domingo, 2 de agosto de 2026

El Síndrome de Rembrandt . Pierre Schoeller


Para el espectador que visione los primeros minutos de la película El síndrome Rembrandt de Pierre Schoeller, tendría que parar porque la conversación del matrimonio y la hija que cumple 21 años en un restaurante no habrá entendido nada, como yo. No se si es la traducción pero la escena descoloca bastante. Pierre Schoeller escribe diálogos muy naturales, muy franceses, en los que varias ideas se cruzan a la vez y, además, una traducción poco afinada puede hacer que parezca una conversación inconexa.


He comprobado esa secuencia y, en realidad, la conversación gira alrededor de dos conflictos familiares. 


Celebran el 21º cumpleaños de Salomé. Parece una cena familiar agradable, pero enseguida aflora una tensión que ya existía.

Salomé anuncia que quiere dejar Biología. Ella quiere abandonar la carrera para dedicarse a la fotografía. Sus padres, especialmente el padre, consideran que debería terminar primero los estudios universitarios.

La hija aprovecha para ajustar cuentas con su padre. No solo habla de la carrera. También le reprocha que cuando era joven fue una persona cobarde, alguien que no se atrevió a seguir sus propias convicciones. Es decir, le está diciendo: "¿Cómo puedes decirme que sea valiente si tú nunca lo fuiste?"

La madre (Claire) se comporta de forma extraña. Parece distraída, emocionalmente ausente e incluso bebe más de la cuenta. En ese momento el espectador todavía no sabe por qué. Nosotros ya sabemos que acaba de vivir la experiencia perturbadora en la National Gallery frente a los cuadros de Rembrandt, pero la familia no comprende qué le ocurre.

Finalmente se abrazan. Aunque han discutido, la escena termina con regalos y reconciliación. Sin embargo, el detalle importante no es la discusión, sino que Claire ya no es exactamente la misma persona. Esa transformación silenciosa es lo que le interesa al director Schoeller.


Creo que aquí está la clave

Schoeller hace algo muy francés: mientras aparentemente discuten sobre los estudios de la hija, en realidad está hablando de otra cuestión mucho más profunda. Cada personaje representa una forma distinta de mirar el mundo: El padre representa la razón, la planificación y el deber. La hija representa la libertad y la creación artística. La madre ya está empezando a vivir una experiencia casi mística que nadie más puede comprender.

Es decir, la discusión sobre Biología o Fotografía es casi un pretexto. El verdadero tema es el enfrentamiento entre la ciencia, el arte y la transformación interior, que será el corazón de toda la película.


Ahora volvemos a estar confusos porque desde un punto de vista de comportamiento humano, no resulta una reacción muy verosímil. Imaginemos la situación en la vida real. Estás en un museo extranjero. Tu pareja desaparece durante dos horas. No responde. La encuentras después en un estado extraño, como ausente. Lo habitual sería una avalancha de preguntas.  ¿Dónde estabas? ¿Te ha pasado algo? ¿Te has mareado? Sin embargo, Schoeller apenas le da importancia.


Hablando de la película... 

miércoles, 29 de julio de 2026

Mother Mary . David Lowery por Anna Bayón


IN MY OPINION: MOTHER MARY

Delirante historia con un guion deficiente sobre los entresijos mentales de una estrella del pop.


*Mother Mary* (Anne Hathaway) es una estrella del pop con miles de seguidores que, tras un descanso obligado por un accidente sufrido durante su anterior gira, se ve forzada a regresar a los escenarios. Para ello, decide acudir a su antigua diseñadora y amiga, Sam (Michaela Coel), con el fin de que le confeccione un nuevo vestido. Bajo este pretexto, intentará recuperar una amistad perdida a través de la creación artística que siempre las unió y que, separadas, ninguna es capaz de desarrollar de la forma única que las caracterizaba.


Aunque cuenta con dos actrices estupendas que brillan en este duelo interpretativo, la película divaga constantemente por un guion enrevesado, repleto de tramas psicológicas y episodios de paranoia que terminarán por desconcertar al espectador. Dirigida y escrita por David Lowery (A ghost story), en un momento especialmente complicado de su vida, en el que se encontraba enfermo y con fiebre (algo que, en cierto modo, parece reflejarse en el resultado final), la cinta pretende explorar los sentimientos de sus dos protagonistas. En el caso de Mary, asistimos a una catarsis personal mediante la que siente la necesidad de recuperar esa amistad y obtener el perdón para dar sentido a su vida. Sam, por su parte, vive consumida por el rencor y el dolor, lo que convierte el olvido en una tarea prácticamente imposible. Sin embargo, todo este conflicto emocional acaba diluyéndose en un sinfín de efectos visuales que mezclan lo sobrenatural con lo terrenal sin llegar a construir un discurso sólido.


Cabe destacar las actuaciones musicales, donde se aprecia un notable cuidado en la dirección artística. El uso de la iluminación y el diseño del vestuario están trabajados con gran acierto y resultan visualmente impactantes. Lamentablemente, este apartado no consigue sostener una historia tan inverosímil como confusa, que se va desinflando a medida que avanza el metraje. Así, *Mother Mary* termina siendo una película disfrutable casi exclusivamente por su propuesta visual.


Como curiosidad, Anne Hathaway interpreta ella misma todas las canciones y realiza las coreografías, quizás lo más destacable de la cinta sea el momento en el que hace la coreografía en silencio total, con la fuerza interpretativa que la caracteriza. Sin embargo, lo que podría haber sido un papel ideal para que la actriz desplegara todo su talento acaba convirtiéndose en una cinta enrevesada y paranoica que, al llegar a su desenlace, deja la sensación de no haber explicado realmente nada.


Estreno en Cines el próximo 31 de Julio de 2.026


Puntuación

⭐⭐









Anna Bayón

Instagram: @cine-anabayon

viernes, 24 de julio de 2026

El sueño americano . Anthony Marciano con Anna Bayón


IN MY OPINION: EL SUEÑO AMERICANO

El cineasta francés Anthony Marciano (Play) dirige esta comedia dramática, inspirada en hechos reales, sobre dos jóvenes que sueñan con convertirse en agentes de jugadores de la NBA.

Jérémy trabaja en un videoclub y Bouda limpia aviones en el aeropuerto de París. Un día, sus caminos se cruzan en una cancha de baloncesto y ese encuentro cambiará sus vidas para siempre. Lo que comienza como una amistad inesperada acaba convirtiéndose en una sólida alianza profesional, impulsada por un mismo sueño: abrirse camino en el exigente mundo de la representación de jugadores de baloncesto. En su recorrido tendrán que enfrentarse a innumerables obstáculos, desde problemas económicos hasta la barrera del idioma o las dificultades propias de empezar desde cero. Sin embargo, su perseverancia, ambición y confianza mutua serán sus mejores armas para seguir adelante.

La película está basada en la historia real de estos dos agentes franceses, que a principios de los años 2000 lucharon durante años para hacerse un hueco en el competitivo universo de la NBA. Una historia de esfuerzo y superación que demuestra que los grandes logros rara vez llegan de la noche a la mañana.

Producida por los responsables de Intocable, la cinta comparte ese tono emotivo y optimista que tan bien funciona gracias, en gran medida, a la magnífica química entre sus dos protagonistas. Jean-Pascal Zadi y Raphaël Quenard, ambos galardonados con el Premio César por trabajos anteriores, ofrecen interpretaciones llenas de naturalidad, carisma y complicidad.

Con un equilibrio muy acertado entre el humor y el drama, El sueño americano logra emocionar y hacer que el espectador conecte con sus personajes. La película pone en valor la amistad, la confianza, el sacrificio y la perseverancia, convirtiendo esos elementos en el verdadero motor de la historia.

También destaca su cuidada ambientación, que recrea con acierto los primeros años del siglo XXI mediante detalles como el uso del fax, los teléfonos móviles de la época o un mundo todavía alejado de la inmediatez de internet. A ello se suma una banda sonora muy acertada, que combina una partitura emotiva con éxitos como Walking Away, de Craig David.

Como aspecto menos positivo, se echa en falta un mayor dinamismo en determinados tramos del metraje, ya que el ritmo decae en algunos momentos y ciertos personajes secundarios podrían haber tenido un desarrollo algo más profundo.

En definitiva, El sueño americano es una propuesta diferente, emotiva e inspiradora, ideal para quienes busquen una alternativa a los habituales blockbusters del verano. Una historia sobre perseguir los sueños que deja muy buen sabor de boca.








Anna Bayón

Instagram: @cine-anabayon


sábado, 18 de julio de 2026

TRUE CRIME + PELÍCULAS. La Enfermera y el Bombero Alberto Santamaría


Cuando la realidad recuerda al cine
. Actualidad, psicología y cine con filmografía.

Caso 001: La Enfermera y el Bombero Alberto Santamaría 

¿Por qué nos resulta tan perturbador que quien está llamado a cuidar de las personas, pueda convertirse en quien les hace daño? ¿Es porque rompe una norma moral o porque nos obliga a desconfiar de aquello que asociamos con la seguridad?


Hola, soy Amor DiBó y esto es True Crime con películas, una sección donde analizaremos noticias de actualidad a través del Cine. 


El 25 de junio de 2026, en el municipio de Sant Salvador de Guardiola, los Mossos d'Esquadra detienen a Carmen, una enfermera acusada de matar a su marido bombero, tras 20 años de convivencia, en Manresa - Barcelona. La detenida pasó a disposición judicial y el juez decretó para ella prisión provisional, comunicada y sin fianza. 


Cuando la noticia saltó a los digitales, estos resaltaron que la víctima falleció en febrero de 2026 en el hospital donde había ingresado varias veces por somnolencias y amnesias. La autopsia identificó una gran variedad de benzodiacepinas y fentanilo en sangre y orina


Se trataba de Alberto Santamaría  de 46 años, bombero-sanitario y miembro del cuerpo de los Bomberos de la Generalitat desde 2005, muerto en febrero de 2026, en el hospital de Manresa en extrañas circunstancias



Películas:
1. Nurse 3D . Douglas Aarniokoski
2. The Good Nurse (El ángel de la muerte) . Tobias Lindholm
3. Killer Nurse . Ulli Lommel
4. The Nurse . Robert Malenfant
5. The Nurse Killer . Bob Wynn
6. American Mary . Jen Soska y Sylvia Soska
7. Dead Ringers . David Cronenberg
8. Coma . Michael Crichton

Canal de Youtube: https://youtu.be/lXa3HdAl31Q

Hace algunos años que realice un trabajo del Síndrome de Münchausen por Poderes visto desde el cine, desde las películas.

Comprendí la rutina siniestra de determinadas madres que tenían los hijos en el hospital porque habían sido ingresados en estado critico. Mejoraban al llegar al hospital aunque estuvieran en salas aisladas en observación, pero cuando los niños pasaban a planta volvían a empeorar. El misterio se resolvió porque se demostró que cuando eran visitados por la madre, a escondidas del personal médico, les suministraban fármacos y empeoraban volviendo al estado crítico. 


El Síndrome de Munchausen por Poderes y el Cine para el canal de Youtube AmorDiBó y que publiqué el 10 de Julio de 2020. https://youtu.be/cuphaCTIW14




miércoles, 15 de julio de 2026

OMAHA . Cole Webley


FICHA TÉCNICA

Título original: Omaha
Dirección: Cole Webley
Guion: Robert Machoian
País: Estados Unidos
Año: 2025
Duración: 83 minutos
Género: Drama · Road movie · Drama familiar
Fotografía: Paul Meyers
Música: Christopher Bear
Montaje: Jai Shukla
Reparto principal: John Magaro, Molly Belle Wright, Wyatt Solis, Talia Balsam, Rachel Alig.
Estreno en España: 17 de julio de 2026.

Sinopsis: 

Tras una tragedia familiar y la pérdida de su hogar, un padre despierta de madrugada a sus dos hijos, Ella y Charlie, para emprender un largo viaje por carretera hacia Omaha, Nebraska. Lo que al principio parece una aventura improvisada va revelándose poco a poco como un trayecto cargado de silencios, dolor y decisiones imposibles. Mientras los niños descubren un mundo desconocido, la hija mayor comienza a comprender que el verdadero destino del viaje es muy distinto del que imaginaba.


Anécdotas del rodaje, actores y director

1. La película nace de una ley real muy controvertida

El guion está inspirado en la Safe Haven Law aprobada en Nebraska en 2008. Un vacío legal permitió durante unos meses que algunos padres abandonaran legalmente incluso a hijos adolescentes en hospitales. Aquella situación conmocionó al país y sirvió como punto de partida para la historia. 

2. Cole Webley financió gran parte de su ópera prima

Después de quince años dirigiendo anuncios publicitarios, Webley y su productor decidieron invertir sus propios ahorros para conservar el control creativo del proyecto. Según el director, esa libertad le permitió no suavizar una historia deliberadamente dura.

3. John Magaro cambió la película

Originalmente el relato estaba mucho más centrado en la niña. Sin embargo, durante el rodaje, la interpretación de John Magaro impresionó tanto al director que decidió otorgar mayor presencia emocional al padre, mostrando su conflicto interno sin apenas diálogos.

4. Rodaje en plena huelga de Hollywood

La producción coincidió con las huelgas de actores y guionistas de 2023. Al tratarse de una pequeña película independiente, el equipo tuvo que solicitar una autorización especial para continuar el rodaje, lo que incrementó el presupuesto y complicó la producción.

5. Una revelación en Sundance

Omaha fue presentada en la Competición Oficial de Sundance 2025, donde obtuvo una nominación al Gran Premio del Jurado y llamó la atención por su sensibilidad y por la interpretación de John Magaro, consolidando a Cole Webley como uno de los nuevos nombres del cine independiente estadounidense. 


5 escenas clave

1. El despertar en plena madrugada
Desde los primeros minutos la película instala una sensación de inquietud. Los niños aceptan el viaje con naturalidad mientras el espectador percibe que algo grave acaba de ocurrir.

2. La carretera como refugio
Las largas secuencias del coche convierten el paisaje estadounidense en un personaje más. La inmensidad del territorio contrasta con el progresivo aislamiento emocional de la familia.

3. Los pequeños momentos de felicidad
Paradas para comer, juegos infantiles y conversaciones aparentemente triviales funcionan como un delicado contrapunto frente a la tragedia que el padre intenta ocultar.

4. Las sospechas de Ella
La hija comienza a unir las piezas del puzle. Su mirada evoluciona desde la curiosidad infantil hacia una comprensión cada vez más dolorosa de la situación.

5. La llegada a Omaha
Toda la película converge en un desenlace de enorme carga emocional que obliga al espectador a reinterpretar el viaje completo y deja abierta una reflexión sobre la responsabilidad individual y el fracaso de las instituciones.


Hablando de la película… 

miércoles, 8 de julio de 2026

Marielle lo sabe todo . Frédéric Hambalek (Was Marielle weiß / What Marielle Knows)


FICHA TÉCNICA

Título original: Was Marielle weiß (What Marielle Knows / Marielle lo sabe todo)

Dirección y guion: Frédéric Hambalek

País: Alemania

Año: 2025

Duración: 86 minutos

Género: Drama / Comedia negra / Fantasía psicológica

Idioma: Alemán

Fotografía: Alexander Griesser

Montaje: Anne Fabini

Dirección artística: Bartholomäus M. Kleppek

Vestuario: Mara Laibacher

Productoras: Walker + Worm Film, ZDF – Das kleine Fernsehspiel

Productores: Philipp Worm, Tobias Walker

Reparto principal: 

Julia Jentsch — Julia

Felix Kramer — Tobias

Laeni Geiseler — Marielle

Mehmet Ateşçi

Moritz Treuenfels

Sinopsis

Julia y Tobias aparentan formar una familia estable. Sin embargo, ese equilibrio salta por los aires cuando su hija Marielle, después de un incidente en el colegio, desarrolla una inexplicable capacidad: puede ver y escuchar todo lo que hacen sus padres, incluso cuando se encuentran lejos de ella.

Las pequeñas mentiras cotidianas, los secretos, las infidelidades emocionales, las frustraciones laborales y las contradicciones morales dejan de pertenecer al ámbito privado. La familia entra entonces en una especie de laboratorio donde desaparece la posibilidad de fingir, obligando a cada uno de sus miembros a preguntarse hasta qué punto una relación puede sobrevivir cuando ya no existen zonas ocultas.


Anécdotas del rodaje

Competición Oficial de la Berlinale

La película fue seleccionada para competir por el Oso de Oro en la 75ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, uno de los escaparates más prestigiosos del cine europeo contemporáneo.

Rodaje muy concentrado

La filmación se realizó entre finales de febrero y finales de marzo de 2024 en diferentes localidades de Baviera, especialmente en Múnich, Eching y Landshut. Se trató de un rodaje relativamente corto, habitual en muchas producciones alemanas independientes.

Frédéric Hambalek escribió también el guion

No adapta ninguna novela. La idea nace completamente del propio Hambalek, que utiliza un elemento fantástico muy sencillo para hablar de un problema profundamente cotidiano: la imposibilidad de sostener las máscaras familiares cuando desaparece la intimidad.

Una ciencia ficción casi invisible

Aunque existe un elemento sobrenatural (la telepatía), Hambalek evita cualquier explicación científica o espectacular. Nunca intenta justificar el fenómeno; le interesa únicamente como experimento moral y psicológico. Ese minimalismo acerca la película más a una sátira social que a una obra de ciencia ficción.


Los actores

Julia Jentsch

Muy conocida internacionalmente por interpretar a Sophie Scholl en Sophie Scholl: Los últimos días, papel por el que obtuvo numerosos premios europeos. Aquí construye un personaje lleno de contradicciones: una madre afectuosa pero incapaz de sostener completamente la imagen que desea transmitir a su hija.


Felix Kramer

Especializado en personajes duros y ambiguos dentro del cine y la televisión alemana. En esta película interpreta probablemente su papel más incómodo: un padre cuya autoestima se va desmoronando mientras pierde el control absoluto sobre su vida privada.


Laeni Geiseler

La gran revelación de la película. Su interpretación evita cualquier exceso sobrenatural. Marielle no actúa como una superheroína sino como una adolescente obligada a soportar un conocimiento que ningún niño debería tener. Gran parte de la fuerza dramática de la película descansa precisamente en su contención.


El director: Frédéric Hambalek

Hambalek pertenece a una generación de cineastas alemanes interesados en introducir pequeñas premisas fantásticas dentro de conflictos completamente reales. Su cine evita el espectáculo para observar el comportamiento humano. 

En Marielle lo sabe todo convierte una simple pregunta en el verdadero motor del relato. ¿Qué ocurriría si desapareciera por completo la privacidad dentro de una familia? Es un planteamiento cercano a un experimento filosófico llevado al terreno doméstico. 


Cinco escenas clave

1. La bofetada en el colegio

El incidente que desencadena el extraño don de Marielle. Hambalek nunca intenta explicar el fenómeno; simplemente acepta que ha ocurrido y desplaza inmediatamente el interés hacia sus consecuencias.


2. La primera demostración ante sus padres

Marielle describe con absoluta precisión lo que Julia y Tobias han hecho durante el día. Es el momento en que la película cambia definitivamente de género: deja de ser un misterio para convertirse en un estudio sobre la confianza.


3. Los intentos desesperados por proteger la intimidad

Los padres comienzan a modificar su comportamiento, incluso buscando maneras absurdas de hablar sin que su hija pueda comprenderlos. Es una de las secuencias donde la comedia negra funciona mejor.


4. La transformación del matrimonio

A medida que la vigilancia permanente continúa, la pareja deja de interpretar el papel de matrimonio ejemplar y aflora todo aquello que llevaba años ocultándose. Aquí la película deja de hablar de la telepatía para hablar del matrimonio.


5. El desenlace

Sin entrar en spoilers, el final plantea una pregunta incómoda: ¿es preferible una verdad absoluta o una convivencia basada en pequeñas zonas de intimidad y ciertas mentiras piadosas? La película evita responder de forma cerrada y deja la reflexión al espectador.


Hablando de la película…