¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra?

 ¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra? 

Qué gran pregunta, y además muy pertinente después de ver la película ¿Qué te dice esa naturaleza? (What Does That Nature Say To You). Esa idea de "ser profeta en tu tierra" aplica perfectamente al caso de Hong Sang-soo. Y la respuesta corta es: no, no lo es. Es un caso fascinante de un director que es un gigante en el extranjero pero que en casa vive una realidad mucho más modesta y compleja.

Basándome en la información que he podido recopilar, la respuesta tiene dos caras muy claras: el inmenso respeto de la crítica internacional y los festivales, versus la fría indiferencia del público y las polémicas internas en Corea del Sur.

El Profeta en el Mundo: Un Rey de Festivales

Aquí, la ecuación es clara. Su éxito fuera de Corea es incuestionable y te lo resumo con datos. Habitual de los grandes certámenes. Es un asiduo de los festivales más prestigiosos del mundo como Cannes, Berlín y San Sebastián. Su última película, What Does That Nature Say To You, no fue una excepción al competir en la Berlinale 2025. Palmarés abrumador. Su currículum está repleto de premios internacionales de primer nivel. Solo algunos ejemplos:

    Premio Un Certain Regard en Cannes por Hahaha (2010) .

    Leopardo de Oro en Locarno por Right Now, Wrong Then (2015) .

    Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastián por Lo tuyo y tú (2016) .

    Oso de Plata (Gran Premio del Jurado) en Berlín por The Novelist's Film (2022) y de nuevo en 2024 por A Traveler’s Needs.

Los críticos y la cinefilia más exigente lo adoran. Se le considera una voz única, que conecta la tradición del cine moderno occidental (como Rohmer) con la de maestros orientales (como Ozu), creando un estilo narrativo completamente personal basado en la repetición, el azar y el alcohol como detonante de la verdad.

En su Tierra (Corea del Sur): Taquillas Frías y una Sombra Personal

Aquí la historia cambia radicalmente. El consenso general es que sus películas no cosechan grandes éxitos comerciales en Corea del Sur . Y la magnitud de esa indiferencia se puede medir con números.

Por ejemplo, tomemos su película En lo alto (2022). Circuito de festivales pasando por Toronto, San Sebastián y Busan. 

Estreno comercial en Corea del Sur: Se estrenó el 3 de noviembre de 2022 en 57 salas y fue vista por 6,134 espectadores. Recaudó el equivalente a unos 43,000 dólares. Para que te hagas una idea, cualquier producción comercial surcoreana media vende cientos de miles de entradas solo el fin de semana de estreno. Su impacto en taquilla es prácticamente testimonial. Pero el dato más revelador, y el que creo que es la clave para entender por qué no es un "profeta", no es solo comercial, sino personal y social.

La relación extramatrimonial de Hong con su musa, la actriz Kim Min-hee, fue un escándalo mayúsculo en Corea del Sur en 2016-2017. Esto dañó seriamente su reputación en un país con valores sociales todavía bastante conservadores en estos aspectos. Aunque su esposa se negó a concederle el divorcio, él ha mantenido su relación con Kim Min-hee de forma pública. Este factor, sin duda, influye en cómo el gran público coreano percibe su figura. Mientras Occidente celebra su cine como el de un "autor", en Corea una parte importante de la audiencia lo ve a través del prisma de ese escándalo personal.

Conclusión

No, no es profeta en su tierra. Quizá sea más bien todo lo contrario: un profeta venerado fuera de su tierra, que en casa es visto como un ciudadano incómodo o, como mínimo, un cineasta para minorías. Esa tensión entre el genio creativo y la figura pública es fascinante y añade una capa más de profundidad a su obra.

A veces los artistas más interesantes son precisamente esos que viven en una tensión constante con su contexto más inmediato. Esa "maldición del profeta" por un lado, su estilo tan particular (planos largos, zooms, conversaciones que parecen improvisadas) choca con el ritmo narrativo más dinámico que suele preferir el público coreano. Por otro lado, su temática recurrente -la hipocresía social, las infidelidades, los artistas fracasados- podría leerse en Corea como demasiado cercana a su propia polémica personal. Y sin embargo, ahí sigue él, haciendo exactamente el cine que quiere hacer, con su equipo mínimo, Kim Min-hee como productora y musa, produciendo una o dos películas por año como quien escribe páginas de un diario. 

Amor DiBó

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What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?) de Hong Sang-soo

FICHA TÉCNICA 

Título original: Geu jayeoni nege mworago hani (그 자연이 네게 뭐라고 하니)
Título internacional: What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?)
Año: 2025
País: Corea del Sur
Duración: 108 minutos
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Producción: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Montaje: Hong Sang-soo
Productora: Jeonwonsa Film Company
Reparto: Ha Seong-guk (Dong-hwa), Kwon Hae-hyo (padre de Jun-hee), Cho Yun-hee, Kang So-yi, Park Mi-so. La película compitió en la Berlinale 2025.

Sinopsis:

Dong-hwa, un poeta de treinta y tantos años, acompaña a su novia a la casa familiar de ella. Lo que debía ser una visita breve acaba convirtiéndose en una jornada entera de conversaciones, comida, alcohol y observación mutua.

La familia lo examina. Él observa la naturaleza, la casa, los árboles y el silencio. El padre de la novia lo estudia como quien evalúa una inversión de riesgo. Y poco a poco surge la pregunta incómoda: ¿es un hombre libre… o simplemente alguien que ha huido del mundo?

ANÉCDOTAS DEL RODAJE, ACTORES Y DIRECTOR

Es la película número 33 de Hong Sang-soo. Una filmografía que ya parece un diario filosófico filmado. 

Como es habitual en él, Hong vuelve a ejercer casi todos los oficios: director, guionista, productor, músico, fotógrafo y montador. Hace cine como quien cocina solo en casa: abre la nevera y dice “veamos qué hay hoy”.

La producción estuvo supervisada por Kim Min-hee, colaboradora habitual y directora de producción en esta ocasión. No aparece delante de cámara.

La película fue seleccionada en competición oficial de la Festival Internacional de Cine de Berlín 2025, siendo una nueva presencia del director en el certamen. 

El cine de Hong sigue usando su estética habitual: planos largos, zooms discretos, conversaciones aparentemente casuales y alcohol como reactivo químico de la verdad. Si alguien bebe en una película suya… conviene prepararse porque la sinceridad suele llegar unos vasos después.

Hablando de la película... 

5 ESCENAS CLAVE

The Drama de Kristoffer Borgli en MOOBY Gran Sarrià Club

MOOBY Gran Sarrià Club

¿A que ahora tienes curiosidad de qué encontré, al volver a ver The Drama 

en menos de un mes?. 

The Drama la nueva película de Kristoffer Borgli protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson

Casi diría yo que hice trabajo de campo cinematográfico con reincidencia voluntaria. Me fijé en el libro que es motivo de contacto entre los protagonistas The Damage de Haper Ellison. No es un libro real sino una obra ficticia creada específicamente para la película de Kristoffer Borgli. Borgli ha dicho que The Damage es en realidad un proyecto en el que ha estado trabajando como su propia película. Eso es muy interesante porque   el libro deja de ser atrezo y pasa a ser semilla narrativa.

Si The Damage no existe y Borgli ha dicho que en realidad es un proyecto suyo, entonces la película hace algo muy curioso: mete una película futura dentro de una película presente. Una especie de muñeca rusa creativa.Y el título ya es una pista enorme, The Damage, El Daño.

El daño.

Porque en The Drama el tema no es realmente el secreto de Zendaya. El tema es: ¿qué hace una verdad perturbadora al vínculo? ¿Qué daño deja? ¿Cómo deforma la imagen ideal del otro? Y mira qué bonito queda simbólicamente. El libro une a la pareja al primer contacto. El contenido (el daño) separa a la pareja. Es casi una premonición escondida a plena vista. Además, conociendo a Borgli y su gusto por los dobles niveles (Dream Scenario ya jugaba con identidad, fama y proyecciones), no me extrañaría que The Damage fuera una idea que él todavía esté “incubando” y la haya dejado aquí como huevo cinematográfico. Además si el libro aparece varias veces, habría que recordar quién lo sostiene en cada momento. Porque en cine los objetos viajan. Y cuando cambian de manos, cambian de significado.

Bueno el siguiente punto que he valorado precisamente es una cuestión de valor moral, valga la redundancia. Cuatro personajes que cometen una maldad inconfesable hasta ese momento que se encuentran degustando el menú de la boda, antes de que ésta suceda. Cuatro historias inconfesables y que hablan de la maldad humana. La primera, el protagonista que se esconde detrás de su novia porque son atacados por un perro y la utiliza de escudo humano. La segunda, la protagonista, encierra un niño en un cajón de armario de una caravana en medio del bosque, se va a su casa, hay alarma en el pueblo de que el niño ha desaparecido, ella está presente en cómo reacciona la gente, no dice nada y a la mañana siguiente las personas encuentran al niño. La tercera persona hace mobbing online a un niño y la cuarta persona, que es el personaje de Zendaya, explica que en su adolescencia pensó coger el fusil de su padre y entrar en el colegio para hacer una masacre. Tres protagonistas están moralmente tranquilizados porque el delito (no consumado) de Zendaya es el más fuerte. Esta conclusión me pareció muy perturbadora. El futuro marido al final de la película comprende la motivación de su esposa porque él es inglés y opina que en el colectivo americano asumen, cualquiera que pueda entrar en un colegio y hacer una masacre. La película organiza una mesa de confesiones sobre la maldad humana, delitos sin consumación o sin castigo.

Los cuatro personajes no son asesinos. No son criminales condenados. Son personas normales que cargan con una sombra:

Primero: supervivencia egoísta → usa a su pareja como escudo ante el perro. Segundo: crueldad pasiva → provoca un daño y observa el sufrimiento colectivo sin intervenir. Tercero: violencia digital → el daño moderno, sin contacto físico. Zendaya: violencia imaginada → el crimen que nunca sucedió. Los otros tres quedan moralmente absueltos porque aparece una culpa/daño “más grande”. “Lo mío no fue tan grave…” Y hay otra capa interesante, ninguno consumó el acto extremo.

La película no está juzgando crímenes. Está juzgando la posibilidad del mal. ¿Qué hacemos con alguien que pensó algo terrible y no lo hizo?. Lo definimos ¿Por la intención, por la acción, por el arrepentimiento?

La interpretación del personaje de Pattinson (británico frente al imaginario estadounidense) me parece interesantísima porque él acaba desplazando la pregunta: No piensa tanto “¿mi futura esposa es peligrosa?” sino “¿Y si ésta fantasía no es solo  suya? ¿Y si forma parte de una ansiedad colectiva americana?”. Y ahí el personaje deja de verla como monstruo individual para verla como síntoma. Eso no la absuelve. Pero cambia el foco. “The Drama no habla de una mujer con un secreto. Habla de cuatro personas que sobreviven moralmente comparando sus sombras.” La película propone una inquietante bolsa de valores ética: cuando aparece una culpa gigantesca, las pequeñas dejan de cotizar.

Y finalmente se plantea la fascinación de la adolescencia por las amas, su estética, ese querer conocer que es la muerte. Propia de la ignorancia al rito de paso adolescente.

El encuentro temprano con la violencia como parte del crecimiento humano. The Drama toca algo parecido. La confesión de Zendaya no habla necesariamente de una asesina frustrada. Puede leerse como una adolescente fascinada por el poder, la muerte y el límite. La adolescencia hace preguntas peligrosas porque aún no conoce el peso real de las respuestas.Hay una edad donde la muerte todavía es una idea estética, abstracta,  cinematográfica. No tiene rostro. No tiene ataúd. No tiene padres llorando. Y quizá Borgli plantea precisamente eso: ¿Qué hacemos con los pensamientos monstruosos de la adolescencia?. Las armas tienen una estética. Han tenido fascinación visual desde la espada medieval hasta el revólver del western o el fusil moderno. Poder, rito, identidad, transformación. “A cierta edad las armas parecen objetos; después descubres que siempre apuntaban a personas.”

Amor DiBó @amordibo

Fotógrafo: Ton Fabregat @fabregatgrau

PARLANChINES. El Cochecito de Marco Ferreri (1960) con Gabriel

PARLANChINES. El Cochecito de Marco Ferreri (1960) con Gabriel

Don Anselmo, un anciano ya retirado, decide comprarse un cochecito de inválido motorizado ya que todos sus amigos pensionistas poseen uno. La familia se niega ante el capricho del anciano, pero él decide vender todas las posesiones de valor para comprárselo... Un clásico del cine español con el gran Pepe Isbert y guión de Azcona y Ferreri.

MOOBY Gran Sarrià Club

 MOOBY Gran Sarrià Club

📍 Ubicación: Ronda General Mitre 38-44, Barcelona.

“Del cine de masas al cine-salón: ¿el futuro del espectador?”

Durante décadas el cine compitió con la televisión. Después con las plataformas de streaming. Ahora quizá compita con otra cosa: la necesidad humana de reunirse. Tal vez el futuro no sea una pantalla más grande, sino volver a crear lugares donde compartir historias.

El dato técnico es que son 417 butacas para 8 salas significa una media de 52 plazas por sala. Es casi micro-cine premium.

El modelo de negocio lo ordenaría así:

1. Cine tradicional → Cine-experiencia → Cine-club social

El Mooby Gran Sarrià Club parece moverse hacia la proyección + restauración + encuentro + exclusividad. No tanto “vendo entradas”, sino vendo permanencia y experiencia.

Porque si una entrada son 11–13 € y añades: refresco + aperitivo: 8–12 € ó algo más elaborado: 15–20. La sesión puede ir fácilmente a 25–35 € por persona. Ahí ya compite menos con las plataformas y más con: cine + cena + salida social. El espectador solo ve el artículo final; detrás hay un pequeño ecosistema funcionando.

2. Empresas y eventos privados

Con salas de 30–75 plazas tienes escalas ideales para presentaciones corporativas, lanzamientos de producto, reuniones de inversión, pases privados, escuelas de negocio, congresos pequeños, cinefórum, aniversarios, cumpleaños cinéfilos

CINESA ya explora esto, pero aquí el tamaño pequeño juega a favor: una sala de 40 personas se llena rápido y crea sensación de exclusividad.

3. Sarrià como ecosistema social

Un tema muy “barcelonés”. Sarrià tiene perfil de barrio donde funcionan las cafeterías de autor + librerías + restaurantes + espacios tranquilos + público familiar y profesional.

El cine puede convertirse en punto de reunión “quedamos en el Mooby” y no solo “vamos a ver una película”.

4. Restaurantes con cine

Recordé dos modelos históricos. Cines-restaurante / dinner theaters de EE.UU y cine de verano con mesa, bebida y conversación lenta. Porque el cine a la fresca nunca fue solo película. Era, película + comunidad + verano + encuentro. Quizá Mooby intenta traer eso… pero con aire acondicionado y reclinación eléctrica 😄

¿Estamos creando un cine premium… o estamos domesticando el cine hasta convertirlo en un salón?

Porque el cine nació colectivo, luego se hizo masivo… y ahora parece regresar a algo íntimo. Como los antiguos cine-clubes. Solo que cambiamos las sillas plegables por sofás motorizados y el coloquio por nachos gourmet.

¿Para qué públicos funciona este formato?

1. Público adulto / cinéfilo silencioso es Ideal.

Yo corroboro la frase “no voy al cine a escuchar masticar palomitas, oler ni oír sorbidos” representa a mucha gente que dejó de ir. El problema: el cine moderno a veces parece: Película + ASMR involuntario de nachos + sorbidos Dolby Atmos. Si el aforo baja, el espacio aumenta y el público paga un poco más,  ¿podemos llegar a pensar que aparecer un filtro natural: menos ruido y más atención?.

2. Parejas y público +40 / +50 / +65

Creo que aquí Balañá ha olido mercado. Hay mucha gente que ama el cine pero no quiere la butaca estrecha, rodillas pegadas, salir con la espalda doblada, sesión abarrotada. El sofá reclinable convierte la salida al cine en una experiencia más lenta y cómoda.

3. Público joven “experiencia”

Puede funcionar si lo viven como evento: “Vamos al cine premium”. Competir hoy con Netflix, sofá de casa y pantallas gigantes obliga a ofrecer algo que en casa no existe.

Durante años el cine quiso parecerse al salón de casa (sofás, reclinables, comida). Ahora intenta volver a vender silencio y atención, que precisamente es lo que hemos perdido en casa.

#MoobyCinemas #MoobyGranSarriaClub

Amor DiBó

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BCN FILM FEST 2026. Un Taxi en Tokio. Pizza Movies. Mi postre favorito con Daniel Padilla

BCN FILM FEST 2026. Un Taxi en Tokio. Pizza Movies. Mi postre favorito con Daniel Padilla

1. Un Taxi en Tokio . Yôji Yamada 2. Pizza Movies . Carlo Padial 3. Mi postre favorito . Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha #bcnfilmfest2026 #Untaxientokio #pizzamovies #mipostrefavorito

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PARLANChINES. Estrenos de Películas 16 de Mayo 2026

 

PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,

participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 16 Mayo 2026

1. Couture . Alice Winocour (ALTA COSTURA) 2. Hugo24 . Luc Knowles (CARAMEL FILMS) 3. El Amigo Inesperado . Fabienne Godet (SURTSEY FILMS) 4. Gigante . Rowan Athale (FLINS Y PINICULAS) 5. El Beso de la Mujer Araña . Bill Condon (SONY) 6. La Chica del Coro . Urška Djukić (ATALANTE) 7. Un Hijo . Nacho La Casa (FILMAX) 8. Serás Farruquito . Santi Aguado, Reuben Atlas, Héctor Muniente, Mario Aranguren #couture #hugo24 #elamigoinesperado #gigante #elbesodelamujeraraña #lachicadelcoro #unhijo #serasfarruquito

El amigo inesperado (Le Répondeur) de Fabienne Godet. La externalización de nuestra presencia emocional

El amigo inesperado. Una voz prestada en tiempos de identidades alquiladas

FICHA TÉCNICA

Título original: Le Répondeur
Título en español: El amigo inesperado
Dirección: Fabienne Godet
Guion: adaptación de la novela Le Répondeur de Luc Blanvillain
Género: Comedia dramática / reflexión contemporánea sobre identidad y comunicación
País: Francia
Año: 2025
Duración: Aproximadamente 1h 40 min
Basada en: la novela Le Répondeur
Reparto principal: Salif Cissé,  Denis Podalydès, Aure Atika, Clara Bretheau

Sinopsis

Un escritor agotado emocionalmente, incapaz de gestionar su vida personal y profesional, encuentra una solución insólita: contratar a un imitador vocal para responder llamadas y mensajes en su nombre. Lo que comienza como una ayuda práctica acaba convirtiéndose en una invasión silenciosa de su propia identidad. El sustituto no solo aprende a copiar la voz, también las emociones, las dudas y las relaciones del original. Poco a poco, la frontera entre ayudar… y ocupar el lugar de otro empieza a desaparecer.

5 escenas clave

1. La primera llamada “perfecta”

El imitador responde una llamada íntima y nadie detecta el engaño. La escena funciona como una bofetada suave: comprendemos que la identidad moderna ya no depende del cuerpo, sino de la voz y de la gestión emocional.

2. El escritor descubre que “su copia” lo hace mejor que él

Uno de los momentos más incómodos y brillantes de la película. El sustituto logra resolver conflictos familiares y laborales con más empatía que el original. Ahí aparece el miedo contemporáneo: ¿y si nuestra versión artificial resulta más eficiente que nosotros?

3. La seducción a través del oído

La película recuerda algo que el siglo XXI parecía haber olvidado: una voz puede enamorar. Como en la radio clásica o en Cyrano de Bergerac, las palabras viajan directamente a la imaginación. No hace falta presencia física para provocar deseo, ternura o dependencia emocional.

4. El momento en que el impostor empieza a disfrutar demasiado

La copia deja de ser un trabajador y comienza a saborear la vida ajena. La película entra aquí en terreno casi psicológico: asumir otra identidad puede convertirse en una droga emocional.

5. El descubrimiento final

Cuando la verdad amenaza con salir a la luz, la película plantea una pregunta inquietante: ¿nos molesta el engaño… o nos molesta descubrir que necesitábamos ese engaño para sentirnos acompañados?

Anécdotas del rodaje y curiosidades

Fabienne Godet ya había trabajado anteriormente temas relacionados con la fragilidad emocional y la identidad contemporánea. Aquí mezcla comedia y reflexión tecnológica sin caer en la ciencia ficción dura.

La película adapta la novela Le Répondeur, escrita antes de la explosión masiva de la IA conversacional actual. Lo curioso es que hoy parece casi una predicción social.

El trabajo vocal fue fundamental en el rodaje. Los actores tuvieron que trabajar ritmos, silencios y respiraciones para que la imitación resultara creíble incluso sin apoyo visual.

Denis Podalydès, actor veterano de la Comédie-Française, aporta una mezcla muy eficaz de vulnerabilidad intelectual y ego herido.

Parte de la gracia de la película está en que evita el gran dramatismo tecnológico. No habla de robots futuristas, sino de algo mucho más cercano y reconocible: la delegación emocional.

Hablando de la película… 

Japón. “Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.”

 

Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.

El cine japonés contemporáneo muchas veces convierte problemas sociales cotidianos en auténticas tragedias existenciales silenciosas. Y lo hace sin grandes discursos. Mientras una parte del cine español todavía necesita verbalizar mucho el conflicto, discusiones, explosiones emocionales, personajes explicando lo que sienten, el cine japonés suele mostrar una bandeja de comida intacta, un alumno mirando la ventana, un traje negro repetido cien veces, un silencio incómodo en un ascensor, o alguien durmiendo en el metro. Y con eso ya te está hablando de agotamiento, alienación, presión colectiva, miedo al fracaso, soledad moderna, desaparición emocional.

Por eso muchas películas japonesas dejan una sensación rara que aparentemente “no pasa nada”… pero sales con una tristeza pegada al cuerpo. Además, Japón tiene una capacidad muy particular para convertir lo estructural en íntimo. La demografía contamina en la cocina, el trabajo dinamita el erotismo en el dormitorio, la presión escolar crea un “queso de gruyere” en la salud mental y la vergüenza social estigma la identidad.

En España solemos hacer más cine de conflicto interpersonal. Japón muchas veces hace cine de fricción invisible entre individuo y sistema. Y hay otro detalle fascinante: Japón no siempre filma la rebelión. A veces filma simplemente el desgaste.

Eso en Occidente cuesta más porque culturalmente esperamos héroes, catarsis, denuncias claras y finales liberadores. El cine japonés en cambio puede terminar con alguien simplemente continuando su rutina y ahí está precisamente la tragedia.

Películas como Drive My Car, Una hija en Tokio (A Missing Part)), Shoplifters, Perfect Days, Monster, o incluso Tokyo Sonata hablan muchísimo de eso, personas intentando seguir funcionando mientras por dentro algo ya se ha roto.

Y creo que por eso conecto con ese cine. Porque no miro solo la superficie narrativa. Suelo detectar la tensión invisible que hay debajo de los personajes. Probablemente esa sensación que tengo sea la clave. Japón me parece muchas veces un laboratorio humano llevado al extremo de ciertas ideas modernas.

Muchos sociólogos, filósofos y psicólogos llevan décadas observando Japón casi como una “sociedad adelantada”. Hiperurbanización, envejecimiento, aislamiento social, digitalización emocional, sustitución del contacto humano, agotamiento laboral, caída de natalidad, relaciones afectivas más frías, identidades muy disciplinadas, presión por encajar. Japón parece haber llevado ciertos mecanismos de civilización moderna “hasta el final del túnel”.  Es como si el individuo estuviera continuamente limando sus bordes para no alterar la armonía colectiva.

Muchos directores japoneses parecen decir que “la sociedad funciona… pero las almas están cansadas”. Japón reduce muchísimo ese “caos humano regulador” y el resultado puede ser una sociedad elegantísima… pero emocionalmente contenida hasta extremos difíciles de comprender desde fuera. Por eso a veces el cine japonés parece casi extraterrestre para un espectador occidental. No porque los japoneses “sientan menos”, sino porque muchas emociones han sido educadas para no desbordarse públicamente. Quizás lo más inquietante sea que muchas tendencias occidentales actuales, móviles, aislamiento, hipercontrol social, fatiga mental, relaciones digitales, hacen pensar que partes del mundo se están “japonizando” lentamente. Es cuando Japón deja de parecer exótico y empieza a parecer un espejo adelantado del futuro.

El país que su gente ha sido moldeada por los terremotos, tifones, volcanes, tsunamis y han aprendido a recuperarse pronto, con coraje, con poder para levantarse en cualquier circunstancia. Porque la colectividad es más importante que el individuo, como un Ejército. 

Japón se entiende como una adaptación permanente a la fragilidad. Todo puede romperse mañana.

Por eso desarrollaron tanto la disciplina, la previsión, el control emocional, la rapidez para reconstruir, la obediencia colectiva, y la importancia del grupo en armonía. Porque cuando millones de personas viven en espacios reducidos y además bajo amenaza natural constante, el caos individual puede poner en peligro al conjunto. El lema es “aprende a convivir sin romper la armonía”. Conceptos como: Mono no aware: la tristeza suave de las cosas pasajeras y Wabi-sabi: la belleza de lo imperfecto y transitorio nacen de convivir con un mundo inestable.

Como resultado yo la defino: Una sociedad con alma de cristal dentro de un cuerpo social de acero.

Amor DiBó 

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