho más cercano y reconocible: la delegación emocional.


Hablando de la película… 

viernes, 8 de mayo de 2026

Japón. “Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.”

 

Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.


El cine japonés contemporáneo muchas veces convierte problemas sociales cotidianos en auténticas tragedias existenciales silenciosas. Y lo hace sin grandes discursos. Mientras una parte del cine español todavía necesita verbalizar mucho el conflicto, discusiones, explosiones emocionales, personajes explicando lo que sienten, el cine japonés suele mostrar una bandeja de comida intacta, un alumno mirando la ventana, un traje negro repetido cien veces, un silencio incómodo en un ascensor, o alguien durmiendo en el metro. Y con eso ya te está hablando de agotamiento, alienación, presión colectiva, miedo al fracaso, soledad moderna, desaparición emocional.


Por eso muchas películas japonesas dejan una sensación rara que aparentemente “no pasa nada”… pero sales con una tristeza pegada al cuerpo. Además, Japón tiene una capacidad muy particular para convertir lo estructural en íntimo. La demografía contamina en la cocina, el trabajo dinamita el erotismo en el dormitorio, la presión escolar crea un “queso de gruyere” en la salud mental y la vergüenza social estigma la identidad.


En España solemos hacer más cine de conflicto interpersonal. Japón muchas veces hace cine de fricción invisible entre individuo y sistema. Y hay otro detalle fascinante: Japón no siempre filma la rebelión. A veces filma simplemente el desgaste.


Eso en Occidente cuesta más porque culturalmente esperamos héroes, catarsis, denuncias claras y finales liberadores. El cine japonés en cambio puede terminar con alguien simplemente continuando su rutina y ahí está precisamente la tragedia.


Películas como Drive My Car, Una hija en Tokio (A Missing Part)), Shoplifters, Perfect Days, Monster, o incluso Tokyo Sonata hablan muchísimo de eso, personas intentando seguir funcionando mientras por dentro algo ya se ha roto.


Y creo que por eso conecto con ese cine. Porque no miro solo la superficie narrativa. Suelo detectar la tensión invisible que hay debajo de los personajes. Probablemente esa sensación que tengo sea la clave. Japón me parece muchas veces un laboratorio humano llevado al extremo de ciertas ideas modernas.


Muchos sociólogos, filósofos y psicólogos llevan décadas observando Japón casi como una “sociedad adelantada”. Hiperurbanización, envejecimiento, aislamiento social, digitalización emocional, sustitución del contacto humano, agotamiento laboral, caída de natalidad, relaciones afectivas más frías, identidades muy disciplinadas, presión por encajar. Japón parece haber llevado ciertos mecanismos de civilización moderna “hasta el final del túnel”.  Es como si el individuo estuviera continuamente limando sus bordes para no alterar la armonía colectiva.


Muchos directores japoneses parecen decir que “la sociedad funciona… pero las almas están cansadas”. Japón reduce muchísimo ese “caos humano regulador” y el resultado puede ser una sociedad elegantísima… pero emocionalmente contenida hasta extremos difíciles de comprender desde fuera. Por eso a veces el cine japonés parece casi extraterrestre para un espectador occidental. No porque los japoneses “sientan menos”, sino porque muchas emociones han sido educadas para no desbordarse públicamente. Quizás lo más inquietante sea que muchas tendencias occidentales actuales, móviles, aislamiento, hipercontrol social, fatiga mental, relaciones digitales, hacen pensar que partes del mundo se están “japonizando” lentamente. Es cuando Japón deja de parecer exótico y empieza a parecer un espejo adelantado del futuro.


El país que su gente ha sido moldeada por los terremotos, tifones, volcanes, tsunamis y han aprendido a recuperarse pronto, con coraje, con poder para levantarse en cualquier circunstancia. Porque la colectividad es más importante que el individuo, como un Ejército. 


Japón se entiende como una adaptación permanente a la fragilidad. Todo puede romperse mañana.


Por eso desarrollaron tanto la disciplina, la previsión, el control emocional, la rapidez para reconstruir, la obediencia colectiva, y la importancia del grupo en armonía. Porque cuando millones de personas viven en espacios reducidos y además bajo amenaza natural constante, el caos individual puede poner en peligro al conjunto. El lema es “aprende a convivir sin romper la armonía”. Conceptos como: Mono no aware: la tristeza suave de las cosas pasajeras y Wabi-sabi: la belleza de lo imperfecto y transitorio nacen de convivir con un mundo inestable.


Como resultado yo la defino: Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.





Amor DiBó 

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jueves, 7 de mayo de 2026

BCN FILM FEST 2026. Magallanes, Palestine 36 y CowGirl con Daniel Padilla


BCN FILM FEST 2026. Daniel Padilla
Instagram: @lordcinefild
1. Magallanes . Lav Diaz 2. Palestine 36 . Annemarie Jacir 3. Cowgirl . Cristina Fernández Pintado, Miguel Llorens

#bcnfilmfest2026 #magallanes #Palestine36  #cowgirl  




Daniel Padilla
Instagram: @lordcinefild

martes, 5 de mayo de 2026

BCN FILM FEST 2026. Un Taxi en Tokio de Yōji Yamada (Tokyo Taxi)

FICHA TÉCNICA

Título original: Tokyo Taxi

Dirección: Yōji Yamada

Guion: Yōji Yamada, Yûzô Asahara

Historia original: Christian Carion, Cyril Gély (basada en Un paseo con Madeleine)

Producción: Shunsuke Fusa

Música: Taisei Iwasaki

Fotografía: Masashi Chikamori

Montaje: Hiroshi Sugimoto

País: Japón

Duración: 91–103 min (según fuente)

Género: Drama / Road movie / Vejez y memoria

Productora: Shochiku

Estreno: 2025 (Japón) / 2026 (España)

Reparto principal:  Chieko Baishō – Sumire Takano. Takuya Kimura – Koji Usami. Aoi Yū – Sumire joven. Takaya Sakoda. Yûka. Runa Nakashima. Misuzu Kanno. Lee Jun-young. Takashi Sasano

Sinopsis: 

Un taxista tokiota recibe el encargo de trasladar a una anciana de 85 años hasta una residencia. Lo que debería ser un trayecto rutinario se transforma en un viaje lleno de desvíos, geográficos y emocionales, cuando la mujer decide volver a visitar los lugares clave de su vida.

A lo largo del trayecto, la pasajera reconstruye su pasado: amores, pérdidas, decisiones y cicatrices. El taxi se convierte así en un espacio íntimo donde dos desconocidos conectan y donde el tiempo deja de ser lineal para convertirse en memoria viva.


Premios y reconocimientos


Japan Academy Film Prize (2026):

Mejor Actriz: Chieko Baishō

Mejor Actor Revelación: Runa Nakashima

Nominaciones múltiples (película, guion, música, fotografía, etc.)

Blue Ribbon Awards (2026):

Mejor Director (Yamada)

Nikkan Sports Film Awards (2025): Mejor película, actor y actriz


Anécdotas del rodaje

Remake consciente: Yamada no hace copia, sino reinterpretación cultural de la película francesa Un paseo con Madeleine, trasladando el viaje emocional al contexto japonés.

Rodaje híbrido: muchas escenas dentro del taxi se realizaron con tecnología de producción virtual, combinando realismo y control técnico del entorno.

Localizaciones reales: se rodó en barrios auténticos de Tokio como Shibamata, reforzando el carácter de “memoria urbana”.

Película nº 91 del director: un dato casi poético, tratándose de una historia sobre el paso del tiempo.


Anécdotas de actores y director

Chieko Baishō, Actriz icónica del cine japonés, vuelve a encarnar la vejez con una mezcla de fragilidad y lucidez que recuerda su trabajo en Plan 75.  Su interpretación fue tan potente que le valió el premio a Mejor Actriz en la Academia Japonesa. 

Takuya Kimura. Reencuentro con Yamada tras casi dos décadas sin trabajar juntos, lo que añade una capa emocional extra al proyecto.

Yōji Yamada. Considerado uno de los grandes cronistas del Japón cotidiano, vuelve a su tema favorito: la dignidad de lo simple. Su cine siempre ha explorado el paso del tiempo, pero aquí lo hace desde una mirada casi testamentaria.


Hablando de la película… 

¿Porqué los profesores no llevan Uniforme…? En 2026

El 9 de septiembre de 2014 publiqué este artículo ¿Porqué los profesores no llevan uniformes? . Lo comento porque ahora en 2026 veo que ha acumulado 8209 visitas. Estoy sorprendida porque para mi, no es baladí ésta cifra.

Lo que hace 12 años planteaba como una hipótesis sobre el uniforme y la autoridad, hoy se ha convertido en una situación cruda y polémica en las aulas catalanas. La realidad es muy distinta según el lugar del mundo. Lo que ocurre en L'Hospitalet no se parece a lo que ocurre en Finlandia, ni en China, ni en un colegio privado de Estados Unidos.

Resulta que la Generalitat de Cataluña acaba de poner en marcha, estamos a Mayo de 2026, un plan experimental en 13 institutos de máxima complejidad, entre ellos dos de L'Hospitalet de Llobregat, para desplegar agentes de los Mossos d'Esquadra vestidos de paisano, sin uniforme y sin arma, con el objetivo de reducir la conflictividad escolar.

Los datos que han llevado a esta decisión son escalofriantes: solo en lo que va de curso 2025-2026 se han registrado más de 5.000 incidentes en centros educativos catalanes, incluyendo 1.718 casos de acoso escolar, 573 agresiones y 165 situaciones de odio y discriminación.

La paradoja del "uniforme invisible" que señalaba en el artículo se cumple aquí de forma trágica. ¿El uniforme inspira autoridad? Stanley Milgram demostró que obedecemos a una figura autoritaria cuando va acompañada de uniforme". Y también señalé que los adolescentes "siguen al líder de una banda antes que al profesor e incluso imitan su uniforme'*. Pues bien, la solución que ha planteado la Generalitat es eliminar el uniforme policial precisamente para no generar rechazo. Los agentes van de paisano, sin distintivos, para "evitar posibles conflictos entre los menores" y no parecer una "fuerza de ocupación".

Antes de seguir creo que debo afrontar la explicación más a mi estilo, no quiero engañar a mis lectores: Si la Generalitat de Cataluña acaba de poner en marcha un plan experimental en 13 institutos de máxima complejidad, es porque sencillamente a los profesores no los respetan nadie. La depresión, las bajas, los incentivos de ver que los alumnos están asilvestrados, que amenazan o conatos de violencia a los profesores, etc, etc... ¿Tu te crees que los policías de paisano van a solucionar el problema irresoluble? ¿Los policías y la crisis de autoridad que tienen en su institución son capaces de tener recursos para solucionar éste problema?

Artículo publicado el 24 de Abril 2026

Vamos al grano: no, los policías de paisano no van a solucionar el problema irresoluble. La Policía tiene su propia crisis de autoridad y de salud mental Los datos que aporta El Periódico (abril de 2026) son demoledores:

  • Más de 200 policías se han suicidado en los últimos siete años.
  • El suicidio es ya la principal causa de muerte de los agentes en activo.
  • Ellos mismos denuncian "silencios y olvidos institucionales".
  • Sus problemas: ansiedad, depresión, falta de comprensión de mandos, dificultad de conciliación, falta de reconocimiento.

¿Cómo va a resolver un colectivo así la crisis de autoridad en las aulas? ¿Cómo va a infundir respeto quien no recibe respeto de sus propias instituciones? ¿Cómo va a mediar en conflictos quien arrastra un desgaste emocional que le lleva al suicidio?

PARLANChINES. Estrenos de Películas 8 de mayo 2026

 


PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,

participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 8 Mayo 2026


1. LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA . Charlie Arnaiz, Alberto Ortega (A CONTRACORRIENTE FILMS) 2. HANGAR ROJO . Juan Pablo Sallato (FESTIVAL FILMS) 3. DÍA OCHO: EL SOPLO DEL ESPÍRITU . José Gómez de Vargas (European Dreams Factory, Goya Producciones) 4. RONDALLAS . Daniel Sánchez Arévalo (Movistar+) #rondallas #losmejoresañosdenuestravida #hangarrojo #diaochoelsoplodelespiritu