Renoir de Chie Hayakawa

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  FICHA TÉCNICA
• Película:  Renoir
• Año: 2025
• Fecha de estreno en España en cines : 17-04-2026
• Países: Francia, Japón
• Dirección: Chie Hayakawa
• Intérpretes: Yumi Kawai, Lily Franky, Ryota Bando, Hikari Ishida, Ayumu Nakajima, Yui Suzuki
• Guión: Chie Hayakawa
• Música: Rémi Boubal
• Fotografía: Hideho Urata
• Distribuye en cine: Adso Films
• Sinopsis oficial:

Tokio, 1987. Mientras su madre sostiene el hogar y su padre lucha contra la enfermedad, Fuki, una niña de 11 años con una imaginación desbordante, vive un verano marcado por una curiosidad inmensa por el mundo que la rodea. Entre juegos, fantasías y pequeños descubrimientos, emprende un viaje íntimo y luminoso para comprender la realidad cambiante que se despliega ante ella.

Hablando de la película… 

La mirada de Chie Hayakawa

Hayakawa viene de impactar con Plan 75, una obra muy dura sobre la vejez y la eutanasia en Japón.   La  curiosidad es que el cambio de tono en Renoir es deliberado: pasa de lo social y distópico a lo íntimo y sensorial.

La directora ha comentado en entrevistas que ésta película nace de recuerdos fragmentados de su propia infancia, especialmente la sensación de observar a los adultos sin entender del todo lo que ocurre.

Principalmente su cine se caracteriza por trabajar con silencios y tiempos muertos, y aquí quiso llevarlo más lejos: muchas escenas están construidas desde la perspectiva de la niña, con información incompleta. Un detalle muy curioso es que la montadora y editora es francesa, se llama Anne Klotz. Hayakawa ha comentado que el proceso de montaje con ella cambió mucho el ritmo inicial de la película.

Hayakawa ha declarado que hizo "Renoir" porque cuando su padre murió (ella tenía veinte años), no pudo llorar. Cargó con esa culpa durante años y la película fue una forma de "reparar esa incapacidad para sentir empatía" en aquel momento . Esa es la base emocional de Fuki.

Hayakawa ha revelado que desde los 10 u 11 años (justo la edad de Fuki) empezó a anotar en un cuaderno todas las ideas, emociones y escenas que quería plasmar algún día en una película. "Renoir" es el resultado de décadas de acumulación de esos apuntes.

Protagonista Yui Suzuki

Tui Suzuki es su primer papel importante y fue elegida por ser la primera en audicionar. 

La anécdota de la audición: La directora pidió a Yui Suzuki que imitara a un animal. La niña dijo que se le daba bien, ¡y lo que hizo fue relinchar como un caballo! Ese toque de imaginación y valentía convenció a Hayakawa de que era la indicada .

Anécdota de rodaje: Hayakawa evitó darle indicaciones emocionales explícitas. En lugar de eso, le describía situaciones de forma ambigua para que reaccionara “como una niña que no entiende del todo”. Se trabajó mucho con improvisación controlada, especialmente en escenas cotidianas (comidas, paseos, silencios). La directora disfrutaba viendo qué "sorpresas" le traía cada día. De hecho, en una escena de "mentalismo" con su amiga del colegio, Yui acertó 4 de 5 veces lo que la otra niña pensaba, algo que la directora calificó de "mágico"

Estilo visual: la influencia pictórica en el título “Renoir”

El título nos remite a Pierre-Auguste Renoir y la película busca esa misma estética impresionista, luz cálida, momentos fugaces, sensación de recuerdo. 

El director de fotografía Hideho Urata trabajó con luz natural siempre que le fue posible, ademas utilizó tonos ligeramente desaturados y encuadres que parecen “observados”, no compuestos.  Muchas escenas están rodadas en horas doradas para reforzar la idea de memoria y nostalgia.

Localizaciones: Tokio como recuerdo

Aunque está ambientada en 1987, no se recreó con grandes decorados. Se rodó en barrios reales de Tokio que aún conservan estética de los 80.

Curiosidad de producción: el equipo evitó zonas demasiado modernizadas, buscando espacios donde el tiempo parece detenido. Utilizó I¡interiores como la casa familiar, el hospital parcialmente recreados para controlar la luz y el tono emocional.

Reparto adulto: Lily Franky y compañía

Lily Franky (el padre) es conocido por papeles profundamente humanos (como en Shoplifters). Aquí aporta una presencia frágil y contenida.

Anécdota: el personaje del padre enfermo se construyó evitando el melodrama. Muchas escenas se rodaron con mínimos diálogos, dejando que el cuerpo y los silencios hablaran.

La madre (Hikari Ishida) representa el peso invisible del hogar, algo que Hayakawa quería mostrar sin subrayados dramáticos.

Música: Rémi Boubal. 

Boudal es un compositor francés que la directora hace que refuerze el carácter híbrido Francia–Japón del proyecto. Curiosidad: la música es muy contenida y aparece tarde en muchas escenas. La intención era no guiar emocionalmente al espectador, sino dejarlo “perdido” como la protagonista.

La canción "Rydeen” de Yellow Magic Orchestra que suena en el campamento de verano es real para la directora. Es la canción que ella bailó en un campamento cuando era niña .

Producción: una coproducción poco habitual

Proyecto franco-japonés que mezcla la sensibilidad europea (ritmo pausado, mirada autoral), con tradición japonesa de cine íntimo.

Dato interesante: este tipo de coproducción permite mayor libertad creativa que el sistema comercial japonés más rígido.

Detectar símbolos, escenas clave o posibles lecturas ocultas 

He comprobado que la directora con su guion nos ha permitido recorrer con ella todos aquellos aspectos que los japoneses los tienen como cotidianos por su cultura. Por ejemplo. Fuki observa la muerte desde varios sucesos. En un funeral dónde ella se pregunta que cuando muere alguien lloramos porque ¿sentimos pena por ellos o por nosotros?. Más tarde en el hospital verá como una madre llora gritando la muerte de su hijo. En otro suceso Fuki es cogida de la mano para que represente a una nieta para un moribundo. Hipnotizando a una señora descubre Fuki y el espectador como de solas y trágicas, son las convivencias en un matrimonio, además de los secretos que marido y mujer desconocen uno del otro. La soledad a través de la línea de teléfono, dónde Fuki accede por curiosidad sin ser consciente de los peligros con los adultos. En el TV. a la 1h 12' de la película oímos noticias terribles como la de un niño que mata a sus padres porque le retiraron la asignación. El niño más tarde tenía intención de suicidarse. Y así hasta la curiosidad del nombre de la película: Renoir y el cuadro que pinto para la hija Irène Cahen d'Anvers. "La niña de la cinta azul". La película nos lleva a la curiosidad de una adolescente de 11 años con la que vemos el Japón de 1987. 

Fuki como espectadora del mundo (y nosotros con ella)

Éstas escenas sueltas que he reseñado son rituales de iniciación. Fuki no vive una historia, vive un aprendizaje emocional sin manual de instrucciones.

La muerte → no como tragedia única, sino como algo cotidiano, casi administrativo en la cultura japonesa.

El dolor → expresado de formas contradictorias (silencio vs. grito).

La identidad → fingir ser nieta, jugar a ser otra.

La intimidad → descubrir que los adultos son desconocidos entre sí.

Todo eso no se le explica… lo absorbe. Y ahí está lo interesante: no hay pedagogía, hay exposición.

La muerte: no es el tema… es el lenguaje

Lo que señalo del funeral es clave: “¿Lloramos por ellos o por nosotros?”. Esa pregunta desmonta toda la escena. Porque la película no habla de la muerte como final, sino como espejo del ego. El funeral → muerte socializada. El hospital → muerte visceral. El anciano → muerte instrumentalizada (ella actuando)

Tres formas de lo mismo: la muerte como experiencia de los vivos, no del muerto. Y Fuki lo detecta sin tener palabras para ello.

La soledad: el verdadero tema oculto

No es la muerte. Es la soledad estructural. Y lo he visto muy bien en: La mujer hipnotizada → matrimonio como desconocimiento mutuo. El teléfono → conexión que en realidad es aislamiento. Las noticias → violencia como resultado de desconexión emocional. Todo apunta a lo mismo: la incapacidad de vincularse de verdad. Y esto conecta mucho con lo que yo ya he investigado sobre Francia, curiosamente,
sociedades avanzadas, pero emocionalmente deshabitadas.

El teléfono: probablemente la escena más inquietante

Fuki entra ahí sin saber el peligro y los límites. La película tampoco subraya el peligro de forma explícita pero el espectador se siente con ganas de avisar a la niña y está secuestrado fuera de la pantalla.

La directora ha explicado por qué las incluyó. Quería mostrar que las niñas viven desde pequeñas con ese peligro acechando, aunque no lo entiendan del todo. A veces no saben que están en peligro, pero el cuerpo les avisa con una sensación de inquietud. Esa dualidad entre la curiosidad/necesidad de afecto y el miedo es lo que quiso plasmar .

La televisión: el mundo filtrado (y deshumanizado)

La noticia del niño que mata a sus padres es brutal por una razón terrible, no genera reacción dramática en la película. Está ahí, como ruido de fondo. Y eso es devastador, la violencia extrema se convierte en paisaje sonoro cotidiano

El cuadro: La niña de la cinta azul

Aquí la película se vuelve casi transparente en su intención… pero no por ello menos potente.

Ese retrato de Irène Cahen d'Anvers tiene algo inquietante. Es una niña, aunque su mirada no es infantil. Exactamente como Fuki y aquí está la clave: Renoir no pinta una niña feliz, pinta una niña observada y Hayakawa hace lo mismo. Recuerda que, en el Japón de los 80, las reproducciones de pintura occidental estaban muy de moda. Ella le pidió a su padre (enfermo) que le comprara esa reproducción concreta. Para ella, la película es también un homenaje a su padre, que amaba la cultura occidental y se alegró de que se lo pidiera. 

Mi lectura trata de ese momento exacto en el que descubres que el mundo no tiene sentido… y nadie te lo va a explicar. Fuki no reacciona con drama, reacciona con curiosidad. Porque No es que Fuki esté descubriendo el Mundo… es que está descubriendo que los adultos tampoco lo entienden.

Me ha recordado aspectos de la última película Rental Family de Hikari de 2025

Rental Family vs Renoir (2025)Ambas películas parten de premisas muy distintas: Rental Family → la familia como ficción contratada. Renoir → la familia como realidad incomprensible. Pero en el fondo… están hablando de lo mismo. La idea central que une ambas. La familia ya no es un espacio de verdad emocional, sino de representación

En Rental Family esto es explícito: se alquilan vínculos, se interpretan roles, el afecto se simula. Actúa la mentira porque han decidido que lo mejor es fingir que entienden el mundo.

En Renoir es más sutil: la niña observa que los adultos no se conocen realmente, los vínculos existen… pero están vacíos o fragmentados. Se descubre que la verdad tampoco llena. Fuki empieza a ver que el mundo es incomprensible

“Fuki no aprende qué es la vida. Aprende algo peor: que nadie sabe explicársela.”

 Amor DiBó

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