domingo, 4 de octubre de 2026

Backrooms . Kane Parsons en FILMIN

 

¡Ahora sí! En junio hablábamos de Backrooms desde fuera; ahora ya podemos entrar en ella. La acabo de ver en FILMIN. Tengo siete apuntes y me parecen una muy buena radiografía de la película porque he señalado precisamente las zonas donde Parsons quiere que dudemos de qué es físico, qué es memoria y qué es interpretación.

He buscado además entrevistas recientes con Kane Parsons y las notas oficiales de producción, porque aquí hay una advertencia importante, no todo tiene una explicación cerrada. El propio Parsons dice que existe un sistema pseudocientífico detrás de lo que ocurre, pero deliberadamente no se lo entrega al espectador. Los personajes están intentando explicarlo y pueden equivocarse. 


Hablando de la película...


1. Clark encuentra dentro lo que no tiene fuera

Clark es un arquitecto frustrado atrapado en una tienda de muebles que se está hundiendo, además de atravesar una separación matrimonial. Cuando atraviesa la pared ocurre una paradoja magnífica: entra en un lugar monstruosamente absurdo y allí vuelve a sentirse vivo.Por primera vez tiene algo que medir, dibujar, recorrer, comprender. ¡Es arquitecto otra vez! Por eso yo no interpretaría los Backrooms únicamente como su prisión. También son su tentación. Su vida normal tiene límites pero carece de sentido para él. Los Backrooms carecen aparentemente de límites pero le proporcionan un propósito.

El propio Parsons ha explicado que la pregunta central de la película es nuestra relación con los espacios que habitamos. 

Y aquí recuperamos exactamente nuestra conversación de junio sobre las oficinas: Clark no habita su vida cotidiana; en cambio empieza a habitar el lugar imposible.

2. Mary no es simplemente "la psicóloga"

Esto explica una de las cosas que me han desconcertado. Mary está rota también. Sus recuerdos infantiles, su madre agorafóbica, las ventanas cubiertas con periódicos, el encierro. N o son un adorno del guion. Ella ha construido toda una teoría terapéutica alrededor de "ventanas", bucles, espacios interiores, etc., precisamente porque intenta racionalizar su propia experiencia. 

Y Parsons confirma algo todavía más interesante: Mary no es necesariamente una buena terapeuta. Algunas de sus técnicas son deliberadamente cuestionables y su sistema psicológico termina haciendo daño a Clark.

Esto cambia bastante la película. Al principio creemos que Mary estudia a Clark. Después descubrimos que Mary y Clark son dos personas dañadas intentando explicarse mutuamente. Y finalmente los Backrooms empiezan a "leer" a los dos.

3. La angustia del laberinto

Aquí creo que la película funciona extraordinariamente bien. No necesita perseguirte continuamente con un monstruo. Te persigue con arquitectura incorrecta. Una puerta demasiado pequeña. Una habitación excesivamente grande. Un mueble inconexos donde no corresponde. Un pasillo que parece diseñado para llevar a alguna parte pero no lleva a ninguna. Una ventana que no debería existir. Y ese zumbido permanente de los fluorescentes.

Parsons da una comparación estupenda. Sería como describirle un perro a alguien que jamás ha visto uno y pedirle que lo dibuje. Algunas cosas quedarían bien y otras resultarían extrañamente equivocadas. 

Parece que algo intenta reproducir nuestro mundo sin comprender completamente cómo funciona nuestro mundo.

4. El dibujo de la pared hacia 1h10

Las ventanas se repiten varias veces. Aparecen en el pensamiento y el libro de Mary. Clark habla de haber "abierto la ventana" y el dibujo vuelve a introducir esa imagen. Hay interpretaciones que relacionan directamente ese dibujo con la manera en que el espacio accede a la psique de quienes lo atraviesan, entre interior/exterior, consciente/inconsciente, recuerdo/realidad.

Y ahí Parsons hace algo muy inteligente. Cuando creemos que estamos viendo "los Backrooms de Clark", desplaza la película hacia Mary. Porque ahora necesitamos descubrir qué Backrooms lleva Mary dentro.

5. ¡Mi comparación con las primeras IA!

La mesa, las muñecas atadas, esa figura que puede ser comida y apuñalada... parecen recuerdos reconstruidos incorrectamente. No son recuerdos reproducidos como una película doméstica. Son aproximaciones. Como aquellas primeras imágenes generativas: "Una mano" y aparecían seis dedos. ”Una mesa" y una pata se fundía con la pared. “Una persona" y el rostro parecía humano hasta que lo mirabas durante tres segundos. 

Los Backrooms son como un mundo formado por restos comprimidos de nuestras mentes y esa conexión con las "alucinaciones" de la IA generativa. 

Y esto me lleva a una idea. Los Backrooms no recuerdan. Reconstruyen y reconstruyen mal.

6. La maqueta

Me parece fundamental y me ha impresionado, porque una maqueta normalmente sirve para hacer comprensible un espacio. Aquí sucede lo contrario. Cuanto más intentas representar el espacio, más monstruosa resulta su imposibilidad.

Clark, explora, mide, cartografía, construye una representación. Está intentando imponer geometría humana sobre algo que probablemente no obedece a nuestra geometría. Por eso la maqueta no resuelve el misterio. Materializa el fracaso de intentar comprenderlo.

7. Los investigadores y las "Máquinas de Resonancia"

Aquí es donde conviene separar la película del universo previo de Kane Parsons.

Los investigadores proceden del lore desarrollado en sus vídeos de YouTube. Allí existe el Async Research Institute, una organización ficticia que descubre y estudia los Backrooms. 

Eso explica perfectamente mi sensación de: "¿Y estos señores de dónde han salido?"

Porque para alguien que llega exclusivamente por la película, como yo, su aparición puede parecer casi la entrada repentina de otra película dentro de la película.


Y después de mis siete puntos llegamos a la conclusión que Clark y Mary hacen exactamente lo mismo por caminos diferentes. Clark intenta dominar lo incomprensible mediante la arquitectura. Mary intenta dominar lo incomprensible mediante la psicología. Los investigadores intentan dominarlo mediante la ciencia. Tres sistemas humanos para ordenar algo que quizá no admite orden porque los Backrooms se los tragan a los tres.

Eso sí me parece una película mucho más interesante que "un señor se pierde por unos pasillos amarillos".

Y hay algo más que quiero dejar para el espectador: ¿los Backrooms fabrican los recuerdos de Clark y Mary, o son Clark y Mary quienes están fabricando los Backrooms?






Amor DiBó

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miércoles, 30 de septiembre de 2026

PARLANChINES. Estrenos de Películas 2 Octubre 2026

 
PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,
participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 2 Octubre 2026


1. LUCKY STRIKE . Rod Lurie (VÉRTICE 360)
2. LA LEYENDA DE LA BALLENA CANTORA . Pavel Hrubos, Steven Majaury, Reza Memari (VERCINE)
3. THE UMBRELLA FAIRY . Jie Shen (MARMITAKO FILMS)
4. NUDA PROPIEDAD . Alberto Utrera (CINEMARAN)
5. RISE UP (LEVÁNTATE) . Luis C. Lagos, Pablo Moreno (EUROPEAN DREAMS FACTORY)

#LuckyStrike #LaLeyendadelaBallenacantora #TheUmbrellaFairy #Nudapropiedad #RiseUp

martes, 29 de septiembre de 2026

TRUE CRIME + PELÍCULAS. Caso 004.01: Pilotos Asesinos de Vuelos Comerciales

 
Imagen generada por IA

TRUE CRIME + PELÍCULAS. Caso 004.01 

Pilotos Asesinos de Vuelos Comerciales 


Dada la presentación del vídeo anterior Depresión Asesina que recomiendo su visionado, ya que realizo una aproximación al tema. Vamos directamente al cine de Pilotos Asesinos que es el Objetivo en True Crime + Películas. 

Aunque he realizado una búsqueda amplia, tengo la sorpresa de que no abundan las películas de ficción que reproduzcan exactamente el patrón “piloto de avión comercial que decide morir y mata deliberadamente a pasajeros”. En cambio, los documentales y docudramas, son muchísimo. Eso nos viene bien porque podemos ampliar el criterio que nos permitan estudiar la mente del piloto, las señales previas, el deterioro psicológico, la responsabilidad sobre los pasajeros y el impacto posterior sobre las familias.


PELÍCULAS


1. The Pilot's Wife / La mujer del piloto. Robert Markowitz (2002) Canadá
Esta me parece un hallazgo especialmente bueno para nuestro enfoque. Una mujer queda viuda después de que el avión pilotado por su marido se estrelle y comienza a investigar si él mismo provocó deliberadamente el accidente. Pero lo más interesante para nosotros es que coloca el foco en la familia que queda detrás y descubre que quizá no conocía a la persona con la que convivía.

Es decir: conecta directamente con nuestro apartado «Supervivientes y estigma del árbol genealógico».


2. Relatos salvajes. Damián Szifron (2014) Argentina — segmento «Pasternak»
Un hombre relacionado con la aviación reúne deliberadamente en un avión a personas vinculadas con su pasado y utiliza la aeronave como instrumento de una venganza suicida. Aquí no estamos ante depresión demostrada, sino ante algo que puede ayudarnos muchísimo a establecer el contraste: 

suicidio + indiferencia hacia terceros frente a suicidio + voluntad explícita de matar a terceros.


3. Blackbox Mensch. Benedikt Röskau (2015). Alemania


La psique humana es un continente desconocido. Aquí encontré una rareza. El 24 de marzo 2015, un Airbus A320 de Germanwings se estrelló en los Alpes franceses mientras cubría la ruta de Barcelona a Düsseldorf. Todos los pasajeros y la tripulación fallecieron en el accidente. El suceso impacto por que se supo que el copiloto Andreas Lubitz, aprovechando que el capitán salió de la cabina, bloqueó la puerta desde el interior, causando la muerte de 149 personas. 

Se anunció un proyecto cinematográfico a raíz del Germanwings por Benedikt Röskau, escritor y guionista alemán. Sin embargo no he podido acreditar que llegara finalmente a estrenarse. Incluso se llegó a titular la sinopsis Black Box Human. 


4. Dr. Strangelove /¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Stanley Kubrick (1964). EEUU

El piloto militar y la tripulación que, bajo el cumplimiento ciego del deber que ordena un general, en un brote de locura, asume una misión suicida al lanzar una bomba nuclear sabiendo que su acción destruirá a miles de personas de forma deliberada. Un ataque aéreo nuclear sorpresa contra la Unión Soviética

Aunque el tema es dramático, Stanley Kubrick de forma magistral, lo lleva al terreno del humor más macabro. 

 

5. Flight / El Vuelo. Robert Zemeckis (2012). EEUU. 

Aunque el piloto (Denzel Washington) no quiere suicidarse, surge una incidencia en el vuelo y termina salvando el avión. La película explora de forma magistral la "vulnerabilidad humana en la cabina": un piloto con graves problemas de alcohol y drogas que vuela de manera temeraria, pone en jaque la vida de terceros debido a su autodestrucción personal.

Que pasó, que tras un aterrizaje de emergencia en medio del campo, la suerte es que, salvan la vida un centenar de pasajeros. El comandante Whip Whitaker, que pilotaba el avión, es considerado un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se averigua que el capitán tenía exceso de alcohol y drogas en la sangre.


miércoles, 23 de septiembre de 2026

JFF Theater . License to Live (Licencia para vivir) . Kiyoshi Kurosawa


FICHA TECNICA

Título internacional: License to Live
Título en español: Licencia para vivir / Permiso para vivir
Título original: Ningen gōkaku (ニンゲン合格)
País: Japón
Año de producción: 1998
Estreno en Japón: 23 de enero de 1999
Duración: 109 minutos
Género: Drama familiar con elementos de comedia negra
Dirección y guion: Kiyoshi Kurosawa
Fotografía: Junichirō Hayashi
Montaje: Masahiro Ōnaga
Dirección artística: Tomoyuki Maruo
Música: Gary Ashiya
Canción principal: Tsukikage no Revue (Moonlight Review), interpretada por Yoriko Dōguchi
Producción: Daiei, con la colaboración de Twins
Distribución en Japón: Shochiku
Formato original: Color, 35 mm

Reparto principal:
Hidetoshi Nishijima — Yutaka Yoshii
Kōji Yakusho — Fujimori
Shun Sugata — Shinichirō Yoshii, padre de Yutaka
Lily — Sachiko, madre de Yutaka
Kumiko Asō — Chizuru Yoshii, hermana de Yutaka
Shō Aikawa — Kazaki
Yoriko Dōguchi — Miki
Ren Ōsugi — Murota

La película fue filmada en 1998, aunque su estreno comercial japonés se produjo en enero de 1999; de ahí que aparezca fechada indistintamente en uno u otro año. Kadokawa y JFF Theater la catalogan actualmente como producción de 1999. 

Sinopsis

Yutaka sufrió un accidente de tráfico cuando tenía catorce años y permaneció en coma durante una década. Al despertar, su cuerpo tiene veinticuatro años, pero su memoria y su manera de comprender el mundo continúan detenidas en la adolescencia.

La familia que espera encontrar ya no existe como él la recuerda. Sus padres se han divorciado, su hermana ha construido otra vida y la antigua propiedad familiar ha sido transformada por Fujimori, un estrafalario amigo de su padre, en un negocio bastante precario.

Yutaka intenta recuperar los diez años perdidos y reunir de nuevo a su familia. Para conseguirlo se aferra a uno de sus recuerdos más felices: el pequeño rancho de ponis que sus padres administraban durante su infancia. Está convencido de que, si reconstruye aquel lugar, también podrá reconstruir su hogar. Pero el tiempo no se deja ordenar con la misma facilidad que unas tablas, una valla o un establo.


Anécdotas del rodaje y del director

Una película rodada con absoluta libertad

En un encuentro celebrado años después con Hidetoshi Nishijima y Kōji Yakusho, Kurosawa recordó que la filmó en 1998, cuando todavía alternaba el cine con numerosas producciones de V-Cinema. Explicó que hizo License to Live con la misma libertad con la que había trabajado en Cure. Disfrutando del acto de rodar y sin preocuparse demasiado por la recepción posterior.

Esa despreocupación quizá explique su tono tan inclasificable. Es una historia profundamente triste, pero está atravesada por un humor seco, situaciones absurdas y personajes que parecen vivir fuera de cualquier norma social.

La primera colaboración con Hidetoshi Nishijima

Fue la primera película de Nishijima con Kiyoshi Kurosawa. El actor recordaba encontrarse rodeado por lo que consideraba el “equipo de estrellas” del director: Kōji Yakusho, Shō Aikawa, Kumiko Asō, Ren Ōsugi, Yoriko Dōguchi y Shun Sugata.

Nishijima contó también que, pese a estar trabajando con intérpretes mucho más veteranos, el ambiente era extraordinariamente relajado y que acudir al rodaje le resultaba especialmente feliz. 

La sorpresa de Kōji Yakusho

Yakusho, que acababa de protagonizar Cure, quedó sorprendido al leer el guion. No esperaba que Kurosawa, asociado entonces al thriller, al cine criminal y al terror, hubiera escrito un drama familiar de aquellas características.

Sin embargo, la familia de License to Live no está tan alejada del universo del director. Sus miembros se mueven por habitaciones, terrenos y descampados como si fueran fantasmas incapaces de reconocerse.

Un reparto perteneciente al universo Kurosawa

Kurosawa reunió aquí a varios de sus intérpretes habituales. Kōji Yakusho aporta a Fujimori una combinación magnífica de rudeza, humor y ternura; Ren Ōsugi encarna la culpa convertida en resentimiento, y Shō Aikawa aparece muy lejos de los personajes duros del cine de yakuzas que interpretaba habitualmente.

También participaron varios colaboradores de Cure, el músico Gary Ashiya y parte del equipo de producción.

Una importante trayectoria internacional

La película formó parte de la competición del 11.º Festival Internacional de Cine de Tokio y fue presentada en el 49.º Festival Internacional de Berlín.

El significado del título original

Ningen gōkaku podría traducirse de manera aproximada como aprobado como ser humano o apto para ser humano. No se refiere únicamente a tener permiso para vivir, sino a superar una especie de examen invisible que demuestre que una persona ha existido realmente.

Por eso el título dialoga directamente con la pregunta que Yutaka formula al final. No quiere saber si ha vivido mucho, sino si su paso por el mundo ha contado para alguien.



Cinco escenas clave

A partir de aquí se revelan momentos importantes del argumento y de su desenlace.

1. El despertar y la ausencia de la familia

Yutaka abre los ojos después de diez años esperando, de manera natural, encontrar a su familia. Sin embargo, quien aparece es Murota, el hombre que provocó su accidente.

Murota intenta cerrar el pasado entregándole dinero. Para él, el despertar de Yutaka no es únicamente un milagro. Supone la reaparición de una culpa que creía enterrada. Desde el principio, Kurosawa invierte lo que debería ser una escena feliz y la transforma en una situación fría e incómoda.

2. El regreso a una casa irreconocible

Fujimori lleva a Yutaka hasta la antigua propiedad familiar. El lugar de su infancia ha sido invadido por un estanque de pesca, objetos abandonados, desperdicios y actividades de dudosa legalidad.

La casa continúa allí, pero ha dejado de ser un hogar. Es el primer descubrimiento doloroso del protagonista. Los espacios pueden sobrevivir mientras desaparece todo aquello que les otorgaba significado.

3. El encuentro con su madre

Yutaka busca a Sachiko esperando recuperar inmediatamente su relación con ella. Pero su madre ya ha atravesado el duelo, se ha separado de su marido y ha construido una existencia propia.

Ella no lo rechaza, pero tampoco puede convertirse otra vez en la madre que él recuerda. Cuando le pide que viva su propia vida, le está diciendo una verdad necesaria y terrible. Recuperar la conciencia no significa recuperar el pasado.

4. La reconstrucción del rancho y la familia frente al televisor

La llegada del caballo impulsa a Yutaka a reconstruir el antiguo rancho de ponis. No está levantando únicamente un negocio. Intenta reproducir materialmente el recuerdo de cuando su familia permanecía unida.

Durante unos instantes parece conseguirlo. Su madre y su hermana regresan y todos se reúnen frente al televisor, preocupados por la noticia del barco en el que podría viajar su padre. Es uno de los pocos momentos en que la familia comparte el mismo espacio y la misma preocupación.

Pero la unión resulta pasajera. Como tantas cosas en la película, solo puede contemplarse a través de una pantalla y está condenada a desvanecerse.

5. La destrucción del sueño y la pregunta final

Murota, incapaz de soportar que Yutaka parezca haber construido una vida mientras él continúa dominado por la culpa, destruye el rancho. Al principio Yutaka intenta detenerlo, después comprende que aquel lugar era una reproducción artificial de su infancia y participa en su demolición.

Por primera vez deja de mirar hacia atrás. Decide marcharse con Fujimori y comenzar una vida que no dependa de recuperar a su familia. Pero, justo cuando parece preparado para vivir por sí mismo, un accidente absurdo y brutal acaba con él.

Atrapado bajo los electrodomésticos abandonados, Yutaka pregunta a Fujimori si ha existido realmente. La respuesta de este  confirmándole que sí ha existido contiene toda la película.


Hablando de la película… 


sábado, 19 de septiembre de 2026

JFF Theater . Bright Future (Akarui Mirai) . Kiyoshi Kurosawa


Agradecimiento a JFF Theater

Quiero agradecer especialmente a JFF Theater, la plataforma de la Fundación Japón, la posibilidad de descubrir gratuitamente esta película de Kiyoshi Kurosawa en su versión japonesa original.

Desde el 2 de septiembre, la plataforma ofrece Bright Future, Pulse y License to Live, tres obras que permiten recorrer diferentes momentos de la filmografía de un director que sabe convertir la soledad, el miedo y la incomunicación en imágenes difíciles de olvidar.

En tiempos de catálogos enormes donde muchas películas pasan inadvertidas, iniciativas como JFF Theater no solamente ofrecen cine: recuperan obras, las contextualizan y permiten que nuevos espectadores puedan encontrarlas.

Kiyoshi Kurosawa no promete que exista un futuro brillante. Nos pregunta si sabremos reconocerlo cuando aparezca flotando ante nosotros.

Ficha Técnica

Título internacional: Bright Future
Título original: Akarui Mirai (アカルイミライ)
Traducción: Futuro brillante
Año de producción: 2002
Estreno en Japón: 18 de enero de 2003
País: Japón
Dirección: Kiyoshi Kurosawa
Guion: Kiyoshi Kurosawa
Producción: Takashi Asai
Fotografía: Takahide Shibanushi
Montaje: Kiyoshi Kurosawa
Música: Pacific 231 — Shigeomi Hasumi y Takemasa Miyake
Diseño de producción: Yasuaki Harada
Vestuario: Michiko Kitamura
Sonido: Hiromichi Kohri
Duración: 115 minutos en su versión japonesa original; existe un montaje internacional de 92 minutos.
Género: Drama, cine existencial, retrato generacional con elementos fantásticos.

Reparto principal:  Joe Odagiri: Yūji Nimura . Tadanobu Asano: Mamoru Arita . Tatsuya Fuji: Shinichiro Arita . Takashi Sasano: señor Fujiwara . Marumi Shiraishi: señora Fujiwara . Sayuri Oyamada: Miho Nimura . Ryō Kase: Fuyuki Arita . Kenichi Matsuyama: Jun

La película participó en la Sección Oficial a competición del Festival de Cannes de 2003. Actualmente JFF Theater ofrece gratuitamente la versión estrenada en los cines japoneses, que se presenta por primera vez en streaming fuera de Japón.

Sinopsis

Yūji Nimura y Mamoru Arita son dos jóvenes que trabajan en una fábrica dedicada al lavado de toallas. Realizan una labor repetitiva y sin horizontes mientras acumulan un malestar que ninguno de los dos sabe expresar.

Mamoru cuida en su apartamento una extraña medusa venenosa a la que intenta acostumbrar progresivamente al agua dulce. Cuando el dueño de la fábrica empieza a entrometerse en sus vidas, la violencia contenida termina atravesando la historia. Mamoru será detenido y Yūji quedará al cuidado de la medusa y de una última indicación de su amigo: seguir adelante.

La aparición de Shinichiro, el padre de Mamoru, ofrece a Yūji la posibilidad de construir una relación diferente. Sin embargo, los personajes de Bright Future parecen incapaces de encontrar un lugar estable: avanzan, retroceden y se dejan llevar por una corriente cuyo destino desconocen.

Hablando de la película...

jueves, 17 de septiembre de 2026

Sunny Dancer . George Jaques con Clemencia P. Medeiros


Ficha técnica

Título: Sunny Dancer
Año: 2026
País: Reino Unido
Dirección y guion: George Jaques
Género: Comedia dramática, adolescencia, amistad, enfermedad
Duración: 106 minutos
Fotografía: Oliver Loncraine
Montaje: Caitlin Spiller
Música: Este Haim y Zachary Dawes
Producción: Ken Petrie y George Jaques
Productoras: 27 Ten Productions, Athenaeum Productions y Night Train Media
Distribución en España: Diamond Films España
Estreno en España: 2 de octubre de 2026
Reparto: Bella Ramsey, Daniel Quinn-Toye, Ruby Stokes, Earl Cave, Jasmine Elcock, Conrad Khan, Jessica Gunning, James Norton, Neil Patrick Harris, Josie Walker y James Blunt.

La película tuvo su estreno mundial el 13 de febrero de 2026, inaugurando la sección Generation 14plus del Festival de Berlín, dedicada al público adolescente. 

Sinopsis

Ivy tiene 17 años y ha pasado por un tratamiento contra el cáncer. Enfadada con su enfermedad, con sus padres y con la manera compasiva y condescendiente con la que los demás la observan, es enviada a regañadientes a un campamento de verano para adolescentes afectados por el cáncer.

Lo que Ivy imagina como una prolongación de su tratamiento termina convirtiéndose en un espacio de libertad. Allí conoce a otros jóvenes que no quieren ser definidos únicamente por un diagnóstico: se divierten, discuten, se enamoran y establecen amistades sabiendo que, quizá, algunos de ellos no regresen al verano siguiente.

Una película sobre adolescentes, no sobre enfermos


Hablando de la película... 

miércoles, 16 de septiembre de 2026

Tiempo de Victoria (Pressure) . Anthony Maras con Magi Beltrán

 
Imagen generada con IA (ChatGPT)
PARLANChINES.Tiempo de Victoria (Pressure) de Anthony Maras con Magí Beltrán

#TiempodeVictoria
#Pressure

Comentamos la película en nuestro espacio de PRLANChINES . Estrenos de Películas

Imagen generada con IA (ChatGPT)

Sus Hijos (& Sons) de Pablo Trapero


Ficha Técnica

Título: Sus hijos
Título original: & Sons
Año: 2025
Países: Reino Unido, Estados Unidos y Canadá
Duración: 119 minutos
Dirección: Pablo Trapero
Guion: Sarah Polley y Pablo Trapero
Basada en: La novela & Sons, de David Gilbert, publicada en 2013
Fotografía: Diego Dussuel
Música: Cristóbal Tapia de Veer
Género: Drama familiar, humor negro

Producción: Infinity Hill, Matanza Cine y Elevation Pictures
Distribución en España: Divisa Films y Vercine

Reparto principal:
Bill Nighy como Andrew Dyer
Noah Jupe como Andy Dyer
Johnny Flynn como Richard Dyer
George MacKay como Jamie Dyer
Imelda Staunton como Isabel Platt
Dominic West como Rainer
Anna Geislerová como Gerde
Arthur Conti como Emmett Dyer

La película se presentó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2025 y posteriormente pasó por el Festival de Londres. Fue premiada por su guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. 

Sinopsis

Andrew Dyer fue uno de los escritores más importantes de su generación, pero lleva casi veinte años recluido en su casa, sin publicar una nueva obra y ahogándose progresivamente en el alcohol. También lleva demasiado tiempo sin hablar con Richard y Jamie, sus dos hijos mayores, que crecieron bajo la sombra de un padre admirado por todo el mundo y emocionalmente ausente dentro de su propia familia.

La muerte de un antiguo amigo y la sensación de que su propio final está cerca empujan a Andrew a convocarlos. Richard y Jamie regresan creyendo que su padre desea reconciliarse o poner en orden su herencia. Sin embargo, Andrew no los ha reunido para pedir perdón, sino para revelarles algo difícil de aceptar: Andy, el muchacho al que todos consideran fruto de una relación extramatrimonial, sería en realidad un clon suyo, creado por una misteriosa organización sueca. (Los Palingenetistas. Procede de palingenesia, que significa renacimiento o regeneración. Son una organización sueca ficticia, no un grupo científico real.)

Pero detrás del secreto científico aparece otro secreto quizá más doloroso. El gran escritor también habría utilizado los diarios de su hijo mayor como materia prima para construir la obra que lo convirtió en una celebridad.


Hablando de la película... 

martes, 15 de septiembre de 2026

PARLANChINES. Estrenos de películas 18 Septiembre 2026

 


PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,
participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 14 Septiembre 2026
1. COYOTE VS. ACME . Dave Green (BETA FICCIÓN) 2. TIEMPO DE VICTORIA . Anthony Maras (DEAPLANETA) 3. MIS QUERDÍSIMOS PADRES . Emmanuel Patron (A CONTRACORRIENTE FILMS) 4. EN LA ZONA GRIS . Guy Ritchie (DIAMOND FILMS 5. SUS HIJOS . Pablo Trapero (DIVISA, VERCINE) 6. SE ABRE LA VEDA 2 . Frédéric Forestier, Antonin Fourlon (FLINS Y PINÍCULAS) 7. MUMBO JUMBO SE HACE ENORME . Karsten Kiilerich (PACK MAGIC)

#Coyote 

#TiempodeVictoria

#MisQueridisimosPadres

#EnlaZonaGris

#SusHijos

#SeAbrelaVeda2

#MumboJumbosehaceenorme

ANÁLISIS Y RECOMENDACIÓN – PARLANCHINES 🎬 Uso de material audiovisual Este vídeo incluye fragmentos breves de trailers oficiales con fines de crítica, análisis y comentario cinematográfico. Todo el material audiovisual pertenece a sus respectivos propietarios (productoras y distribuidoras). “Incluyo fragmentos breves del tráiler únicamente como apoyo visual a nuestros comentarios y análisis cinematográfico.” 🎵 Música del vídeo Título: Carried Compositor: Lauren Duski Música gratuita de la Biblioteca de YouTube. 📣 Sígueme en mis redes y proyectos Blog: Ágora de Ideas. https://agoradeideas.blogspot.com/ YouTube:
https://www.youtube.com/@AmorDiBo Instagram: @amordibo ----------------------------------------------------

#Coyote 

#TiempodeVictoria

#MisQueridisimosPadres

#EnlaZonaGris

#SusHijos

#SeAbrelaVeda2

#MumboJumbosehaceenorme

Sus Hijos (& SONS) . Pablo Trapero con Anna Bayón


IN MY OPINION: SUS HIJOS (& SONS)

Dirección : Pablo Trapero
País: Reino Unido, Argentina, Canadá.
Año: 2.025

Adaptación de la novela ‘El extravagante señor Dyer’ de David Gilbert -considerado uno de los mejores libros del año 2013-, cuyo guion ha sido adaptado por la ganadora del Oscar, Sarah Polley (‘Ellas hablan’) junto al propio Pablo Trapero ('El clan'), quien dirige el filme con elegancia en su primera incursión íntegramente en inglés.

El prestigioso escritor Andrew Dyer (Bill Nighy) vive retirado en su mansión de Oxfordshire, totalmente sumergido en su vida depresiva y sin escribir ni una palabra en más de 20 años. Su hijo Andy (Noah Jupe) vive con él intentando ser él mismo y no ser una sombra de lo que fue su padre. Al reunir al resto de sus hijos, con los que no habla desde hace tiempo para comunicarles un sorprendente secreto, se desencadenarán situaciones imprevisibles en la familia. 
 
El filme es un tanto pretencioso explorando temas tanto fantasiosos para atraparnos con una historia que suena muy repetitiva: la del famoso escritor retirado y amargado que ya no es ni un ápice de lo que fue y al que su familia detesta. Egocéntrico, manipulador y tan narcisista que incluso quiere continuar su estirpe a su imagen y semejanza hasta límites insospechados.El giro de guión a los veinte minutos hará que nos volvamos a introducir en esta rocambolesca historia y volvamos a conectar de algún modo, sin embargo, no logra conseguir que permanezcamos así hasta el final, siendo un tanto dispersa en la narrativa, al ser demasiado excéntrica en su planteamiento. 
Pese a ello, hay que destacar lo más importante: la impactante interpretación de Bill Nighy ('Love actually') como este excéntrico, ególatra y alcohólico, al que nunca le ha importando nada ni nadie, salvo él mismo, pero que al final de su vida, parece que intenta valorar lo perdido. También está sublime Imelda Staunton ('The Crown'), como su exmujer, en una interpretación que le da todo el prestigio al filme. Sin duda, lo mejor de la película es haber apostado por estos grandes de la escena británica.

En conclusión, SUS HIJOS, es un drama familiar con un giro sorprendente y unas interpretaciones magistrales.

Puntuación:
⭐️⭐⭐ sobre 5






Anna Bayón

Instagram: @cine-anabayon