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sábado, 8 de noviembre de 2025

AFFBCN 2025. Dito (Here) de Takashi Yûki


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DitO (2024)

Dirección: Takashi Yuki
Guion: Kenji Qurata
Países: Japón / Filipinas
Idiomas: Tagalo, japonés
Género: Drama familiar / deportivo / intercultural
Duración: 115 min aprox.
Año de estreno: 2024
Distribución: Japan Foundation Manila – AFFBCN 2025

Sinopsis

Un ex boxeador japonés, Eiji Kamiyama, busca redimirse en Filipinas tras años de derrotas personales y profesionales. Cuando su hija Momoko aparece para comunicarle la muerte de su madre, ambos se ven obligados a convivir en un país ajeno, donde ni siquiera comparten el idioma ni la forma de entender el mundo.

El boxeo, convertido en religión vital, estructura su relación: cada entrenamiento, cada golpe recibido y cada caída se transforma en un rito de purificación. Pero la redención se complica cuando ambos son engañados por otros japoneses asentados en Filipinas, lo que los obliga a mirar su propia identidad como extranjeros dentro y fuera de su cultura.

A medida que aprenden tagalo para sobrevivir y comunicarse, el idioma se vuelve símbolo de integración, de un “aquí” (dito) que ya no es solo un lugar geográfico, sino un estado emocional. La historia culmina en La Trinidad, provincia de Benguet, donde padre e hija intentan construir un nuevo comienzo entre los colores vivos de un barrio que recuerda a las favelas brasileñas: un caos bello, tan precario como lleno de vida.



Anécdotas y curiosidades

Rodaje en localizaciones reales: las escenas en La Trinidad (Benguet) fueron filmadas con habitantes locales que no son actores profesionales, aportando veracidad al retrato social.

Decisión lingüística: el director insistió en que ninguno de los personajes japoneses pronunciara una palabra en español, a pesar de la presencia colonial española en Filipinas, para subrayar que su integración pasa por el tagalo, no por un pasado común impuesto.

El título doble: DitO significa “aquí”, pero también puede leerse como “Do it”, una llamada al acto, al movimiento, al renacer, jugando con el bilingüismo del propio relato.

Influencias visuales: Yuki se inspiró en la Ciudad de Colores de Baguio, famosa por sus murales en pendiente, para representar la esperanza dentro del caos.

Simbolismo del color: los tonos vivos de las casas contrastan con la gama apagada del gimnasio de boxeo, marcando el tránsito entre el encierro y la apertura, entre el ring y la vida real.


Hablando de la película...

miércoles, 5 de noviembre de 2025

AFFBCN 2025. Green Wave de Lei Xu con Kelly Clemencia

 

Green Wave (2024) — de Xu Lei


Ficha técnica y datos relevantes

Título original chino: 前程似锦 (literalmente “Un prometedor porvenir”). 

Director: Xu Lei.

País: China, año 2024.

Duración: según el festival de Barcelona 106 min.

Género: Comedia dramática / “dramedy” con fuerte componente generacional. 

Sinopsis breve: Wei Fei, un guionista en Pekín que sueña con ser escritor “serio”, vive de bohemia, bebiendo, esperando un éxito que nunca llega. Su padre, Lao Wei, viene del pueblo con una pieza de cerámica que podría valer mucho, y los dos se enfrentan y reconocen sus ingenuidades, sus fallos de expectativas, sus sueños.


Anécdotas y curiosidades

  • El propio padre del director está en el reparto: Xu Chaoying, padre de Xu Lei, interpreta a Lao Wei. Esto aporta al film una dimensión casi autobiográfica, o al menos íntima.
  • Xu Lei reconoce que la película no se basa en un conflicto extremo entre padre e hijo, sino en una distancia común, cotidiana, entre dos personas que viven juntos o cerca pero se sienten extraños.
  • El título chino “Promising Future” (前程似锦) se transforma en “Green Wave” para su circulación internacional, lo cual quizá está cargado de ironía: la “ola verde” o “ola prometedora” que no resulta tan oleada.
  • Durante la promoción, Xu Lei habló de cómo creció en el campo (“rural area”) y más tarde se desplazó a la ciudad, y de cómo ya de joven percibía que no entendía del todo su origen. Esa sensación se traslada a la película. 
  • La película fue seleccionada como apertura del Far East Film Festival en Udine (Italia) en 2025.
  • En el relato aparece la cerámica hallada en la demolición de la casa ancestral del padre, lo que funciona como símbolo de valor, herencia, ruina y oportunidad. Esta pieza aparece como impulso narrativo y metáfora. 
  • Xu Lei menciona que quiso dejar “espacio” en la película para que el espectador pueda “verter sus propias emociones”. 

Hablando de la película...

domingo, 2 de noviembre de 2025

AFFBCN 2025. Ravens de Mark Gill con Kelly Clemencia

 

AFFBCN 2025

El Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN llega este otoño con una programación que quiere ser lo más representativa posible, desde Irán hasta Nueva Zelanda, del cine experimental e independiente más reciente del continente asiático.
Ágora de ideas está presente este año con @kellyclemencia.

Ficha Técnica Película: Ravens Año: 2024 País: Japón Duración: 117 Idioma: VOSE Género: Drama, Biografía Sinopsis: El aclamado fotógrafo japonés Masahisa Fukase, que murió en 2012, es reconocido por su libro de fotografía The Solitude of Ravens (1976-82), con unas imágenes sombrías de pájaros a lo lejos, que evocan temas relacionados con el aislamiento y la tragedia. Esta obra fue su respuesta al devastador divorcio de su segunda esposa, Yōko Wanibe. Durante los turbulentos años que pasaron juntos, no dejó de fotografiarla. Ella fue modelo, colaboradora y objeto de su obsesión. Un retrato intenso de un hombre apasionado, atrapado en un triángulo amoroso entre su esposa y su arte. La película está rodada en Tokio, en los mismos lugares donde Fukase pasó la mayor parte de su vida. Director:
Mark Gill es un guionista y director de cine inglés procedente de Mánchester. Se graduó en la University of Central Lancashire en 2007 y ha estado activo desde 2011. Fue nominado por la Academia a Mejor Cortometraje de Ficción por su ópera prima, The Voorman Problem (2014). Su segundo largometraje, Ravens (2024), se estrenó en el Austin Film Festival de 2024, donde obtuvo el Marquee Film Audience Award. La película está protagonizada por el aclamado actor Tadanobu Asano, nominado al Emmy y ganador del Globo de Oro por Shōgun (2024).

Escenas clave, algunas anécdotas/curiosidades, y los temas que invitan a reflexión


Escenas clave

La sesión fotográfica con “cuervos” en Hokkaidō
Hacia el tramo medio-alto de la película, el protagonista Masahisa Fukase se traslada a su región natal (Hokkaidō) y realiza una serie de fotografías de cuervos que funcionan como espejo de su disolución emocional, de su ruptura matrimonial y de su soledad creativa. Esta escena articula visualmente su dolor y obsesión. 

La confrontación con su esposa Yoko y la cámara como espejo
Una escena-nudo: Fukase interroga a Yoko sobre su partida (o desprecio) vía la distancia que la cámara va marcando entre ellos. En la escena la cámara se vuelve instrumento de vigilancia y de amor, al mismo tiempo. Permite evidenciar el desequilibrio entre fotógrafo-objeto-musa.

El aparición del “humano-cuervo” / manifestación interior de la culpa
En un momento que introduce lo casi fantástico, aparece un personaje disfrazado de cuervo (o una presencia simbólica de cuervo) como interlocutor/alter ego que cuestiona al fotógrafo. Esta escena no es sólo estilística, sino que dramatiza la batalla interior del artista con su legado, su soledad y su obsesión. 


Anécdotas y curiosidades

El director Mark Gill descubrió el trabajo de Masahisa Fukase a través de un artículo en The Guardian, lo que le llevó a investigar durante años antes de rodar la película. 


Para representar al “cuervo”, Gill optó por una criatura práctica (costume/cuerpo) y no solo VFX, porque quería que los actores interactuaran con algo físico en el set. 


El rodaje se llevó a cabo en Tokio y en localizaciones reales que Fukase frecuentó, incluyendo calles de Shinjuku / Golden Gai, lo que aporta autenticidad al entorno cultural y urbano.


La película, siendo producción multinacional (Reino Unido, Japón, España, Francia, Bélgica) se estrenó en varios festivales: por ejemplo cerró la Sección Oficial del Festival de Málaga en marzo de 2025. 


En entrevistas, el actor Tadanobu Asano mencionó que, tras ver por primera vez las fotos de Fukase, sintió “una incomodidad extraña” al entender la relación con Yoko, lo que le ayudó a construir su actuación. 


Temas para reflexionar

Obsesión artística y autodestrucción: La película plantea cuán fino es el límite entre dedicación al arte y destrucción personal. La figura del fotógrafo que persigue la imagen perfecta al precio de perderlo todo.

Objeto / sujeto / musa: La cámara convierte a Yoko en objeto de la mirada de Fukase; la reflexión puede girar en torno a la cosificación del otro, y al coste emocional de ser musa o ser objeto.

Soledad existencial en la fama tardía: Fukase alcanza reconocimiento por su obra sobre los cuervos, pero esa fama va acompañada de aislamiento, incomprensión; se puede investigar cómo la creación puede aislar al creador.

Relación entre vida personal y obra artística: Qué parte de la vida se registra y qué parte se sacrifica; cómo la obra puede ser espejo, pero también cárcel.

Metáfora del cuervo como presencia simbólica: El cuervo como figura de la culpa, del recuerdo, del talento doméstico que se vuelve monstruo; invita a pensar la carga simbólica que el arte arrastra cuando lo íntimo se hace público.

Cultura japonesa, post-guerra y trauma personal: En el trasfondo está Japón de posguerra, la ruptura generacional, la presión familiar, el individuo que se rebela o sucumbe. La película permite abrir la mirada a ese contexto más amplio.









Clemencia P. Medeiros 

Instagram: @kellyclemencia

AFFBCN 2025. Good Luck de Adachi Shin con Kelly Clemencia

 

AFFBCN 2025

El Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN llega este otoño con una programación que quiere ser lo más representativa posible, desde Irán hasta Nueva Zelanda, del cine experimental e independiente más reciente del continente asiático. Ágora de ideas está presente este año con @kellyclemencia. Película. Good Luck de Adachi Shin Ficha Técnica Año: 2025 Duración: 104 Idioma: VOSE Género: Drama, Crime País: Japón Sinopsis: Taro es un cineasta independiente que es invitado a la proyección de su nuevo documental personal en un festival de cine en la prefectura de Oita. Aunque acude con mucho entusiasmo, no tarda en derrumbarse tan pronto como la organizadora del festival critica duramente su película. Taro no asiste a la fiesta inaugural y al día siguiente se marcha a un pueblo vecino. Allí, conoce a una mujer llamada Miki, con quien decide hacer un pequeño viaje. A lo largo de su breve encuentro, se sinceran el uno con el otro, estrechando el vínculo que se ha establecido entre ellos. Pero cuando Taro regresa a Tokio, su novia lo está esperando. Director:
Adachi Shin (1972) es un guionista y director japonés. Después de graduarse en el Japan Institute of the Moving Image, estudió con el director Somai Shinji. Empezó a escribir guiones después de trabajar como ayudante de dirección. En 2015, ganó el 39º Japan Academy Film Prize al Mejor Guion por 100 Yen Love (2014). Su película más reciente, Good Luck (2024), ha participado en el Festival Internacional de Cine de Tokio, en el Udine Far East Film Festival y en el Fribourg Asian Film Festival.

Escenas clave, algunas anécdotas/curiosidades, y los temas que nos hacen  reflexionar 


Escenas clave

La proyección y la crítica cruel – Cuando en el festival el protagonista Taro Yoshiyama presenta su documental y la organizadora del festival le dice abiertamente que lo encuentra “poco interesante”. Este momento actúa como detonante de su deriva emocional. 

El encuentro con Miki y la escapada de un día – Al día siguiente Taro conoce a Miki Sunahara, que lo lleva a pasar una jornada fuera de su rutina (camping, casa-árbol, etc.). Es aquí donde el personaje se abre, admite inseguridades y empieza a vivir un pequeño momento de “interrupción” de su vida habitual. 

El regreso a Tokyo y la espera de la novia – Finalmente Taro vuelve a la ciudad, donde lo espera su novia (Yuki) que lo financia y sostiene económicamente. La escena resume el contraste entre el impulso de fuga, el deseo de autenticidad y la estructura de vida que él mismo está sosteniendo mientras no se atreve a cambiarla. 


Anécdotas y curiosidades

La película nació como un proyecto de cortometraje dentro del “Beppu Short Film Project” en la prefectura de Oita, pero luego se amplió a largometraje.


Adachi Shin dice que el protagonista es casi un alter-ego suyo: su “sentimiento de ansiedad” al hacer película aparece en Taro.


La estructura del film tiene tono de “road-movie minimalista” + “Before Sunrise” estilizado: dos seres que se encuentran fuera de su mundo usual y se abren, sin grandes acontecimientos.


No es una comedia al uso, aunque hay momentos de ligereza: pero el trasfondo es existencial y realista, sin necesidad de explosiones dramáticas. 


Temas para reflexionar

La pasividad creativa y el miedo al éxito: Taro es cineasta, pero vive de su novia y no se atreve a definirse. ¿Cuántos sueños quedan en espera por comodidad o miedo?

Encuentros efímeros y autenticidad: El muro que se rompe con Miki surge de un instante fuera del mundo familiar. ¿Qué valor tienen esos instantes que podrían cambiarlo todo, pero no se prolongan?

Relación arte-vida: Su documental fracasa en ojos ajenos; ¿qué nos dice esto sobre la valoración del arte, la autoexigencia y la visibilidad?

La estructura socio-económica del artista: ¿Qué sucede cuando tu relación sentimental sostiene tu obra? ¿Cuánto pesa ese sustento externo en tu libertad creativa?

Fuga versus regreso: El viaje lleva a otro lugar, pero el regreso es a lo mismo. Este contraste permite preguntarse sobre la transformación real en la vida del protagonista.









Clemencia P. Medeiros 

Instagram: @kellyclemencia

AFFBCN 2025. The Land of Morning Calm de Park Ri-woong con Kelly Clemencia


AFFBCN 2025

El Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN llega este otoño con una programación que quiere ser lo más representativa posible, desde Irán hasta Nueva Zelanda, del cine experimental e independiente más reciente del continente asiático.

Ágora de ideas está presente este año con @kellyclemencia. Película: The Land of Morning Calm Ficha Técnica Año: 2024 Duración: 114 Idioma: VOSE País: Korea Género: Thriller, Social Sinopsis: Yeong-guk, el capitán de un viejo barco de pesca, reside en un pequeño pueblo de la costa. Vive solo, tras haber perdido a su hija hace unos años. Cada mañana, cuando sale al mar, lleva consigo a un único tripulante, un hombre de treinta años llamado Yong-su. Este último convive con su madre y su esposa, una mujer vietnamita que fue traída a Corea del Sur para casarse a través de un matrimonio concertado. Aunque parece que Yong-su tiene una vida feliz, la tristeza en sus ojos denota algo más. Una mañana, ambos protagonistas salen al mar, pero al cabo de unas horas solo regresa uno de ellos. Director: Park Ri-woong es un cineasta surcoreano que comenzó su carrera como periodista, antes de estudiar cine en la Korea National University of Arts. Hizo su debut como director con The Girl on a Bulldozer (2022), que obtuvo el premio al Mejor Nuevo Director en la 58ª edición de los Grand Bell Awards. Su segundo largometraje, The Land of Morning Calm (2024) obtuvo el New Currents Award, el KB New Currents Audience Award, y el NETPAC Award en el Festival Internacional de Cine de Busan de 2024.

Aquí tienes tres escenas clave de The Land of Morning Calm (2024) de Park Ri‑woong, junto con algunas anécdotas y curiosidades.


Escenas clave

La partida al mar y el regreso solitario
Una de las primeras escenas fuertes muestra al viejo capitán Yeong-guk saliendo al mar con Yong-su como único tripulante, estableciendo la rutina cotidiana del pueblo costero. Poco después, solo Yeong-guk regresa a puerto. Esta escena marca el tono: la aparente normalidad se resquebraja.
Tiene valor simbólico: el mar tranquilo como fachada, y la ausencia del otro como grieta en esa calma.

La cena familiar y el peso de la espera
Hay un momento íntimo en que la esposa vietnamita de Yong-su, la madre de Yong-su, y él comparten una cena aparentemente banal, pero los silencios lo dicen todo: su deseo de escapar, su alienación en ese entorno y la tensión entre lo que “se ve” y lo que “se siente”. Este tipo de escena subterránea aparece en los análisis sobre la inmigración hacia zonas rurales coreanas.
Puedes usar esta escena para subrayar cómo lo cotidiano (la mesa, la comida) se convierte en escenario de conflicto emocional.

El enfrentamiento interno del capitán ante el abandono
Hacia el final, Yeong-guk contempla dejar marchar a Yong-su y su mujer, entendiendo que su pueblo ya no tiene futuro. No hay grandes explosiones, pero en un gesto sencillo (por ejemplo: soltar la red, dejar de remar, mirar al horizonte) se resume su aceptación resignada. La escena final respira melancolía y nunca es totalmente explicada: seguimos la historia “desde lo que Yeong-guk entiende”. “La verdad que se esconde bajo las apariencias”.

Anécdotas y curiosidades

Park Ri-woong confesó que buscó un lugar real donde no quedaran “cafés, moteles, infraestructuras turísticas”: comenzó un rastreo de 45 días por la costa este de Corea en busca de un pueblo que aún tuviera la autenticidad de un pueblo de pescadores: la soledad de las casas, el mar ancho, la rutina de la pesca.


El rodaje fue breve: comenta que tuvieron solo 28 días para filmar, por lo que cada escena y plano fueron “planificados al milímetro”. Este dato puede dar contexto a la economía de medios de la película, y a cómo el tiempo de rodaje condiciona el estilo sobrio.


La pieza angular de la trama (el plan de Yong-su de fingir su muerte para huir a Vietnam con su esposa) se inspiró en hechos reales de pueblos costeros de Corea: el declive demográfico, la presencia de matrimonios de conveniencia con mujeres del Sudeste Asiático, la emigración de los jóvenes. Este aspecto social enlaza con los macro‐contextos (despoblación rural, globalización periférica, identidades migrantes).


El actor veterano Yoon Joo‑sang (Yeong-guk) fue “descubierto” por muchos críticos como el corazón del film: su interpretación refleja un ritmo interno muy distinto al de la juventud del pueblo, y su presencia aporta una textura diferente a la historia.


La película ganó varios premios importantes en el Busan International Film Festival 2024: el New Currents Award, el KB New Currents Audience Award y el NETPAC Award.


Cuando el mar calla más que los hombres

De cómo el mar funciona como metáfora: calma aparente, profundidad insondable, peligro latente.

Saber como es el cuerpo social del pueblo: los rostros que ya no esperan, las casas vacías, la pesca que agoniza.

La conexión migrante: la presencia de la esposa vietnamita como figura de pertenencia, el deseo de huir, la construcción de hogar y no‐hogar.

La soledad del envejecimiento, la invisibilidad de la mujer migrante, la resignación del hombre que ya no sueña.

La “calma” del título es ese amanecer que no despierta a nadie, ese mar que guarda más muertos que peces. 

La partida y el regreso solitario: simboliza la fractura del vínculo comunitario.

La cena silenciosa: encarna la fractura emocional, donde la inmigración y la rutina se sientan a la misma mesa.

Retoma la metáfora del mar: no es el mar el que envejece, sino los hombres que dejaron de mirarlo con deseo. 

Y ahí está la “bofetada para despertar”: una Corea periférica donde ni los sueños ni las redes pescan ya nada.

El viento del mar funciona casi como personaje; y que Yoon Joo-sang —ese rostro cansado pero luminoso— es el último guardián de una memoria que nadie reclamará.













Clemencia P. Medeiros 

Instagram: @kellyclemencia


miércoles, 29 de octubre de 2025

AFFBCN 2025. Climbing for Life. La pasión por la montaña de Junji Sakamoto con Kelly Clemencia

Director:  Junji Sakamoto 

Japón, 2025

Climbing for life tuvo su premier mundial el 19 de octubre en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (SSIFF) y el 27 de octubre inaugura el 38º Tokio International Film Festival (TIFF) 2025.

Sinopsis: narra la vida de Junko Tabei, la primera mujer en coronar el Everest (1975) y completar el reto de las Siete Cumbres. La película recorre su hazaña histórica y su lucha personal contra la enfermedad en sus últimos años, mostrando su pasión inquebrantable por la montaña.

Duración: 130 minutos.
Género: drama documental biográfico y aventura.
Reparto: Sayuri Yoshinaga (en el papel de Tabei), Koichi Sato, Yuki Amami y Non (Rena Nōnen)Dirección y guión: Junji Sakamoto, con guión de Riko Sakaguchi

El estreno coincide con el 50 aniversario de la ascensión al Everest, lo que refuerza su valor histórico y mediático. Descrita como "una obra conmovedora y universal sobre la resiliencia humana", con especial elogio a la interpretación de Sayuri Yoshinaga, considerada un icono del cine japonés.

Tres escenas clave

El ascenso al Everest (1975) y la cima del mundo

Uno de los ejes dramáticos: la escena en que Junko Tabei alcanza la cumbre del Everest, convirtiéndose en la primera mujer en hacerlo. Este momento no solo es simbólico de logro deportivo sino también de ruptura de barreras sociales.

Por qué es clave: Marca el “techo” literal y simbólico de la protagonista, y a partir de ahí se despliegan las consecuencias, la atención mediática, la presión, la vida pública frente a la privada.


La vida personal y el impacto en la familia

Cuando la película se adentra en cómo ese logro, afecta a su círculo más cercano, esposo, hijos, compañeros de montaña y cómo la protagonista debe conciliar su pasión con las responsabilidades humanas.

Por qué es clave: Porque la película no solo se centra en la “hazaña” sino también en las sombras del éxito, los sacrificios, la continuidad de la vida tras la cima.

Qué fijarse: en los diálogos familiares, en las imágenes que muestran la cotidianidad versus el escenario extremo de la montaña, en cómo cambia la luz, la atmósfera, los silencios.


El final de la vida, la enfermedad, la montaña como destino vital

Finalmente, donde aparece la enfermedad terminal que Junko Tabei afronta, junto con su inexorable llamado a volver a la montaña o a reconocer lo que significa “la cima” en otro sentido.

Porque da el matiz de trascendencia: no es solo una historia de éxito deportivo, sino de enfrentarte al tiempo, a la mortalidad y al deseo.

La creación de la escena final con el paisaje, la luz crepuscular y el montaje, nos avisa de cómo se representa la enfermedad, más allá de la cima literal.


Algunas anécdotas y curiosidades interesantes


El film fue seleccionado para abrir el Tokyo International Film Festival (TIFF) edición 38 el 27 de octubre de 2025, y es también parte de la programación del Asian Film Festival Barcelona (AFFBCN2025).


El rodaje se efectuó entre agosto y noviembre de 2024, en diversas localizaciones de Japón, incluyendo regiones montañosas y condiciones invernales adversas.


La protagonista Sayuri Yoshinaga es una actriz de larga trayectoria en Japón, y esta película es la número 124 en su filmografía, colaborando de nuevo, después de 13 años con el director Sakamoto.


La propia Junko Tabei (1939-2016), a quien retrata la película, además de su hazaña en el Everest, fue también la primera mujer en escalar las Siete Cumbres (Seven Summits).


Un guiño curioso: en el ámbito astronómico, un asteroide (6897 Tabei) fue nombrado en su honor, así como un relieve montañoso en Plutón llamado “Tabei Montes”.


Tres planteamientos breves que inviten a mirar Climbing for Life más allá del biopic heroico.


La cima como espejismo

No hay nada más solitario que llegar arriba. Climbing for Life muestra que alcanzar la cumbre no es coronar la vida, sino perder de vista el suelo que la sostiene. La cámara de Sakamoto convierte el aire en espejo: cuanto más alto sube Junko, más se desdibuja quién la mira abajo.


El peso invisible del triunfo

El film deja entrever que la verdadera montaña no fue el Everest, sino las expectativas. Junko Tabei escala entre reproches, titulares y silencios domésticos. Cada logro femenino parece, todavía hoy, necesitar una disculpa.


Morir sin bajar

Sakamoto filma la vejez y la enfermedad como otra expedición: una última ascensión interior donde el cuerpo ya no obedece, pero el impulso sí. Climbing for Life no celebra la conquista, sino la persistencia: la voluntad de seguir mirando hacia arriba incluso cuando el horizonte se oscurece.











Clemencia P. Medeiros 

Instagram: @kellyclemencia