STOMACH IT de Peter Klausner

El tema que me ha despertado STOMACH IT es muy interesante porque toca un subgénero discreto pero muy potente. Los limpiadores de escenas de muerte, vaciado de pisos, “special cleaning”, limpieza de suicidios, kodokushi (muertes solitarias) y trabajadores que gestionan los restos materiales de una tragedia. En Japón esto tiene incluso nombre profesional: tokushu seisō gyōsha (empresas de limpieza especial). Y sí, el daño colateral psicológico aparece. Absorber las historias de los objetos, las habitaciones y las ausencias.

STOMACH IT efectivamente la película gira precisamente alrededor de un limpiador de escenas traumáticas y la imposibilidad de “digerir” emocionalmente esos restos humanos y simbólicos.

Japón

Departures (Okuribito, 2008)
No son limpiadores de escenas, sino preparadores mortuorios (nokanshi). Un violonchelista acaba trabajando con cadáveres. Habla de la dignidad de la muerte y del peso emocional del oficio. Ganó el Óscar a película internacional. El equivalente elegante y humanista al universo que roza STOMACH IT.

Room Laundering (Jiko Bukken: Kowai Madori / Room Laundering, 2018)
Aquí sí entramos en tu terreno. Una joven trabaja “limpiando” pisos donde hubo suicidios o muertes, para que vuelvan al mercado inmobiliario. El término japonés jiko bukken designa precisamente esos inmuebles estigmatizados.

The Projects (Tokyo Kodoku – documental / reportajes varios sobre kodokushi)
Hay documentales japoneses sobre empresas que vacían apartamentos de personas fallecidas solas. Más documental que ficción, pero muy reveladores.

The Mourner (The Mourner, de Shinzo Arai)
No trata limpieza, pero sí personas que viven alrededor de la muerte y del recuerdo de desconocidos.

Corea del Sur

Move to Heaven
Esta seguramente te gustará. Un joven con síndrome de Asperger y su tío trabajan en una empresa que limpia y ordena pertenencias de fallecidos (trauma cleaners). Cada episodio reconstruye una vida a través de objetos. Humanísima y muy sensible.

Cleaning Up
No va de muertes sino de limpiadoras, pero conecta con la idea de personas invisibles que observan vidas ajenas desde los restos.

Tailandia / Asia

The Medium
No es exactamente limpieza, pero sí el impacto psicológico de convivir con restos simbólicos y espacios contaminados por el trauma.

The Housemaid
Más social y psicológica: la casa absorbe secretos y heridas.

Documentales y realidad japonesa

Documentales sobre kodokushi (“muertes solitarias”) y empresas de vaciado de apartamentos. Busca términos como: “Japan lonely deaths cleaning apartments”, “kodokushi cleaners”, “special cleaning Japan”. Hay varios trabajos televisivos y reportajes muy duros.

“¿Alguien ha pedido una metáfora orgánica?”. Lo curioso de STOMACH IT es que parece coger esta profesión real y llevarla al terror corporal tipo Cronenberg: el protagonista intenta separar trabajo y emoción cubriendo fotos, retirando objetos personales y alejándose del vínculo afectivo… pero el cuerpo acaba “tragándose” el trauma. Literalmente.

¿quién limpia al que limpia? Porque todos miramos al fallecido, a la familia, al crimen… sin embargo,  pocas veces al trabajador que entra después con bolsas, guantes y silencio. El daño invisible quizá sea suyo.

Además hay una diferencia curiosa entre ambas miradas. 

Cine asiático (muchas veces japonés): La habitación conserva el alma. El objeto recuerda. El silencio pesa. El trauma se queda en el espacio. El limpiador casi actúa como arqueólogo emocional. Con unos rituales hacia el fallecido, pidiendo permiso, oraciones que respeten el alma del fallecido y despidiéndose del lugar con un silencio que sirve para el fallecido y para las personas que ejecutan el trabajo de limpieza. 

Cronenberg / terror corporal occidental: El trauma entra en el cuerpo. Se vuelve carne. El monstruo eres tú procesando algo imposible.  “¿Qué miedo da el monstruo?”, sino qué precio paga quien entra el último en una tragedia y apaga la luz. 

Por eso STOMACH IT parece hacer un puente interesante: el objeto abandonado japonés + el cuerpo que colapsa a lo Cronenberg. 

El oficio no solo limpia la escena; intenta limpiar la memoria. 

Fuck The Polis de Rita Azevedo en Caixa Forum

Acabo de ver a través de la plataforma Caixa Forum, https://caixaforumplus.org/v/fuck-the-polis Fuck The Polis, un documental 

Sinopsis: El anuncio de una enfermedad fatal lleva a Irma a Grecia, el reino de la claridad, donde emprende un viaje dictado por el dios Apolo y guiado por sus lugares sagrados. Unos veinte años más tarde, Irma vuelve a recorrer ese camino apolíneo. Entre el relato corto de João Miguel Fernandes Jorge (basado en un testimonio personal de aquel viaje) y la experiencia de la directora, 'Fuck the polis' nos transporta a las islas griegas, entre voces y mares, piedras y danzas, vientos y templos, ruinas y dioses corroídos… Es una película sobre una profunda conexión con el mundo, sobre un intento intenso de mirar lo que nos rodea, donde la historia convive con el presente y nuestros recuerdos y sentimientos subjetivos bailan con la objetividad de la realidad que nos circunda. Dirección: Rita Azevedo Gomes Portugal, 2025

Hablando del documental… 

PARLANChINES. Estrenos de Películas. 29 de mayo de 2026

 

PARLANChINES con Miguel-Fernando Ruíz de Villalobos periodista y crítico de cine,

participa con sus recomendaciones, de los Estrenos de Películas del 29 Mayo 2026

1. Un Mundo Frágil Y Maravilloso . Cyril Aris (Adso Films) 2. ¿Qué Te Dice Esa Naturaleza? . Hong Sang-soo (Atalante Cinema) 3. Conoce A Los Bárbaros . Julie Delpy (Carácter Films) 4. A La Cara . Javier Marco (Sideral) 5. Mallorca Confidencial . David Ilundáin (Filmax) 6. Fleak . Jens Møller (VerCine) Fleak: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/fleak-de-jens-mller.html ¿Qué Te Dice Esa Naturaleza?: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/what-does-that-nature-say-to-you-que-te.html The Drama: https://agoradeideas.blogspot.com/2026/05/the-drama-de-kristoffer-borgli-en-mooby.html https://agoradeideas.blogspot.com/2026/04/the-drama-la-nueva-pelicula-de.html Mallorca confidencial: https://www.bcnfilmfest.com/es/seccion-oficial/2026/mallorca-confidencial La Quinta Portuguesa: https://agoradeideas.blogspot.com/2025/05/bcn-film-fest-2025-una-quinta.html La Desconocida: https://agoradeideas.blogspot.com/2023/04/bcn-film-fest-2023-la-desconocida-pablo.html #unmundofragilymaravilloso #quetediceesanaturaleza #conocealosbarbaros #alacara #mallorcaconfidencial #bcnfilmfest2026 #fleak

Fleak de Jens Møller

La película comienza con una voz en off, que dice lo siguiente: No estamos solos en éste Universo. Un Universo con innumerables caminos que podemos recorrer a lo largo de la vida. Puede que seáis como ésta pequeña y curiosa criatura, Fleak que viaja entre distintas dimensiones en busca de nuevos amigos. Pero, a veces nos podemos perder y alejarnos de todo lo que conocemos como dos mundos lejanos que se separan poco a poco. Sin embargo, estos dos mundos pueden estar tan cerca que es posible viajar de uno a otro.

¿Es demasiado metafísico este inicio para una película infantil?. ¿Ya nos hablan de un tal Fleak y no sabemos  quién es?. 

Me  parece un inicio ambicioso y con riesgos. Entra directamente por la puerta de la  metafísica para una película dirigida a un publico de 10-12 años. Está colocando piezas simbólicas antes de que aparezca el conflicto físico de Thomas. Esto es lo que oigo en el prólogo sin saber nada de la historia:

“No estamos solos en este Universo”. Apertura cósmica. El niño deja de ser “solo un niño lesionado”. Pasa a formar parte de algo mayor.

“Innumerables caminos que podemos recorrer”. Aquí ya aparece el tema de la película: los caminos posibles de la vida. Y precisamente Thomas acaba de perder uno, caminar. 

“Podemos perdernos y alejarnos de todo lo que conocemos”. Esto ya suena menos a ciencia ficción y más a discapacidad, duelo y aislamiento. El accidente lo separa de su mundo anterior.

“Dos mundos que se separan poco a poco”. Mundo antes del accidente y el mundo de después. Niño que camina, niño que no camina. Realidad, fantasía. Incluso cuerpo, sombra.

“Es posible viajar de uno a otro”. La fantasía aparece como puente terapéutico. Fleak no sería solo criatura fantástica: podría funcionar como mediador psicológico.

Mi intuición es de que “¿no empieza demasiado arriba?”. Mientras el guion habla de universos, dimensiones y separación de mundos, el niño espectador, quizá solo quiera saber: “¿Quién es el bicho peludo y qué aventura vamos a vivir?”.

Hay películas infantiles que entran por la emoción y luego elevan la reflexión. Aquí parece que Jens Møller empieza al revés: primero la idea filosófica y luego el cuento. Mi sospecha es que no estamos ante una película “sobre un niño discapacitado que vuelve a caminar”, sino sobre aceptar la pérdida del yo anterior. Y ahí la metáfora de las dimensiones puede tener mucho sentido.

Aunque yo lo intelectualice sigo pensando que el texto de la voz en off es muy pretencioso y si yo llevara a mis nietos dirían ¿Pero que me está contando? Porque el arranque tiene tono de documental cósmico-filosófico: “No estamos solos en este Universo…” “Innumerables caminos…” “Dos mundos que se separan…” Y el niño probablemente esté todavía quitándose la chaqueta y pensando en las palomitas.

Hay una regla no escrita en cine infantil: primero capturas la imaginación, luego deslizas la reflexión. Aquí en cambio es cosmología, dimensiones, separación ontológica de mundos. Hombre… para las criaturas igual es mucho equipaje en la mochila.  El texto suena a adulto hablando para adultos a través de una película infantil.  La sinopsis que entenderían sería “Había un niño que no podía caminar y un bichito peludo vino a buscarle para luchar contra su sombra.” Eso sí entra directo.

Película: “No estamos solos en este Universo…”
Nieto: “Abuela… ¿las palomitas son dulces o saladas?”

Película: “Dos mundos se separan lentamente…”
Nieto: “¿Cuándo sale Fleak?”

Película: “Viajes entre dimensiones…”
Nieto: “Tengo sed.” 

El público infantil tiene algo maravilloso: son críticos de cine, salvajes y honestos. No hacen tesis. Hacen una pregunta letal: “¿Me aburro o no?” Y si desconectan, da igual que el guion cite a Jung, a la metafísica o a tres dimensiones paralelas con certificado filosófico.

1. La discapacidad ¿La película plantea aceptación o recuperación milagrosa? Porque ahí hay una diferencia importante.

2. Fleak ¿Es compañero, guía, conciencia, imaginación o simple criatura de aventura?

3. La sombra-monstruo ¿Representa miedo, rabia, culpa, frustración o pérdida de identidad?

Thomas pierde tres cosas de golpe, la movilidad, la identidad que tenía (niño activo, bicicleta, bosque, hermanos), y su lugar en el grupo. Ese chico que iba por el bosque “como si no hubiera un mañana” desaparece de un golpe. Y aparece otro Thomas. La sombra podría ser, la rabia + frustración + duelo + energía bloqueada. Porque el niño no acepta la rehabilitación. Está enfadado con el mundo. Y eso es muy humano.

Ahora bien… donde yo levanto una ceja es aquí: “Toda tu energía espiritual late en el Universo” Mmm… para una película infantil sobre discapacidad me parece una frase delicada. Porque puede deslizarse hacia una lectura tipo, energía interior, superación, vuelve a caminar en el mundo fantástico, armonía final

Pistas en los detalles 

Hablando de la película... 

¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra?

 ¿Es Hong Sang-soo profeta en su tierra? 

Qué gran pregunta, y además muy pertinente después de ver la película ¿Qué te dice esa naturaleza? (What Does That Nature Say To You). Esa idea de "ser profeta en tu tierra" aplica perfectamente al caso de Hong Sang-soo. Y la respuesta corta es: no, no lo es. Es un caso fascinante de un director que es un gigante en el extranjero pero que en casa vive una realidad mucho más modesta y compleja.

Basándome en la información que he podido recopilar, la respuesta tiene dos caras muy claras: el inmenso respeto de la crítica internacional y los festivales, versus la fría indiferencia del público y las polémicas internas en Corea del Sur.

El Profeta en el Mundo: Un Rey de Festivales

Aquí, la ecuación es clara. Su éxito fuera de Corea es incuestionable y te lo resumo con datos. Habitual de los grandes certámenes. Es un asiduo de los festivales más prestigiosos del mundo como Cannes, Berlín y San Sebastián. Su última película, What Does That Nature Say To You, no fue una excepción al competir en la Berlinale 2025. Palmarés abrumador. Su currículum está repleto de premios internacionales de primer nivel. Solo algunos ejemplos:

    Premio Un Certain Regard en Cannes por Hahaha (2010) .

    Leopardo de Oro en Locarno por Right Now, Wrong Then (2015) .

    Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastián por Lo tuyo y tú (2016) .

    Oso de Plata (Gran Premio del Jurado) en Berlín por The Novelist's Film (2022) y de nuevo en 2024 por A Traveler’s Needs.

Los críticos y la cinefilia más exigente lo adoran. Se le considera una voz única, que conecta la tradición del cine moderno occidental (como Rohmer) con la de maestros orientales (como Ozu), creando un estilo narrativo completamente personal basado en la repetición, el azar y el alcohol como detonante de la verdad.

En su Tierra (Corea del Sur): Taquillas Frías y una Sombra Personal

Aquí la historia cambia radicalmente. El consenso general es que sus películas no cosechan grandes éxitos comerciales en Corea del Sur . Y la magnitud de esa indiferencia se puede medir con números.

Por ejemplo, tomemos su película En lo alto (2022). Circuito de festivales pasando por Toronto, San Sebastián y Busan. 

Estreno comercial en Corea del Sur: Se estrenó el 3 de noviembre de 2022 en 57 salas y fue vista por 6,134 espectadores. Recaudó el equivalente a unos 43,000 dólares. Para que te hagas una idea, cualquier producción comercial surcoreana media vende cientos de miles de entradas solo el fin de semana de estreno. Su impacto en taquilla es prácticamente testimonial. Pero el dato más revelador, y el que creo que es la clave para entender por qué no es un "profeta", no es solo comercial, sino personal y social.

La relación extramatrimonial de Hong con su musa, la actriz Kim Min-hee, fue un escándalo mayúsculo en Corea del Sur en 2016-2017. Esto dañó seriamente su reputación en un país con valores sociales todavía bastante conservadores en estos aspectos. Aunque su esposa se negó a concederle el divorcio, él ha mantenido su relación con Kim Min-hee de forma pública. Este factor, sin duda, influye en cómo el gran público coreano percibe su figura. Mientras Occidente celebra su cine como el de un "autor", en Corea una parte importante de la audiencia lo ve a través del prisma de ese escándalo personal.

What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?) de Hong Sang-soo

FICHA TÉCNICA 

Título original: Geu jayeoni nege mworago hani (그 자연이 네게 뭐라고 하니)
Título internacional: What Does That Nature Say To You (¿Qué te dice esa naturaleza?)
Año: 2025
País: Corea del Sur
Duración: 108 minutos
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Producción: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Montaje: Hong Sang-soo
Productora: Jeonwonsa Film Company
Reparto: Ha Seong-guk (Dong-hwa), Kwon Hae-hyo (padre de Jun-hee), Cho Yun-hee, Kang So-yi, Park Mi-so. La película compitió en la Berlinale 2025.

Sinopsis:

Dong-hwa, un poeta de treinta y tantos años, acompaña a su novia a la casa familiar de ella. Lo que debía ser una visita breve acaba convirtiéndose en una jornada entera de conversaciones, comida, alcohol y observación mutua.

La familia lo examina. Él observa la naturaleza, la casa, los árboles y el silencio. El padre de la novia lo estudia como quien evalúa una inversión de riesgo. Y poco a poco surge la pregunta incómoda: ¿es un hombre libre… o simplemente alguien que ha huido del mundo?

ANÉCDOTAS DEL RODAJE, ACTORES Y DIRECTOR

Es la película número 33 de Hong Sang-soo. Una filmografía que ya parece un diario filosófico filmado. 

Como es habitual en él, Hong vuelve a ejercer casi todos los oficios: director, guionista, productor, músico, fotógrafo y montador. Hace cine como quien cocina solo en casa: abre la nevera y dice “veamos qué hay hoy”.

La producción estuvo supervisada por Kim Min-hee, colaboradora habitual y directora de producción en esta ocasión. No aparece delante de cámara.

La película fue seleccionada en competición oficial de la Festival Internacional de Cine de Berlín 2025, siendo una nueva presencia del director en el certamen. 

El cine de Hong sigue usando su estética habitual: planos largos, zooms discretos, conversaciones aparentemente casuales y alcohol como reactivo químico de la verdad. Si alguien bebe en una película suya… conviene prepararse porque la sinceridad suele llegar unos vasos después.

Hablando de la película... 

5 ESCENAS CLAVE

The Drama de Kristoffer Borgli en MOOBY Gran Sarrià Club

MOOBY Gran Sarrià Club

¿A que ahora tienes curiosidad de qué encontré, al volver a ver The Drama 

en menos de un mes?. 

The Drama la nueva película de Kristoffer Borgli protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson

Casi diría yo que hice trabajo de campo cinematográfico con reincidencia voluntaria. Me fijé en el libro que es motivo de contacto entre los protagonistas The Damage de Haper Ellison. No es un libro real sino una obra ficticia creada específicamente para la película de Kristoffer Borgli. Borgli ha dicho que The Damage es en realidad un proyecto en el que ha estado trabajando como su propia película. Eso es muy interesante porque   el libro deja de ser atrezo y pasa a ser semilla narrativa.

Si The Damage no existe y Borgli ha dicho que en realidad es un proyecto suyo, entonces la película hace algo muy curioso: mete una película futura dentro de una película presente. Una especie de muñeca rusa creativa.Y el título ya es una pista enorme, The Damage, El Daño.

El daño.

Porque en The Drama el tema no es realmente el secreto de Zendaya. El tema es: ¿qué hace una verdad perturbadora al vínculo? ¿Qué daño deja? ¿Cómo deforma la imagen ideal del otro? Y mira qué bonito queda simbólicamente. El libro une a la pareja al primer contacto. El contenido (el daño) separa a la pareja. Es casi una premonición escondida a plena vista. Además, conociendo a Borgli y su gusto por los dobles niveles (Dream Scenario ya jugaba con identidad, fama y proyecciones), no me extrañaría que The Damage fuera una idea que él todavía esté “incubando” y la haya dejado aquí como huevo cinematográfico. Además si el libro aparece varias veces, habría que recordar quién lo sostiene en cada momento. Porque en cine los objetos viajan. Y cuando cambian de manos, cambian de significado.

Bueno el siguiente punto que he valorado precisamente es una cuestión de valor moral, valga la redundancia. Cuatro personajes que cometen una maldad inconfesable hasta ese momento que se encuentran degustando el menú de la boda, antes de que ésta suceda. Cuatro historias inconfesables y que hablan de la maldad humana. La primera, el protagonista que se esconde detrás de su novia porque son atacados por un perro y la utiliza de escudo humano. La segunda, la protagonista, encierra un niño en un cajón de armario de una caravana en medio del bosque, se va a su casa, hay alarma en el pueblo de que el niño ha desaparecido, ella está presente en cómo reacciona la gente, no dice nada y a la mañana siguiente las personas encuentran al niño. La tercera persona hace mobbing online a un niño y la cuarta persona, que es el personaje de Zendaya, explica que en su adolescencia pensó coger el fusil de su padre y entrar en el colegio para hacer una masacre. Tres protagonistas están moralmente tranquilizados porque el delito (no consumado) de Zendaya es el más fuerte. Esta conclusión me pareció muy perturbadora. El futuro marido al final de la película comprende la motivación de su esposa porque él es inglés y opina que en el colectivo americano asumen, cualquiera que pueda entrar en un colegio y hacer una masacre. La película organiza una mesa de confesiones sobre la maldad humana, delitos sin consumación o sin castigo.

Los cuatro personajes no son asesinos. No son criminales condenados. Son personas normales que cargan con una sombra:

Primero: supervivencia egoísta → usa a su pareja como escudo ante el perro. Segundo: crueldad pasiva → provoca un daño y observa el sufrimiento colectivo sin intervenir. Tercero: violencia digital → el daño moderno, sin contacto físico. Zendaya: violencia imaginada → el crimen que nunca sucedió. Los otros tres quedan moralmente absueltos porque aparece una culpa/daño “más grande”. “Lo mío no fue tan grave…” Y hay otra capa interesante, ninguno consumó el acto extremo.

La película no está juzgando crímenes. Está juzgando la posibilidad del mal. ¿Qué hacemos con alguien que pensó algo terrible y no lo hizo?. Lo definimos ¿Por la intención, por la acción, por el arrepentimiento?

La interpretación del personaje de Pattinson (británico frente al imaginario estadounidense) me parece interesantísima porque él acaba desplazando la pregunta: No piensa tanto “¿mi futura esposa es peligrosa?” sino “¿Y si ésta fantasía no es solo  suya? ¿Y si forma parte de una ansiedad colectiva americana?”. Y ahí el personaje deja de verla como monstruo individual para verla como síntoma. Eso no la absuelve. Pero cambia el foco. “The Drama no habla de una mujer con un secreto. Habla de cuatro personas que sobreviven moralmente comparando sus sombras.” La película propone una inquietante bolsa de valores ética: cuando aparece una culpa gigantesca, las pequeñas dejan de cotizar.

Y finalmente se plantea la fascinación de la adolescencia por las amas, su estética, ese querer conocer que es la muerte. Propia de la ignorancia al rito de paso adolescente.

El encuentro temprano con la violencia como parte del crecimiento humano. The Drama toca algo parecido. La confesión de Zendaya no habla necesariamente de una asesina frustrada. Puede leerse como una adolescente fascinada por el poder, la muerte y el límite. La adolescencia hace preguntas peligrosas porque aún no conoce el peso real de las respuestas.Hay una edad donde la muerte todavía es una idea estética, abstracta,  cinematográfica. No tiene rostro. No tiene ataúd. No tiene padres llorando. Y quizá Borgli plantea precisamente eso: ¿Qué hacemos con los pensamientos monstruosos de la adolescencia?. Las armas tienen una estética. Han tenido fascinación visual desde la espada medieval hasta el revólver del western o el fusil moderno. Poder, rito, identidad, transformación. “A cierta edad las armas parecen objetos; después descubres que siempre apuntaban a personas.”

Amor DiBó @amordibo

Fotógrafo: Ton Fabregat @fabregatgrau

PARLANChINES. El Cochecito de Marco Ferreri (1960) con Gabriel

PARLANChINES. El Cochecito de Marco Ferreri (1960) con Gabriel

Don Anselmo, un anciano ya retirado, decide comprarse un cochecito de inválido motorizado ya que todos sus amigos pensionistas poseen uno. La familia se niega ante el capricho del anciano, pero él decide vender todas las posesiones de valor para comprárselo... Un clásico del cine español con el gran Pepe Isbert y guión de Azcona y Ferreri.

MOOBY Gran Sarrià Club

 MOOBY Gran Sarrià Club

📍 Ubicación: Ronda General Mitre 38-44, Barcelona.

“Del cine de masas al cine-salón: ¿el futuro del espectador?”

Durante décadas el cine compitió con la televisión. Después con las plataformas de streaming. Ahora quizá compita con otra cosa: la necesidad humana de reunirse. Tal vez el futuro no sea una pantalla más grande, sino volver a crear lugares donde compartir historias.

El dato técnico es que son 417 butacas para 8 salas significa una media de 52 plazas por sala. Es casi micro-cine premium.

El modelo de negocio lo ordenaría así:

1. Cine tradicional → Cine-experiencia → Cine-club social

El Mooby Gran Sarrià Club parece moverse hacia la proyección + restauración + encuentro + exclusividad. No tanto “vendo entradas”, sino vendo permanencia y experiencia.

Porque si una entrada son 11–13 € y añades: refresco + aperitivo: 8–12 € ó algo más elaborado: 15–20. La sesión puede ir fácilmente a 25–35 € por persona. Ahí ya compite menos con las plataformas y más con: cine + cena + salida social. El espectador solo ve el artículo final; detrás hay un pequeño ecosistema funcionando.

2. Empresas y eventos privados

Con salas de 30–75 plazas tienes escalas ideales para presentaciones corporativas, lanzamientos de producto, reuniones de inversión, pases privados, escuelas de negocio, congresos pequeños, cinefórum, aniversarios, cumpleaños cinéfilos

CINESA ya explora esto, pero aquí el tamaño pequeño juega a favor: una sala de 40 personas se llena rápido y crea sensación de exclusividad.

3. Sarrià como ecosistema social

Un tema muy “barcelonés”. Sarrià tiene perfil de barrio donde funcionan las cafeterías de autor + librerías + restaurantes + espacios tranquilos + público familiar y profesional.

El cine puede convertirse en punto de reunión “quedamos en el Mooby” y no solo “vamos a ver una película”.

4. Restaurantes con cine

Recordé dos modelos históricos. Cines-restaurante / dinner theaters de EE.UU y cine de verano con mesa, bebida y conversación lenta. Porque el cine a la fresca nunca fue solo película. Era, película + comunidad + verano + encuentro. Quizá Mooby intenta traer eso… pero con aire acondicionado y reclinación eléctrica 😄

¿Estamos creando un cine premium… o estamos domesticando el cine hasta convertirlo en un salón?

Porque el cine nació colectivo, luego se hizo masivo… y ahora parece regresar a algo íntimo. Como los antiguos cine-clubes. Solo que cambiamos las sillas plegables por sofás motorizados y el coloquio por nachos gourmet.

¿Para qué públicos funciona este formato?

1. Público adulto / cinéfilo silencioso es Ideal.

Yo corroboro la frase “no voy al cine a escuchar masticar palomitas, oler ni oír sorbidos” representa a mucha gente que dejó de ir. El problema: el cine moderno a veces parece: Película + ASMR involuntario de nachos + sorbidos Dolby Atmos. Si el aforo baja, el espacio aumenta y el público paga un poco más,  ¿podemos llegar a pensar que aparecer un filtro natural: menos ruido y más atención?.

2. Parejas y público +40 / +50 / +65

Creo que aquí Balañá ha olido mercado. Hay mucha gente que ama el cine pero no quiere la butaca estrecha, rodillas pegadas, salir con la espalda doblada, sesión abarrotada. El sofá reclinable convierte la salida al cine en una experiencia más lenta y cómoda.

3. Público joven “experiencia”

Puede funcionar si lo viven como evento: “Vamos al cine premium”. Competir hoy con Netflix, sofá de casa y pantallas gigantes obliga a ofrecer algo que en casa no existe.

Durante años el cine quiso parecerse al salón de casa (sofás, reclinables, comida). Ahora intenta volver a vender silencio y atención, que precisamente es lo que hemos perdido en casa.

#MoobyCinemas #MoobyGranSarriaClub

Amor DiBó

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